Parasite: Una buena pateada de tablero

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Justo cuando empezaba a pensar que la industria del cine ya no tenía nada nuevo que ofrecer, aparece un título como ''Parasite'' que patea el tablero y maravilla por su increíble vocación para contar una historia tan atrapante como poco convencional. Aplaudo la gran decisión de la Academia (Oscars) de darle no sólo el premio a la Mejor Película Internacional, sino también como Mejor Película (a secas) del 2019, llegando a hacer historia en la industria. Ya se lo que pensarán algunos que leen esta reseña... ¿Cine coreano? ¿En serio? Si son bastante cinéfilos ya deben conocer algunos buenos títulos coreanos como ''Oldboy'', ''The Host'' u ''Okja''.

Toy Story 4: Una saga que sigue fuerte

* * * *  MUY BUENA

Vuelve una de las mejores sagas de la factoría Disney - Pixar y lo hace a lo grande. Revisando un poco las fechas de las entregas anteriores, me di con que ''Toy Story 3'', la entrega anterior a esta, se estrenó en 2010... sí! En 2010, es decir, hace 9 años. ¡Realmente quedé sorprendido! Cómo pasa el tiempo... 
En esta ocasión, la banda más simpática de juguetes toma vida nuevamente para seguir acompañando a Bonnie, esa tierna niña a la que Andy dejó sus preciados juguetes para crecer e ir a la universidad. El veterano Woody, ha pasado a ser un juguete más y ya no es el favorito de Bonnie. En cambio, la niñita construye a su nuevo mejor amigo al que llama Forky, un tenedor/cuchara descartable con carita y extremidades.

La forma del agua: Un nuevo clásico instantáneo

* * * * *  EXCELENTE

"The shape of water" es una de esas clases magistrales de cine que aparecen cada tanto en la gran pantalla. Este nuevo trabajo del director mexicano Guillermo del Toro ("El laberinto del fauno", "Hellboy") es un verdadero clásico instantáneo que llega hondo al corazón de los espectadores, no sólo por su temática inclusiva y trascendental sino también por su demostración de gran amor a la industria del cine.
Para los concurrentes más despistados debo advertirles que este cuento de Guillermo del Toro es por sobre todas las cosas una historia de amor. Tiene fantasía, tiene drama, tiene humor, pero su esencia principal es contarnos acerca del amor de dos seres.

Luz de luna: Una historia de transformación

* * * * *  EXCELENTE

"Moonlight" es uno de esos pequeños grandes filmes que aparecen todos los años y amenazan el reinado de las grandes favoritas de la crítica y el público en la temporada de premios. El gran monstruo de este año es la película "La La Land" que tiene 14 nominaciones a los premios Oscars y se perfila como cómoda ganadora en la terna de Mejor Película. Si me preguntan a mí, creo que "Moonlight", trabajo del director afroamericano Barry Jenkins, debería ser considerada por encima del musical de Damien Chazelle por varias razones que ampliaré a continuación.

Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia): Convertirse en personaje

* * * *  MUY BUENA

"Birdman" es una de esas sorpresas que llegó con poca promoción a las salas de cine de nuestro país. Venía con muy buenos ingredientes y referencias, pero como toda película de corte independiente y de autor, no recibió mucha atención por parte de las grandes distribuidoras y salas.

Desde el inicio se perfiló como film potente para competir por premios cinematográficos, entre ellos el Golden Globe y el Oscar 2015. 

Dirige el prestigioso mexicano Alejandro González Iñárritu ("Amores Perros") y está protagonizada por el veterano Michael Keaton ("Batman", "Beetlejuice"), Emma Stone ("Historias Cruzadas"), Edward Norton ("El Ilusionista") y elenco.

Grandes Héroes: El fuerte cóctel Disney-Marvel

* * * *   MUY BUENA

Llega la primera película nacida de la adquisición de Marvel por parte de la factoría Disney, y como no podía ser de otra manera, nos ofrece una historia de super héroes un tanto particulares. 
"Big Hero 6" es una película de animación muy buena y divertida que aborda cuestiones contemporáneas e interesantes de la vida como la muerte, la redención, la madurez, la venganza, la responsabilidad de los actos que cometemos y por supuesto la amistad. Este último elemento conforma el centro de la trama. La película nos habla sobre el poder de la amistad y su verdadero significado.
Todo tiene lugar en la ciudad futurista de San Fransokyo, una suerte de San Francisco estadounidense pero conquistada por la cultura japonesa. En ella viven Hiro y Tadashi, dos hermanos muy distintos pero que se quieren un montón. Ambos genios de la tecnología, luego de la muerte de sus padres, tomaron formas de ver la vida distintas. Hiro tomó un camino más pendenciero y se dedica a las apuestas de la lucha callejera de robots, mientras que Tadashi, el hermano más grande, es un sobresaliente alumno de un instituto de tecnología e inventos que está a la vanguardia en innovación y robótica. Este último, preocupado por el camino que está tomando su hermano menor le ofrece la oportunidad de ingresar al instituto y hacer algo mejor con su vida. Hiro acepta y todo parece marchar sobre ruedas hasta que un terrible accidente acaba con la vida de su hermano. Deprimido y lleno de furia, ha perdido nuevamente sus ganas de vivir hasta que por accidente conoce a Baymax, uno de los inventos de su hermano, que fue creado para socorrer a las personas que están en peligro o han sufrido algún tipo de afección física y psicológica.
La trama constantemente gira en torno a Hiro y su búsqueda de lugar en el mundo, pero para esto, necesita de la ayuda de Baymax y un grupo de amigos nerds de Tadashi. El robot y Hiro se hacen inseparables y este último aprende algunas lecciones sobre ser una persona de bien.
Lo mejor del film ,lejos, es el personaje de Baymax, un robot gordito que resulta divertido desde su aspecto físico hasta en su personalidad hiper inocente, pero sabia. El hecho de que sea gordo está tratado muy bien, siempre manteniendo la línea de lo correcto y sin ofrecer chistes ofensivos. A su vez, se nota que trataron de incorporar elementos del animé para atraer a un nuevo segmento. Sin ser una maravilla, logra su cometido y entretiene muchísimo dejando algunas buenas enseñanzas. La historia sobre el final presenta una vuelta de tuerca buena pero algo previsible.
En general es un producto muy bueno pero que no está por encima de "Rompe Ralph" y "Frozen".

Ida: Un elegante revisionismo histórico

* * * *   MUY BUENA

"Ida” es la cinta elegida por la República de Polonia para la temporada de premios de cara a los Oscar 2015. Y es una fortuna que los cines de nuestro país la hayan proyectado, con esas “presuntas” intenciones de traer a nuestras pantallas exponentes que amplíen el abanico de ofertas para diversificar los gustos del público.
Esta película es abordada en una época de transición para la historia contemporánea de Polonia (1960), tocando una de las páginas más negras de la historia de Europa y la humanidad. Creo que la cinta es, para los habitantes de aquel país, una experiencia que los moviliza de una manera más sensible que al resto de los espectadores. Y en medio de este marco, el guión encuentra la vía idónea para poner sobre la mesa una perturbadora búsqueda de la identidad, la memoria y la justicia.
La Polonia de la posguerra se encuentra atravesada por la dominación soviética que suplantó la dominación nazi y por las consecuencias del antisemitismo. Anna es una novicia que, antes de tomar sus votos, se ve obligada a visitar a su único familiar vivo: su tía. Tras ese encuentro, sabrá que su verdadero nombre es Ida, la hija de un matrimonio judío víctima de la persecución nazi. Ambas decidirán ir en búsqueda del pasado para que una de ellas descubra sus raíces y su historia y para que la otra alcance la justicia y su paz interior.
Desde el punto de vista estético, no hay nada que reprochar. Cuenta con un trabajo fotográfico envidiable que me hizo recordar mucho a la alemana “La Cinta Blanca” (2009). La excelente dirección utiliza magistralmente planos cortos e intimistas que regala escenas de gran belleza. En definitiva, cada elemento está colocado cuidadosamente para retratar el comunismo imperante, la sencillez y la devastación de la posguerra. En este sentido, alcanza ese objetivo. Pero hay algo que no me permite conectar completamente con la historia. Si bien el guión está muy bien concebido, creo que le faltó un poco de emotividad, quedando dentro del denominador común que presenta muchas veces el cine europeo oriental: la frialdad y la carencia de sensibilidad. Puedo aceptar que esa ausencia de emociones o de explicitación de los sentimientos de los personajes sea una elección artística, pero particularmente prefiero una cinta que genere algo en el espectador, que no lo deje indiferente, que motive, que exaspere o que entristezca, sin caer en el golpe bajo. Esa frialdad se hace muy evidente en su final, un tanto abrupto que produce un gusto amargo.
He aquí la película que puede arrebatarle el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa a nuestros “Relatos Salvajes” (2014). A esta altura no es descabellado pensar que ambas películas lleguen a ser candidatas a este premio. Pero Damián debería quedarse tranquilo porque su cinta tiene ese torbellino de emociones de la que la polaca carece casi por completo (sí; en este párrafo está hablando exclusivamente mi corazón).
Mas allá de todo eso, es innegable que las heridas de la posguerra siguen dando tela que cortar en términos cinematográficos, aunque en los últimos tiempos mediante películas de dudosa eficacia. Pero “Ida” es un claro ejemplo de cómo poner de manifiesto un momento histórico con cierta incomodidad y de plasmar una búsqueda de identidad, memoria y justicia de manera tal que no reconozca las barreras del tiempo y el espacio. Válida ayer, hoy, mañana y en cualquier lugar.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

La Grande Bellezza: Una búsqueda por los caminos de Roma

* * * * * EXCELENTE

Aquella ciudad eterna que brilla desde el corazón de la vieja Europa, aquella urbe que es la cuna del mundo occidental, aquella perla que emerge como un espacio de búsqueda intelectual, personal, espiritual y trascendental. Eso es Roma y configura el marco en el cual se despliega una historia que homenajea a la belleza misma. El director italiano Paolo Sorrentino nos ofrece una propuesta de una estética desbordante, asfixiante, ampulosa, delirante y mágica, que le ha valido el reconocimiento de la industria de Hollywood al premiarla con el Globo de Oro y el Oscar de la Academia en la categoría de "Mejor Película" de habla no Inglesa, entre numerosos premios.
Como una unión indisoluble, el director explicita las diversas perspectivas de una misma ciudad: la Roma imperial de la antigüedad, la Roma sagrada y pontificia, la Roma renacentista y antropocéntrica, y la Roma moderna y cosmopolita. Roma, responsable de tanta belleza y tragedia a la vez, constituye, para Jep Gambardella (Toni Servilo), un camino de búsqueda.
Las secuencias iniciales plasman el mix con el que nos toparemos a lo largo de toda la cinta. Nos introducen en una mirada casi élfica de Roma que se entremezcla con una fiesta fastuosa en donde una famosa canción de Raffaela Carrá eleva y excita el espíritu de una clase social acomodada, desenfadada, intelectual y deprimida. Y Jep es quien acapara todas las miradas desde un primer instante: es su cumpleaños y una vedette italiana venida a menos pregona: “¡Felicidades Jep! ¡Felicidades Roma!”. Porque Jep es, definitivamente, Roma misma.
Jep es un escritor exitoso y entrado en años que pasa su vida entre incisivas entrevistas a los más diversos personajes y los excesos de una vida nocturna activa y participativa. Pero tan sólo una pregunta constituye el disparador para que nuestro protagonista se replantee su propia vida: “¿Por qué no ha vuelto a escribir una novela?”. Habían transcurrido décadas de su aclamada y única obra, por lo que la búsqueda de una respuesta a ese interrogante lo hará transitar por todo el esplendor de Roma: sus edificios históricos, sus verdes y elegantes plazas, su arte tan variado, sus bellas mujeres, sus bares pintorescos, sus enloquecidas fiestas, su religión...
En ese camino de búsqueda, Jep no tan sólo recordará un antiguo y genuino amor, sino que también, cuestionará todo aquello que, por muchos años, le resultó cómodo y reconfortante. El hecho de salir de lo cotidiano y del terreno que le es propio para tratar de encontrarse con “aquella” respuesta apuntala diálogos de lo más atrapantes, incómodos, jugosos, envolventes y plagados de líneas que, con el tiempo, se transformarán en frases célebres del cine. Y la respuesta, la causa de todo ese viaje por Roma, termina siendo la búsqueda de la belleza. Jep aspiró a encontrarla en la magnificencia y no pudo. Pero a través del camino que transitó, descubre esa belleza en sus propias raíces, aquellas que nunca debió olvidar. Y eso es un nuevo comenzar para Jep; es el comienzo de la nueva novela que escribirá. Definitivamente, la belleza fue hallada.
“La Grande Bellezza” es, sin lugar a dudas, un gran recorrido que el espectador transita y contempla junto al protagonista. Con una fotografía más que maravillosa, una increíble sucesión de planos que retrata los lugares más bellos de la capital italiana y una música correcta que alterna lo clásico, lo retro y lo electro, la película apela a un esquema artístico impecable que sirve de hilo conductor para una historia que nos ofrece la posibilidad de repensar el concepto de belleza y de dotarlo de significado. Es una cinta que se disfruta de comienzo a fin, que deleita, que eleva, que produce paz. Es decir, que nos introduce en una Gran Belleza para no soltarla más.

Crítica realizada por Leo Arce.

12 años de esclavitud: La polémica y la gloria

* * * *  MUY BUENA

La película de la polémica, criticada y muy combatida por un gran grupo de espectadores y críticos en la última entrega de Oscars. 
Sinceramente, no entiendo a los detractores más duros que hablan de una "película más" y un trabajo cinematográfico "aburrido" que no merecía el máximo galardón del cine... pareciera que hubieran visto otra película cuyo nombre no es "12 years a slave". 
Si era el film que debía o no ganar el Oscar se puede discutir, pero ya acusar a este magnífico trabajo de Steve McQueen de ser una película del montón, es blasfemia.
Para empezar, es verdad que hay ya varios trabajos en cine sobre la esclavitud y el racismo en USA, pero no son muchos los que han expuesto el tema con la seriedad, el arte y la crudeza con la que se abordó en este caso. La película es un clásico instantáneo, de esos que quedan como obligatorios para tener en la videoteca de todo cinéfilo de ley. 
Más allá de la temática, cuenta con una producción impecable, tanto fotográfica como artística, con algunos planos secuencia dignos de ser guardados en la cajita mental de las joyas cinéfilas.
Otra cuestión muy positiva tiene que ver con las interpretaciones, sobre todo del triángulo Chiwetel Ejiofor, Lupita Nyong'o y Michael Fassbender. Ofrecen actuaciones muy talentosas, creíbles y logran conectar al espectador con sus personajes, algo muy importante para la dinámica del film.
En cuanto a la violencia expuesta en la película, esa que tantas críticas le valió, debo decir que leí muchos comentarios señalando como despreciables las escenas de violencia física, cuando en realidad la violencia que más me impactó fue la espiritual e intelectual que sufrían los protagonistas. Hay violencia física, sí, pero a esta altura de la historia del cine criticar esto me parece medio básico. Si hablamos de artimañas creadas para darle un golpe bajo al espectador, creo que deberíamos analizar las que juegan con el intelecto y las emociones, y a partir de ahí hacer un crítica personal de la cuestión, pero ya salir a decir que la película es una canallada por la violencia física expuesta, es un tanto pobre y cómodo. Creo que hay escenas de humillación espiritual de los protagonistas que en su mayoría no me parecieron bajas y creo estuvieron muy bien manejadas, aunque sería un necio si no acepto que hay una en particular que sí apela al gancho de izquierda en el estómago del espectador, pero les aseguro que no tiene que ver con la violencia física. Me la reservo para no spoilear. Repito, se puede poner en tela de juicio la calidad de algunos recursos utilizados por el director Steve McQueen para contar la historia y debatir al respecto, pero tildarla de película intrascendente, es querer poco el cine.  La super recomiendo.

Argo: Consolidando el talento

* * * *  MUY BUENA

Con cada película nueva que dirige, Ben Affleck se va convirtiendo en un activo cada vez más valioso para la industria del cine. Su triplete de trabajos como director incluye, además de este film, a 2 muy buenas películas como son "Gone, baby gone" y "The Town", cintas de tipo thriller/policial que demostraron la calidad y el ojo de Affleck para estar detrás de cámaras. Se nota que el tipo disfruta muchísimo planificar cada detalle de sus trabajos, desde la duración hasta aquellas pequeñas imágenes sugerentes que enriquecen los productos audiovisuales y le dan realismo.
En "Argo" vuelve a jugar con la combinación de los géneros thriller y policial, algo que se está convirtiendo ya en su sello característico con el agregado de experimentar un poco en el campo del espionaje. La trama se basa en una misión de rescate desclasificada por el ex presidente Bill Clinton en 1997, que contaba como la CIA junto con la ayuda de artistas de Hollywood, planearon y ejecutaron el rescate de 6 ciudadanos estadounidenses que estuvieron más de 1 año escondiéndose en la embajada de Canadá en Irán tras una revuelta violenta que tuvo como resultado el secuestro y asesinato de muchos extranjeros occidentales en ese país. ¿La excusa para sacar a los captivos sin que los iraníes se percaten?, la filmación de una película ficticia de ciencia ficción para la que debieron realizar promoción comercial, viajar a la locación (Irán) e incluso, contratar a artistas del celuloide para inventar un guión.
La historia es distinta y tuvo la suerte de caer en las manos de este minucioso del séptimo arte, que tomándose su tiempo, no dejó nada al azar y elaboró un policial de esos que valen la pena ver varias veces. 
Quizás el trailer no le hace justicia y confunda a más de uno que asistirá a la sala creyendo que está por ver una especie de "Ocean's Eleven" con el carilindo de Ben... no es precisamente un producto que lleve ese ritmo y tampoco tiene el tinte comercial de aquel trabajo. Aquí el cometido es atrapar al espectador con los procesos y sensaciones más realistas que pueden haber experimentado los verdaderos protagonistas de la historia, algo que según mi criterio se logra con creces sin caer en el aburrimiento y manteniendo tensionado el público, algo que todo buen thriller policial debería cumplir.

La separación: La justicia no justa

* * * *  MUY BUENA

Después de muchas idas y vueltas por fin me pude sentar a hacer la crítica de este film iraní que merecidamente se llevó todos los elogios de la prensa e inclusive un Oscar. "La separación" es una película dirigida por Asghar Farhadi, responsable también de la mundialmente premiada "Acerca de Elly", por lo que su nombre seguramente comenzará a asociarse con directores reconocidos de Irán como Abbas Kiarostami ("Copia certificada", "El sabor de las cerezas") y Jafar Panahi ("Offside", "El círculo").

En esta ocasión ofrece una mirada crítica sobre lo que representan la justicia y la moral, lo que es justo y lo que no, la esencia de lo correcto más allá de la ley jurídica y religiosa.

El Artista: Todo lo viejo vuelve a ser nuevo

* * * *  MUY BUENA

Snobistas y contra snobistas, amantes y detractores, la película del director francés Michel Hazanavicius ha despertado grandes amores (en su mayoría), pero también abrió la polémica sobre si se trata de una obra maestra del cine o es puro artificio en forma de homenaje que se ha puesto de moda. Creo, en mi humilde opinión, que "The Artist" es un muy buen producto cinematográfico, que homenajea al cine y eso está claro, que entretiene con una historia de amor muy bien planteada y que nos devuelve a una época distinta, romántica (en el sentido histórico) y glamorosa del celuloide. Eso creo que representa este film, un muy buen entretenimiento, inteligente, distinto para nuestros tiempos, que no es para todos los públicos y que tampoco pretendió ser, al menos en el inicio, una obra maestra.

Rango: Extraña y placentera combinación

* * * *   MUY BUENA

"Rango" es la última película de Nickelodeon Movies dirigida por Gore Verbinski ("Piratas del Caribe" 1, 2 y 3, "La Llamada" y "Un Ratoncito Duro de Roer", entre otras) que cuenta la historia de un camaleón de ciudad que por accidente cae de un auto en medio del desierto, donde deberá aprender a sobrevivir y buscar su lugar entre una loca y variada fauna de alimañas que conforman un pueblo al mejor estilo western, llamado Dirt. El trasfondo del film hace alusión a la importancia de diferenciar entre lo que es real y lo que no en la vida, junto a la valoración de la verdadera amistad.

Lo primero que quiero remarcar, y que debo decir que me encantó, es el tipo de humor utilizado que es muy original, inteligente, arriesgado y que bordea la locura en ciertas escenas.

Vidas cruzadas: La dualidad del ser

* * * *   MUY BUENA

"Crash" (Vidas cruzadas en Argentina) es una película dirigida por Paul Haggis, quien tuvo a su cargo también la película "In the Valley of Elah", y los guiones de "Millon dollar baby" y "Letters from Iwo Jima", todas películas bastante recomendables.

El film retrata la sociedad norteamericana, más precisamente la que vive en Los Ángeles, una metrópolis de una gran mezcla cultural y racial, similar a muchas otras capitales mundiales. A medida que avanza la película, las distintas historias, de racismo en su mayoría, se van sucediendo y parecen no tener nada en común, pero luego comienzan a cruzarse dándole el sentido principal al film (y al título traducido para Argentina también).

El discurso del Rey: Simple y contundente

* * * * *  EXCELENTE

"The King's Speech", dirigida por Tom Hooper , es sin duda un ejemplo de lo que una buena combinación de recursos utilizados de manera eficaz y eficiente puede generar. Una historia simple sobre un miembro de la realeza que por esos accidentes de la vida debe convertirse en Rey, pero para ser reconocido como tal debe ganarse el respeto de su pueblo sorteando dificultades, en este caso sus inseguridades y lesiones psicológicas causadas en la niñez, que se evidencian en una severa tartamudez.

¿Una película sobre un tartamudo? Sí, ¡y qué película! Con un presupuesto de sólo us$25.000.000 (muy poco para lo que acostumbran las grandes producciones hollywoodenses) logró ensamblar un elenco que se luce durante los 118 minutos que dura el film.