“Apuestas Perversas” es una película que resulta ser una extrañeza que merece ser rescatada por diversos motivos. Una trama bien planteada y llevada adelante gracias a muy buenas actuaciones y a un trabajo de dirección impecable no es algo que se vea muy a menudo. Es como si casi me viera obligado a defender esta propuesta. Y es lo que voy a hacer a continuación. La historia que se nos plantea va y viene entre la comedia y el drama en sus justas medidas y mantiene atenta la mirada del espectador. Es que el libreto se sube a una montaña rusa desconocida, en la que cada curva, contra-curva, subida y bajada son asumidas y vividas con sorpresa. Casi una escalada de sucesos que no se sabe en dónde terminarán: como apuesta y redoble de apuesta. Dos amigos, quienes viven problemas económicos y laborales, se reencuentran luego de muchos años. Craig, casado y con un bebé, está a punto de ser desalojado; Vince, deambula con poco dinero y sin trabajo. Reunidos en un bar, uno de ellos entabla conversación con un hombre llamado Colin, quien se encontraba festejando el cumpleaños de su esposa Violeta. Un intercambio de tragos fue el inicio de un peligroso juego en el que los dos amigos se verán envueltos, desafiando sus límites físicos y morales a cambio de dinero: US$250.000. Con pocos escenarios (la historia transcurre casi en un 100% en un bar y en un departamento), los cuatro actores logran brillar. Son dos parejas en medio de una multiplicidad de interacciones: los miembros de cada pareja, las parejas y sus miembros entre sí. Esta simbiosis es tan rica, tan productiva, que asegura los caminos para que las emociones fluyan. Porque las actuaciones tienen la capacidad de poner sobre la mesa cada detalle de la trama, llevar adelante cada situación y subrayar las personalidades de los personajes, todo para responder al interrogante que se plantea desde el inicio de la cinta: ¿qué somos capaces de hacer por dinero? Algunos, satisfacer sus placeres a costa de la necesidad de los demás; otros denigrarse a sí mismos por un puñado de dólares. Tentación, desafíos, placeres y ambición forman un cóctel que nutre el libreto de principio a fin. Se nota el limitado presupuesto con el que contó esta producción. Pero su resultado final es una acabada muestra de que no se necesitan grandes estrellas, presupuestos millonarios y directores prestigiosos para hacer trabajos impecables. Basta con tener un buen libreto y encauzarlo con buenas decisiones artísticas. Aquí sí que estamos ante verdaderos cineastas que no renuncian ni una gota calidad por dinero. Que estas propuestas lleguen a nuestras salas es algo para destacar, ver y disfrutar. Crítica realizada por Leo Arce.
Algunas congregaciones religiosas apocalípticas se están armando de más dinero y recursos para llevar su propaganda a la gran pantalla, lo cual no está mal, pero el problema que están teniendo es que esos recursos que están consiguiendo no tienen la mejor calidad o conocimiento del mundo del cine. Seguramente varios se sorprenderán en saber que esta película es en realidad una remake de otro trabajo que se estrenó en el año 2000 con el mismo nombre que también era bastante mala. No sólo esto, sino que luego hubo una segunda y tercera parte, en los años 2002 y 2005 respectivamente, que también fueron muy malas. Por eso digo que hay que tener recursos y ganas para reflotar un producto como este y volver a ofrecer algo igual de malo o peor que el original. En primer lugar, si me querés transmitir algo tan delicado como una creencia religiosa, tenés que tener a un buen grupo de guionistas, que con sutileza e ingenio me hagan comprar la idea o parte de ella. Acá los escritores parecen gente con poco experiencia o poco profesionales, ya que sin ningún tipo de inteligencia nos vomitan toda la historia con diálogos tontos y bajadores de línea. No se remiten a ningún dato histórico, no le recuerdan al espectador lo que es el Apocalipsis, no vuelven sobre las lecturas de la Biblia más allá de alguna referencia, nada. Simplemente nos dicen que llegó el Apocalipsis y se llevó a los creyentes para dejar sobre la faz de la Tierra sólo a los condenados. No leí la novela del escritor Jerry B. Jenkins, pero si la trama del libro es igual a lo que nos ofrecen en la película, no entiendo como llegó a ser best seller. Hace poco salio otro film al estilo llamado "El Remanente", que también era malo y era aún más fundamentalista, pero al menos le había puesto un poco más de huevo a la producción, con algunos efectos visuales que zafaban. Acá directamente los efectos son pésimos y aburridos. Por ejemplo la desaparición de los creyentes es patética y las explosiones son super artificiales. Luego tenemos el tema de las interpretaciones... Bueno, Nicolas Cage parece que anda nuevamente corto de guita y aceptó hacer algo que le redituara unos mangos. Por supuesto que su rol es lo de siempre, tipo complicado que en realidad tiene buen corazón. Actuó en piloto automático. Los demás, Nicky Whelan, Chad Michael Murray, Lea Thompson, Cassi Thompson, Jordin Sparks, pierden aceite a lo loco. Aburrida, de producción pobre, mal guionada, con bajada de línea religiosa torpe. no hay mucho más para agregar. Esquívenla.
Pablo Escobar fue un personaje vital en la historia colombiana del siglo XX. Su nombre se ligó al narcotráfico, a la riqueza, al poder político, al amor popular y a la mafia. Un personaje de naturaleza ambivalente y, por consiguiente, polémico, resulta terriblemente seductor para la industria del cine. El aclamado actor Benicio del Toro personifica al jefe del cartel de Medellín y, aunque la película lleva su nombre, no es el protagonista excluyente. Sorpresivamente lo es un joven canadiense amante del surf: Nick, interpretado por Josh Hutcherson (más conocido por ser Peeta en "Los Juegos del Hambre"). Nick viaja a Colombia junto a su hermano para disfrutar de sus playas. Allí conoce a María, una muchacha dedicada a la caridad. Resulta que ella es sobrina del famoso Pablo Escobar y, de esta manera, Nick ingresa en su círculo más íntimo. Lo que comenzó como admiración hacia el tío de su novia, se transformará en terror al punto de no poder escapar de su influencia. Esta película me hizo recordar un poco a “El último rey de Escocia”, en la que el protagonista tiene cierta fascinación por el dictador ugandes, veneración que se diluye al descubrir la violencia que domina su entorno. Aquí estamos ante algo similar, pero con algunas falencias. Creo que la historia es bastante sencilla, plana y, hasta por momentos, muy predecible. Se utiliza el flashback y resulta atractiva su incorporación ya que ayuda mucho al planteo general de la trama, configurando un gran acierto de los montadores. Pero hay ciertas lagunas en el planteo de las distintas situaciones y existen desenlaces demasiados ligeros que ni el montaje logra impedir. Da la sensación de que hay escenas eliminadas porque hay cuestiones aisladas y cambios en los personajes que no tienen justificación. Es decir, hay una estructura general del guión que es claro pero cuando la historia intenta profundizar un poco muestra serias dificultades. Vale aclarar que el problema no está en el trabajo de los montadores sino en el de los guionistas, quienes optaron por poner la vida de Pablo Escobar en un segundo plano y centrar la historia en un joven canadiense. Casi es imperdonable que no exprimieran cada gota de jugo que ofrece la vida del colombiano. La premisa que sostiene que la violencia, el narcotráfico y la desestabilización política y social es marca registrada de Latinoamérica se olfatea a lo largo de toda la cinta. Quizás a modo de compensación, el director italiano Andrea Di Stéfano nos regala escenas de acción y suspenso más que satisfactorias. Gran interpretación la de Benicio del Toro, quien le da profundidad a su personaje, el que aparece poco en pantalla pero que deslumbra cuando lo hace. Muy a lo Vitto Corleone. No es fácil construir un personaje que produce cariño al principio y miedo al final, que es buen padre de familia a la vez que es un asesino implacable. Benicio ha demostrado solvencia. Todo biopic cuenta con un caudal de información a disposición de los guionistas. Aquí se nota que el uso de la historia del personaje no fue el óptimo. Le falta riqueza a la trama, una base histórica un poco más sólida y un cierre homogéneo para hacerla atrapante y valiosa. Aún así, no es un producto mediocre y se puede apreciar. Crítica realizada por Leo Arce.
"The Drop" o "La Entrega" (una de las pocas veces que se traduce un título literalmente en cine, aplausos) es un policial escrito por Dennis Lehane, talentoso novelista que creó historias famosas llevadas al cine como la de "Río Místico" y "La isla siniestra" entre otras. En este caso adapta un cuento propio llamado "Animal Rescue" que se centra en un bartender de los barrios bajos de Nueva York que atiende junto a un encargado un bar "pantalla" a través del cual la mafia chechena lava dinero sucio. Un día el bar es asaltado por ladrones de poca monta y la mafia obliga a sus empleados a recuperar el dinero. El policial tiene como protagonistas a Bob, un cada día más talentoso Tom Hardy, a Marv, James Gandolfini en su último rol antes de morir, Nadia, una tímida mujer interpretada por Noomi Rapace que se cruza en el camino de Bob y Eric, el psicópata ex novio de Nadia que se verá enfrentado con Bob a causa de celos y una oportunidad de chantajearlo. En primer lugar se debe resaltar que la historia escrita por Lehane es muy buena, con personajes ricos en historia y carácter. El trabajo conjunto con el director Michael R. Roskam estuvo bien coordinado y lograron construir una película que atrapa desde el inicio, con personajes enigmáticos que se van revelando cada vez más su esencia a medida que avanza en metraje. El trabajo interpretativo es de alta calidad, destacándose las actuaciones de Hardy y Gandolfini. Noomi Rapace está bien pero su personaje quedó un poco relegado, al igual que la intervención de Matthias Schoenaerts como Eric, que aparece ya bien avanzada la peli. Si bien el guión no presentó intrincadas situaciones, hubo una buena construcción del clima de suspenso y la oscuridad del mundo de la mafia, lo que derivó en que todo se vea más creíble y como espectadores podamos involucrarnos más. El tono estético de la propuesta fue gris y frío, lo que transmitía de alguna manera la dura vida que llevan las personas que se mueven en el mundo del crimen neoyorquino. El único aspecto que me pareció un tanto flojo fue la lentitud con la que pasaban algunas secuencias que no eran tan fundamentales para el film, como por ejemplo la relación de Marv con su hermana o algunos diálogos de Bob con Eric. Una muy buena propuesta de crimen y suspenso que de seguro resultará del agrado de los lectores de historias policiales o de la mafia. Es un poco más lenta que otros exponentes del género, pero hace hincapié en algunos detalles y nos presenta algunos diálogos que son dignos de disfrutar. Recomendable.
"The November Man" o "El aprendiz", como doblaron el título para que nosotros que somos inútiles entendamos de qué se trata, es una película de acción y espionaje clásica, de las que podíamos ver allá recién comenzado el siglo 21. El ex agente Devereaux (siempre es agente retirado, sino pierde magia), interpretado por Pierce Brosnan, es un veterano del espionaje que se ve obligado a volver al ruedo para salvar la vida de una mujer cuya existencia pone en peligro la candidatura presidencial de un político ruso, que antes de convertirse en un "respetado" miembro de la sociedad, cometió varios crímenes atroces. Al tomar la decisión de ayudar a esta mujer, interpretada por Olga Kurylenko, da comienzo a una cacería sin tregua que involucrará agentes estadounidenses y rusos. Entre los agentes hay un ex aprendiz de Devereaux, interpretado por Luke Bracey, que será la contraparte más fuerte de nuestro protagonista. En sí la historia no es de lo más original, hay que decirlo, pero más allá de esto está bien construida y nos recuerda un poco a esos viejos filmes de acción y espías de los 90s. Relacionado a esto del recuerdo, vuelve Pierce Brosnan a su rol de agente secreto áspero, lo cual nos simpatiza. Se comenta por ahí que el actor estuvo años tratando de filmar este trabajo como respuesta a su despido como el agente 007 y formar su propia franquicia de espionaje. "The November Man" entretiene, pero no creo que le de el cuero para iniciar una saga y menos editar el éxito que han logrado las aventuras de James Bond. Por otro lado, las interpretaciones son desparejas, ya que tenemos por un lado a Brosnan repitiendo un rol que sabe hacer de taquito, la máquina de matar con encanto y elegancia, pero por otro tenemos a una Olga Kurylenko correcta pero que no enamora y un Luke Bracey un tanto insulso. Si debiéramos resumir, la película se la carga al hombro el mismo Brosnan. Algo para resaltar es el uso de coreografías de combate, explosiones y acción a la vieja usanza, tratando de usar lo menos posible los efectos visuales generados por computadora, lo que es algo bueno por estos días en donde casi todo está realizado con CGI. Hay trompadas a puño limpio y eso nos gusta. Hay traiciones, agentes dobles y no todo es lo que parece, algo que también nos gusta. En conclusión, "The November Man" es un película entretenida que nos vuelve un ratito a los 90s y nos divierte con subtramas y vueltas de tuerca dentro de la trama principal de espionaje. No es una maravilla ni cerca, pero cumple su cometido. ¿Da para más? No lo creo.
"This is where I leave you" es una comedia divertida sobre una familia disfuncional, que luego de la muerte del padre, se ve obligada a pasar junta una semana completa como parte de una tradición judía que el fallecido tenía como último deseo. Como buena comedia, cada uno de los integrantes de la familia tiene un personalidad bizarra que hará que los 7 días unidos sean un verdadero calvario. Primero tenemos a Judd (Jason Bateman), el que vendría a ser el protagonista, un tipo estructurado que siempre ha vivido su vida según las reglas y que recientemente se ha separado por una infidelidad de su mujer. Otro de los hermanos es Paul (Corey Stoll), el mayor, que está casado con una ex novia de Judd y es el que ha cuidado del negocio de sus padres. También está Wendy (Tina Fey), la única hermana mujer que ha sido de cierta manera la madre de sus hermanos y está inmersa en un matrimonio infeliz luego de haber perdido al amor de su vida. El último hermano es Phillip (Adam Driver), la oveja negra de la familia, moquero y desempleado pero con un gran corazón. Es el menor de los hermanos. Finalmente tenemos Hillary (Jane Fonda), la manipuladora y exuberante madre de los cuatro que tiene más de un secreto guardado y es gran responsable de los traumas de sus hijos. La trama pasa por la dinámica de la relación familiar, cómo acontecimientos del pasado ha condicionado sus vidas y esto ha llevado a tenerse algunos rencores. Es en estas diferencias y peleas entre hermanos que se concentra la mayor parte humorística del film. Muchas de ellas son divertidas para el público porque le permite al espectador sentirse identificado y le hace acordar a sus propias peleas familiares. Más allá de las peleas, hay elementos más profundos y el amor entre hermanos está intacto, lo que lleva a la parte más "dramática" si se quiere del film. La combinación entre momentos divertidos y profundos, convierte a esta comedia en una buena propuesta, entretenida y con algunos mensajes positivos de fondo. Lo más flojo pasa por la efectividad de algunos gags. La película es un tanto irregular en su humor. Si bien en el balance general ganan los buenos chistes, hay algunos medio flojos como los que tienen lugar en la escena del porro en la sinagoga. El personaje de Rose Byrne también termina siendo un tanto extraño. En general el producto es bueno, pero no llega a ser una comedia realmente memorable. Para pasar un buen rato, y si se ve con hermanos, mejor.
"Una buena mentira" es una nueva película de Reese Witherspoon ("Legalmente Rubia", "Walk the line"), que aborda el drama de las guerras civiles en África y cómo estas afectan la vida de las personas que viven en países en conflicto como Sudán, Uganda, Etiopía y Somalía entre otros. La trama se centra en un grupo de hermanos sudaneses cuya familia se ve destruida por los horrores del genocidio de etnias. La primera media hora de película es realmente impactante por como muestra la matanza de inocentes campesinos a manos de milicias sanguinarias que eliminan a los que no les sirven y secuestran a los niños y adolescentes que pueden ser futuros soldados. Hasta acá la trama es interesante y mantiene interesado al público, ya que por más de que en algunos momentos se le propician al espectador golpes bajos para atormentar el alma, resulta muy atrayente seguir la suerte de estos hermanos que escapan al horror. Cuando finalmente llegan a un campo de refugiados y son enviados a Estados Unidos para comenzar una nueva vida, es cuando el film se torna más light, aparece la comedia fácil y el relato toma tintes melodramáticos. Una buena parte del tiempo nos muestran como estos sudaneses se topan de golpe con un mundo que no conocen, que les resulta extraño, lindo e incómodo al mismo tiempo. Acá en general se puede decir que se abordó el tema con cuidado, aunque en algunas secuencias los hace quedar como estúpidos más allá de ignorancia lógica resultante de encontrarse con un realidad totalmente distinta a la que han vivido en su pueblo natal. Luego nos muestran la unidad y la división que genera entre ellos la cultura occidental, una cultura por momentos parece ensalzada y luego criticada en dosis similares a lo largo del metraje. Hay palos para la insuficiencia de la ayuda que lo países occidentales prestan a las zonas africanas en guerra y la enorme burocracia alrededor del trámite de asilo de un ser humano en peligro, pero así como hay algunos cachetasos, también hay algunas exaltaciones un tanto polémicas como mostrar a Estados Unidos como un país salvador y liberador de los países oprimidos, que por más que en la práctica tenga algunos resultados positivos, sabemos que por detrás hay mucho chanchullo político e intereses económicos privados. Los actores hacen un buen laburo pero nada que sea digno de ser resaltado demasiado. La Witherspoon cumple pero no se la juega demasiado. Una película entretenida, que mezclando grandes dramas con algunos toques de humor esporádicos, logra mantener entretenido al espectador. Los que gustan de emocionarse con historias de dolor y superación estarán conformes y pasarán un buen rato en la sala de cine.
Llega la primera película nacida de la adquisición de Marvel por parte de la factoría Disney, y como no podía ser de otra manera, nos ofrece una historia de super héroes un tanto particulares. "Big Hero 6" es una película de animación muy buena y divertida que aborda cuestiones contemporáneas e interesantes de la vida como la muerte, la redención, la madurez, la venganza, la responsabilidad de los actos que cometemos y por supuesto la amistad. Este último elemento conforma el centro de la trama. La película nos habla sobre el poder de la amistad y su verdadero significado. Todo tiene lugar en la ciudad futurista de San Fransokyo, una suerte de San Francisco estadounidense pero conquistada por la cultura japonesa. En ella viven Hiro y Tadashi, dos hermanos muy distintos pero que se quieren un montón. Ambos genios de la tecnología, luego de la muerte de sus padres, tomaron formas de ver la vida distintas. Hiro tomó un camino más pendenciero y se dedica a las apuestas de la lucha callejera de robots, mientras que Tadashi, el hermano más grande, es un sobresaliente alumno de un instituto de tecnología e inventos que está a la vanguardia en innovación y robótica. Este último, preocupado por el camino que está tomando su hermano menor le ofrece la oportunidad de ingresar al instituto y hacer algo mejor con su vida. Hiro acepta y todo parece marchar sobre ruedas hasta que un terrible accidente acaba con la vida de su hermano. Deprimido y lleno de furia, ha perdido nuevamente sus ganas de vivir hasta que por accidente conoce a Baymax, uno de los inventos de su hermano, que fue creado para socorrer a las personas que están en peligro o han sufrido algún tipo de afección física y psicológica. La trama constantemente gira en torno a Hiro y su búsqueda de lugar en el mundo, pero para esto, necesita de la ayuda de Baymax y un grupo de amigos nerds de Tadashi. El robot y Hiro se hacen inseparables y este último aprende algunas lecciones sobre ser una persona de bien. Lo mejor del film ,lejos, es el personaje de Baymax, un robot gordito que resulta divertido desde su aspecto físico hasta en su personalidad hiper inocente, pero sabia. El hecho de que sea gordo está tratado muy bien, siempre manteniendo la línea de lo correcto y sin ofrecer chistes ofensivos. A su vez, se nota que trataron de incorporar elementos del animé para atraer a un nuevo segmento. Sin ser una maravilla, logra su cometido y entretiene muchísimo dejando algunas buenas enseñanzas. La historia sobre el final presenta una vuelta de tuerca buena pero algo previsible. En general es un producto muy bueno pero que no está por encima de "Rompe Ralph" y "Frozen".
"Calvario" es la nueva película en conjunto del director John Michael McDonagh ("El Guardia") y el actor Brendan Gleeson ("Corazón Valiente", "Troya"). En esta ocasión nos traen otra historia empapada de cultura irlandesa y miseria humana, un sello fílmico que ya se está volviendo su marca personal. El film nos presenta la historia del Padre James, un cura católico que preside una problemática parroquia de un pueblo costero en Irlanda. Un día, el buen padre recibe la confesión terrible de un feligrés que sufrió en la niñez (durante muchos años) el abuso sexual de otro sacerdote que ya murió y le comunica que en una semana a partir de ese día, lo asesinará como venganza hacia la institución de la Iglesia, otorgándole esos 7 días para que ponga sus asuntos en orden. La trama sigue el calvario de este personaje a través de esa semana hasta llegar a la jornada fatídica y constatar si la amenaza recibida en el confesionario se hará realidad o fue sólo una broma de mal gusto. A diferencia de la comedia "El Guardia", fallida en mi opinión, este nuevo trabajo de McDonagh es mucho más maduro, inteligente y con un humor negro que funciona cuantiosamente mejor, manifestando a través de la comicidad y el ridículo, el drama que atraviesa la sociedad, sumergida en el desamor, la hipocresía y la violencia. El padre James es un idealista, un hombre de fe, que más allá del deterioro de la comunidad en la que vive y no estar del todo de acuerdo con la doctrina, trata todos los días de transmitir el amor de su Dios, a veces duro y otras veces paternal. En una ocasión visita a una de la mujeres de pueblo porque se percata de que ha sido golpeada y trata de aconsejarla con paciencia y ayudarla a que eso no vuelva a suceder. En otra oportunidad, increpando duramente y a los gritos a un cura colega, lo hace ver su falta de pasión por la vocación que eligió vivir. El padre James compuesto por Gleeson parece ser una representación de esas personas que incansablemente tratan de salvar a la humanidad, de la manera correcta o equivocada, pero siempre sin dar paso atrás aunque la realidad los trompee todos los días. Este es el rasgo de su personalidad que nos hace llegar a quererlo e involucrarnos con lo que le pasa. Todos los personajes a su alrededor son despreciables aunque con algunos toques hipnóticos de simpatía. De una manera u otra nos recuerdan a nosotros mismos como sociedad y nos divierten y asquean al mismo tiempo. McDonagh hace una dura crítica de la sociedad, irlandesa y mundial, que cada vez estás más desequilibrada. Su puesta en escena es relajada pero con mensajes durísimos al espectador camuflados en diálogos ácidos y perspicaces. "Calvario" es justamente eso, una serie de pesadumbres cargadas sobre el lomo del protagonista, que entre los tonos dramáticos y de comedia logra mantener al público atento y entretenido con lo que nos quiere transmitir. Muy recomendable.
"Éxodo: Dioses y Reyes" es el nuevo trabajo épico del afamado director Ridley Scott. Lamentablemente no se acerca a la grandeza y la calidad que tuvo uno de sus trabajos insignia en este género, "Gladiador". Incluso "Kingdom of Heaven", aventura épica sobre las cruzadas, que decepcionó en taquilla allá por 2005, es también un mejor exponente del género. Este nuevo trabajo de Ridley no se puede catalogar como malo; el viejo tiene sus años de experiencia y siempre algunos trucos bajo la manga para inclinar la balanza a su favor, pero tampoco se puede afirmar que estemos ante una película trascendente, que pueda convertirse en un clásico del cine épico y mucho menos bíblico. Un problema a resaltar sin dudas es el hecho de haber utilizado todos actores occidentales para interpretar roles de personajes egipcios y hebreos. Ver a John Turturro haciendo del faraón Seti fue realmente tragicómico. No es porque sea mal actor, lejos de eso, pero estamos hablando de una estrella de cine italoamericana, conocida por caracterizar italoamericanos y participar en muchas comedias americanas, que acá trata de dar vida a uno de los tiranos de oriente con más poder en la historia de la humanidad... como que no le va el rol. Lo mismo sucedió con Sigourney Weaver, Aaron Paul y otras caras conocidas como Ewen Bremmer. Al menos para estos roles secundarios deberían haber contratado actores de oriente. Otra cuestión criticable fue el idioma utilizado en el film. Si hacen un poco de memoria recordarán que Mel Gibson llevó dos de sus películas a un nivel realmente interesante cuando decidió armar los diálogos de, por ejemplo, "La pasión de Cristo", en arameo, latín y hebreo. Lo mismo hizo con "Apocalypto" cuyos diálogos se pensaron en maya yucateco. ¿Tanto costaba hacerles aprender a los actores de "Éxodo" algunas líneas en egipcio antiguo? Creo que hasta en la franquicia pochoclera de "La Momia" hay aunque sea algunas frases en egipcio. Pareciera que no son cuestiones tan determinantes, pero para este caso en particular creo que fue un verdadero error americanizar todo y pensar que iba a pasar desapercibido. Otra cuestión reprochable de la película es la mala edición que se hizo del material final. Se nota mucho que hubo bastantes recortes, hay desprolijidades en la continuidad de las secuencias y actores que fueron anunciados como parte importante del cast aparecen contadas veces para tirar alguna frase intrascendente. Del lado de los aspectos positivos, tenemos a un Christian Bale que cumple y hasta excede las expectativas de los espectadores, brindando una interpretación muy profesional y humana de un personaje tan icónico como Moisés. Su presencia en pantalla se adueña de las escenas y las eleva a un nivel de mayor calidad. Por su parte Joel Edgerton cumple con su rol de Ramsés pero no maravilla como contraparte de Bale. Como que le faltó un poco más de dramatismo. Los acontecimientos fantásticos como las plagas que azotaron a Egipto, la división del mar rojo y las batallas armadas están muy bien realizadas y llevan el sello estético de Scott. Hay peleas épicas, cruce de ejércitos, plagas mortíferas y muchas cosas más que no deben faltar en una aventura grandilocuente como esta. Una cuestión positiva que incorporó, fue el hecho de darle una explicación más real a la sucesión de penurias que le tocó vivir a los egipcios. Toma algunas teorías naturales que podrían explicar las plagas de manera más científica y las adapta para darle un aura de mayor realismo a todo, sin dejar de lado el elemento místico de la historia religiosa. En esto si acertó con la puesta en escena. En conclusión se podría decir que "Éxodo: Dioses y Reyes" es un producto disparejo. Con aciertos en la parte interpretativa, la puesta en escena y en materia de efectos audiovisuales, pero por el lado de lo técnico (como la edición), el casting en su mayoría y el guión presenta varios baches que uno preferiría se hubieran cubierto antes del estreno. Una película épica aceptable que no trascenderá demasiado.
Jon Favreau, conocido por ser responsable de varios productos del universo cinematográfico de Marvel, entre ellos la dirección de las dos primeras entregas de "Iron Man" (2008-2010), dirige, escribe y produce esta comedia fresca y entretenida, que combina cocina, familia, redes sociales y convicciones. Estos elementos usados por cineastas versados en comedias livianas, hubiesen dado como resultado fiascos como los que Hollywood nos tiene anestesiados. Pero Favreau los emplea en una fórmula que da como resultado un trabajo más que aceptable. La cocina es arte y al arte no se renuncia. Esa premisa se subraya desde el inicio. Cuando Carl (Jon Favreau), el chef de un restaurante, comienza a tener diferencias con su jefe (Dustin Hoffman), aniquilado por la opinión de un crítico (Oliver Platt) vía internet y por las limitaciones de su jefe, decide no poner en juego su prestigio y sus ideas sobre lo que significa cocinar, abandonando su puesto. Con la ayuda de su ex esposa (Sofía Vergara), adquiere un camión para la venta de comida mexicana con el que recorre varias ciudades. Gracias a Twitter, su negocio prospera, recuperando la relación con su hijo y las ganas de hacer lo que más le gusta. No hay pretensiones elevadas en la historia; se trata de una trama sencilla y bastante común. Pero la combinación del trabajo del director con el de los actores hacen que lo simple se transforme en algo disfrutable. Esta integración de trabajos no suele ser habitual, por lo que cuando se advierte la existencia de esta modalidad, se la debe resaltar. Las escenas de cocina son filmadas y montadas de forma tan elegante que parece que estuviésemos asistiendo a una remake de carne y hueso de la deliciosa cinta animada de Disney Pixar “Ratatouille” (2006). Salvando las diferencias entre ellas, incluso la relación entre cocinero y rata que esa película nos presenta tiene similitudes entre la relación del protagonista con su hijo. Este es uno de los puntos más fuertes de la cinta y es el disparador de las mejores situaciones de la película. Un dato curioso: se nota que la red social del pajarito ha sido la principal fuente de ingresos para la realización de esta cinta. Twitter es el disparador del conflicto inicial y la responsable de que el emprendimiento de Carl sea exitoso y con proyecciones de crecimiento. Pequeño mensaje subliminal, no? Contando además con las participaciones de Robert Downey Jr. Y Scarlett Johansson, esta comedia presenta situaciones entretenidas que justifican la integridad de la cinta. No es un producto fantástico pero, sin ser malo, puede satisfacer plenamente las expectativas de cualquier espectador que busca un buen momento de recreación. Crítica realizada por Leo Arce.
"Paddington" es un nuevo film familiar inglés que combinando el CGI con la acción real, logra ofrecer un entretenimiento simpático, sobre todo para los espectadores más chicos. La película está basada en el personaje del mismo nombre que creó el escritor británico Michael Bond en los años cincuentas. Por nuestros pagos argentinos no es muy conocida su historia, pero en Inglaterra vendría a ser el equivalente a nuestra tortuga Manuelita de María Elena Walsh. Entre los aspectos más positivos puedo resaltar el excelente trabajo de efectos especiales que se llevó a cabo para darle vida al oso simpático. La calidad es muy buena, permitiendo apreciar cada detalle de sus gestos, pelaje y anatomía, combinando a su vez muy bien los movimientos de un oso salvaje con esta versión más humana. En un film de estas características es sumamente importante que la interacción entre el personaje creado por CGI y los humanos se vea especialmente creíble. En "Paddington" esto está muy logrado. Otro aspecto positivo, tiene que ver con el humor británico, que tiene esos toques particulares de ironía, inteligencia y elegancia, aunque por momentos haya algunos chistes muy regionales que en otros países puedan no resultar demasiado cómicos. En general la mayoría de los gags también resultan divertidos y esto se relaciona con el aspecto positivo anterior, ya que para que el humor físico resulte efectivo debe estar bien coreografiado y, en este caso, diseñado a través del CGI. El tercer aspecto positivo que voy a resaltar es la historia. Si bien es infantil y un tanto naif, aborda algunas temáticas interesantes como el significado del hogar, la composición familiar y la solidaridad para con el desprotegido. Entre los aspectos no tan positivos, voy a destacar el rol de la villana. Un tanto tirada de los pelos, Millicent, el personaje de Nicole Kidman aparece fuera de timing en la historia y la percibí un tanto exagerada. La interpretación se percibió artificial y sin mucho aporte a la trama principal del film. Otra cuestión es el exceso de inocencia. Se entiende perfecto que está basada en una historia de los años cincuenta, pero como toda adaptación, debería tener un poco más en cuenta los códigos de los tiempos actuales. Hay particularmente algunas escenas que llegan a ser bastante cursis y hasta quedan antiguas, fuera de época. En general se puede decir que es un buen entretenimiento que sorprendió a propios y extraños. No es una maravilla, pero se nota que tiene potencial para ir mejorando y armar una posible saga de aventuras de este osito simpático, que debo decir, me cae mucho mejor que el empalagante Winnie the Pooh de Disney.
Es difícil calificar un trabajo experimental como este que nos ofrece el director argentino Lisandro Alonso ("La Libertad", "Liverpool"). "Jauja" es una película muy distinta, que no sigue la narración convencional del cine mainstream, de hecho no sigue casi ninguna convención del cine comercial. A los espectadores más despistados, les digo CUIDADO, no es el dramón usual que uno puede esperar con Viggo Mortensen. Esto es otro cine, distinto, del tipo que está más centrado en el arte que en el entretenimiento. Para que se den una idea, vendría a ser como un "El árbol de la vida" de Brad Pitt en nivel de rareza. Alonso nos cuenta la historia de Gunnar Dinesen (Viggo Mortensen), un capitán dinamarqués que junto a su hija recorríam la Patagonia como parte de la campaña del desierto. Un buen día, su hija se fuga con un soldado y él comienza una búsqueda desesperada para que no sea capturada por los aborígenes. No es más que eso de lo que trata la historia. En cuanto a la reseña, voy a decir que entiendo el tipo de trabajo que expuso Alonso, original y artístico, buscando salirse del establishment cinematográfico, pero más allá de esto, cuando voy al cine busco una experiencia singular e inteligente, pero sobre todo satisfactoria, que me mueva las emociones en la dirección en la que está enmarcado el género. Si voy a ver un drama, quiero acongojarme con los protagonistas, si voy a ver comedia, quiero reírme con chistes inteligentes, si voy a ver terror, quiero asustarme y quedarme sugestionado. En el caso de "Jauja", Alonso nos ofrece un drama que la verdad no me movió ni un pelo emocional. Sí, la fotografía es fabulosa y transmite muchas cosas, Viggo demuestra que es realmente un profesional frente a la cámara y la conjugación de lo real y mágico del guión es algo que no hemos visto demasiado en cine, pero el pilar "Entretenimiento" fue un gran ausente en la propuesta. Planos larguísimos, sin demasiados sobresaltos, muy poco diálogo y protagonistas de los que no llegamos a saber mucho durante los 109 minutos de metraje. Entiendo el enfoque artístico que se le dio a la propuesta, pero no compro. Demasiado conceptual para mi gusto. Un producto concebido sólo para un grupo reducido de personas ligadas a la industria del cine.
"Homefront" es la nueva película de acción del pelado Jason Statham en la que interpreta el rol de un ex agente encubierto de narcóticos que luego de un gran golpe contra el narcotráfico, se ha retirado y busca llevar una vida tranquila junto a su pequeña hija en un pueblo sureño de los Estados Unidos. Como es de esperarse, no todo fue tan tranquilo. Un día que parecía rutinario, a la pequeña Maddy se le cruzó un grupo de niños que pretendían hacerle bullying, pero lo que no sabían es que se estaban metiendo con la hija de un ex agente de la DEA. La niña, lejos de amedrentarse, les hace frente y le da una paliza al líder, lo que desata todo el lío que se arma después. Con respecto a este interruptor del nudo argumental debo decir que es un tanto simplista, por no decir pobre. Justo coincide que la madre (Kate Bosworth) del niño que recibe la paliza es la hermana adicta de un dealer áspero (James Franco) del pueblo que resulta tener contacto con los narcos a los que el personaje de Statham, Broker, metió en prisión. Más allá de este desenlace no muy creíble, la película se las arregla para mantener entretenido al espectador con muchas peleas a puño limpio y tensión. La secuencia del inicio en la que nos presentan al pelado (con pelo) de infiltrado y luego desatando el infierno entre los narcos es muy buena, dinámica y con mucha acción, aunque luego esto decae por un rato largo hasta que se desata el conflicto comentado más arriba. Al principio el conflicto con la familia "white trash" se centra en lo verbal y loa amagues, pero luego la resolución de va tornando más física. El director Gary Fleder ("Tribunal en fuga", "Besos que matan") hace un buen trabajo con el guión de Sylvester Stallone (sí, el mismísimo) que sin ser muy complejo u original, logra mantenernos entretenidos, algo que ya se está volviendo una marca registrada de esta leyenda del cine de acción en materia de escritura. El cast reunido fue bastante bueno, incluyendo nombres interesantes como James Franco, Winona Ryder, Kate Bosworth y Frank Grillo además del ya mencionado Jason Statham. Todos hacen un buen trabajo, sobresaliendo su protagonista máximo que le viene metiendo pata para ver si llega a ponerse a la altura de lo que fueron en su momento Arnold, Sylvester, Van Damme o Willis. El film mezcla momentos de suspenso bien logrados con mucha acción cuerpo a cuerpo, algo que siempre resulta fresco ver en estos tiempos de CGI sin límites. Sin ser una maravilla, logra su cometido y entretiene con acción de buena calidad. Una buena opción para seguir viendo crecer la carrera del áspero Statham.
"Nightcrawler" es un producto extraño, mezcla de thriller, drama y hasta comedia. Dicen algunos, es una de las películas olvidada por los Oscars 2015. Creo que es muy buen cine y Jake Gyllenhaal podría haber sido nominado como actor principal, pero más allá de esta omisión, no creo que haya sido uno de los descuidos más groseros de la Academia este año. Este film del guionista ahora devenido en director, Dan Gilroy, se enfoca en las ambiciones de un joven decidido a encontrar un trabajo rentado a través del cual desarrollar sus habilidades adquiridas en cursos online y dejar de ser un ladrón de poca monta. Luego de ser revotado de cuanta entrevista laboral ha tenido, Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) se encuentra casualmente con un equipo de paparazzis oportunistas que están tomando imágenes de un accidente de tránsito por las cuales cobran dinero a las cadenas de noticieros. Acá nuestro protagonista tiene una revelación y se da cuenta que es un trabajo relativamente fácil que puede hacer él mismo, sin tener que depender de que alguien lo contrate. Compra una pequeña cámara, contrata un ayudante y comienza a salir de noche en busca de accidentes morbosos, incendios, asesinatos o algún hecho de violencia que le pueda significar algo de guita. Los encuentra, pero en el afán de captar alguna toma que le reditúe mucho dinero y lo catapulte a la fama, Louis comienza a entrometerse en los acontecimientos que filma llegando a alterar escenas de crimen e incurrir en la ilegalidad. Es una trama simple, original pero sencilla al fin, que se enfoca primordialmente en mostrarnos la personalidad y la transformación de un psicópata. No sabemos mucho sobre el pasado de Louis Bloom, pero sí el director se encarga de mostrarnos de entrada que algo no anda bien con la forma de razonar de nuestro protagonista. Bipolaridad, frialdad, obsesiones y escaso sentido de la ética es lo primero que recibimos y luego estos rasgos se van intensificando a medida que avanza el film. Para terminar de disparar la locura, Louis se topa con Nina (Rene Russo), una productora de noticieros aparentemente con todos los patitos en fila pero que en realidad es casi tan despiadada y ambiciosa como él, que le activa el switch de la perdición y la ambición sin límites. Hay un muy buen trabajo sobre la tensión que van generando las acciones del protagonista, llegando a horrorizar por momentos al espectador. La psiquis del psicópata se va desenmarañando a medida que avanza el metraje y no deja indiferente a nadie, sobre todo porque en él y en Nina se materializa una fuerte crítica a la actualidad de los medios informativos. El minuto a minuto, el límite con lo ético, lo morboso como gancho de atracción, ¿les suena conocido? Desde lo cinematográfico, hay un muy buen trabajo estético, con referencias al cine de Scorsese y algunos toques noventosos que la hacen atractiva a la vista. Una película muy recomendable por la reflexión que nos deja acerca de lo que consumimos en materia de comunicación y por la exhibición de la mente de un psicópata modelo 2014.
"Quiero matar a mi jefe 2" tiene muy poco que ver en realidad con matar a los jefes de los protagonistas, lo que demuestra que las traducciones básicas que se hacen al español deberían cambiar y ser más literales o no traducir en absoluto... vivimos en el año 2015, de última busque que quiere decir en el Traductor de Google. "Horrible Bosses" nos trae de vuelta al trío de amigos compuesto por Nick (Jason Bateman), Kurt (Jason Sudeikis) y Dale (Charlie Day) que, tras el intento fallido de asesinar a sus jefes en la primera película, ahora se han convertido en motivados emprendedores que quieren lograr el éxito con un nuevo producto, el "shower buddy", y dejar de depender de otros para ser exitosos laboralmente. En esta ocasión se se enredan con dos personajes excéntricos y millonarios, padre (Christoph Waltz) e hijo (Chris Pine), dueños de una gran corporación que está interesada en comprarles la producción de su producto. Al menos eso parece al principio, hasta que las cosas se van poniendo cada vez más extrañas y negativas para nuestros protagonistas, los que deberán enfrentar algún que otro inconveniente para no quedar en la ruina económica total. A nivel general todo está muy cuidado, tan cuidado que se pierde la espontaneidad y algunos gagas no terminan de funcionar del todo bien. Bateman aporta un humor efectivo, a la onda de "Arrested Development" pero más tranqui, Sudeikis aporta poco, un suerte de humor canchero que la verdad no le favorece mucho, y finalmente Day termina siendo el mejor aportando histrionismo aunque por momentos se torna un tanto exagerado. Los villanos están bastante dispares. Por ejemplo la mejor de todos termina siendo Jennifer Aniston que en realidad tiene un rol secundario, mientras que Chris Pine exagera demasiado todas sus reacciones aunque por momentos resulta locamente divertido y Christoph Waltz está totalmente desperdiciado, como si hubiera aceptado trabajar en el film para cumplir con algún compromiso económico. A nivel general creo que a esta secuela le faltó un mejor guión y chistes más divertidos. Si bien tenía todo para superar a la primera, que tampoco fue una maravilla, se termina quedando a mitad de camino y desperdicia su potencial. No es un producto mala pero tampoco llega a ser del todo disfrutable.
"Sinsajo parte 1" es una película regular, sí, como leen, es el resultado negativo de la codicia desmedida de un grupo de productores que quieren estrujar la naranja hasta que no le quede ni una sola gotita. Ya tuvimos otros antecedentes de sagas increíblemente rentables a las que se las manoseó y alargó de más con el único objetivo de acrecentar las ganancias; ejemplos de esto son "Crepúsculo", "Harry Potter" y hasta la reciente "El Hobbit". Nadie los puede culpar la verdad, después de todo son empresarios en busca de réditos económicos, pero sí podemos expresar nuestra insatisfacción ante tales manejos que atentan contra el arte y la dinámica de la historia. En cierta forma también es culpa nuestra, que aceptamos estos estiramientos y cuando se estrena algo como esta primera parte del cierre de una franquicia salimos todos corriendo a comprar la entrada anticipada, dándole la razón a la estrategia de negocios que pusieron en marcha los estudios. En fin, me gustaría que esto no siga sucediendo, pero para eso nosotros como espectadores debemos cambiar nuestra forma de responder. Analizando puntualmente el film, acá sólo vamos a poder ver el preludio del desenlace, una anticipación de lo copado que vendrá en la segunda parte. Este primera parte de copada tiene muy poco, sólo la introducción de los nuevos personajes que cobrarán más relevancia en el cierre y la presencia en cámara de la talentosa Jennifer Lawrence, que inunda cada escena con su carisma característico. Lo demás es todo correcto, pero estirado como un chicle. Los que hayan leído los tres libros de Suzanne Collins sabrán que el tercero es el más flojito de todos, por lo cual la lógica de dividirlo en 2 partes es aún más contraproducente. En este preludio pasa muy poco. Lo que podremos ver es el proceso de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) convirtiéndose de a poco, y a fuerza de propaganda, en el sinsajo del pueblo, es decir, en el símbolo de la revolución latente. Eso es todo. Lo demás es bastante accesorio a excepción de alguna que otra batalla y la vuelta de rosca momentánea en el triángulo amoroso compuesto por Katniss, Peeta y Gale. Los fans más acérrimos van a poder disfrutar de la presencia de sus personajes favoritos como Peeta (Josh Hutcherson), Gale (Liam Hemsworth), Haymitch (Woody Harrelson), Plutarch (Philip Seymour Hoffman), Effie (Elizabeth Banks) y el Presidente Snow (Donald Sutherland), haciendo poco y nada, pero en pantalla al fin y al cabo, y también disfrutarán con la incorporación de los nuevos como la Presidente Coin (Julianne Moore) y Cressida (Natalie Dormer) que tomarán mayor importancia en la segunda parte, para la cual debemos esperar ¡nada menos que 1 año!... Realmente una injusticia. En conclusión, un film que de haber sido un solo cierre sin división, podría haber causado un mayor impacto cinematográfico convirtiéndose en un final de trilogía casi perfecto, pero en lugar de esto se tomó el camino de la rentabilidad y quedó arruinado, al menos esta primera parte. Una práctica que atenta contra la calidad de las historias llevadas al cine.
"Before I go to sleep" es un thriller que revisita otros trabajos particulares del género como "Memento" y que además nos presenta a una protagonista con el mismo problema de Drew Barrymore en "50 first dates", sólo que en un contexto mucho más jodido. La película comienza con Christine (Nicole Kidman) despertando abruptamente en la mañana, sin recordar nada de los últimos veintitantos de años. Esto es algo que le sucede diariamente ya que luego de un terrible accidente, sufre de memoria de corto plazo. Cuando se levanta, se encuentra con un hombre al que por supuesto no reconoce, que resulta ser su marido, Ben (Colin Firth). El buen hombre le dedica todos los días unas horas a contarle a su mujer sobre todo lo sucedido e incluso tiene un sistema visual repartido por toda la casa para que Christine pueda moverse con mayor facilidad en el hogar. Uno de esos días, Ben se va a su trabajo y Christine se queda en la casa como es de costumbre, la mujer recibe una extraña llamada de un hombre misterioso que dice ser el Dr. Nasch (Mark Strong), un psiquiatra que la está ayudando en secreto a poder recordar todo lo sucedido. A medida que van pasando los días los recuerdos de la protagonista se empiezan a aclarar de a poco develando que hay oscuros secretos en relación a su accidente, de hecho, hay muchas más personas involucradas de lo que puede imaginar. El director y escritor Rowan Joffe hace un buen trabajo con la historia, atrapando de a poco a los espectadores a medida que va avanzando con la tensión y el camino hacia la verdad. Todo el tiempo está latente esa sensación de sentirse un poco perdido junto a Christine, de sofocarse con cada nuevo detalle macabro que su mente va recordando. En este sentido, la ambientación, la dinámica y los diálogos son grises, lentos y sombríos, llevando al público a vivir las sensaciones de los protagonistas. Por otro lado, la labor del trío de actores principales es muy buena, lo que da credibilidad a la propuesta. Como negativo diría que Joffe tuvo algunos problemas para hacer que todo el camino no tuviera baches, de hecho hubo varios. Hay algunos saltos de tiempo y participaciones de personajes que están un tanto desproljas. Nada que arruine el film, pero por momentos confunde. Otra cuestión negativa, es como se maneja la resolución del conflicto. Durante gran parte de la película se mantiene el enigma, pero luego de la mitad, ya sabemos como va a finalizar salvo por una vuelta de tuerca que en realidad no suma demasiado a la trama. Un thriller bueno, que entretiene, que los hará repasar algunos acontecimientos en su cabeza para entender lo que está pasando, pero que podría haber sido mucho mejor y más trascendente.
Vuelvo a repetir lo que ya he dicho en anteriores reseñas: el género del terror no es de mi agrado. Por lo tanto, le tengo poca paciencia a la hora de evaluarlo porque si de clichés hablamos, este género los tiene en toneladas hasta para hacer dulce. Parece que pedir un cuota de originalidad es una tarea titánica. La cinta lamentablemente no puede escapar de estos preconceptos porque no se esfuerza en marcar una diferencia a la hora de plasmar en pantalla algo medianamente decente. Una intrépida arqueóloga se encuentra en París con la obsesión de encontrar la piedra filosofal, obra del alquimista Nicolás Flamel. Esa búsqueda la llevará a rodearse de un grupo de exploradores para ingresar a las catacumbas parisinas: un cementerio subterráneo de siglos atrás que conserva huesos humanos. El resto de la trama, creo que la podemos deducir sin mayores complicaciones. Debo reconocer que la primera parte de la cinta me resultó singularmente entretenida. Más allá de que la búsqueda de la protagonista se basaba en mitos medievales, un poco de magia, leyendas y alquimia no le venía nada mal. Es más, la presencia de elementos narrativos atípicos en este género comenzaba a captar mi atención. Y la ciudad de París ayudaba a eso. Ese halo esotérico que se presentó inicialmente parecía que iba a orientar aquel viaje por las catacumbas parisinas para ofrecernos una vuelta de tuerca. Pero cuando la película iba promediando y los personajes se adentraban en las profundidades de las cavernas, uno se percata de que todo termina siendo la excusa para volver a caer, una vez más, en el lugar cómodo para no correr ningún tipo de riesgo. Porque demonios internos, culpas improvisadas, muertes inesperadas y asesinos encapuchados sobran. ¿Qué de nuevo se puede esperar si la trama se centra en un grupo de jóvenes encerrados en criptas subterráneas plagada de millones de huesos humanos? Nada más que otra decepción. El director John Erick Dowdle plasma esta historia como si se estuviera filmando un documental: cámara en mano y personajes hablando y mostrando lo que ven a su alrededor. Este recurso fue original en su momento, pero el uso y abuso que le han dado hirieron de muerte su efectividad. Tantos exponentes del terror lo han malgastado a tal punto que ya no logran conmover al espectador. Pero incluso la técnica hubiese sido más que útil si acompañaba una buena historia que un director solvente cristalizara con un poco de compromiso hacia el género. Resulta difícil definir la cinta porque en ella podemos encontrar vestigios de “El Código DaVinci” (2006), “El Proyecto Blair Witch” (1999) e, incluso, de “Indiana Jones y la última cruzada” (1989). Ni siquiera logra armar una concepción cinematográfica propia pues se va entretejiendo con “un poquito de cada cosa”. Esta indeterminación es mala; muy mala. Crítica realizada por Leo Arce.
"Caminando entre tumbas" es una película innecesaria, que sólo tiene el mérito de tener a Liam Neeson pateando traseros como sólo el sabe hacerlo. Al principio pensé que iba a ser una peli de acción del veterano distinta de lo que habíamos visto en "Búsqueda Implacable", al estilo "The Grey", pero en realidad es un personaje bastante parecido al de la primera saga. Matt Scudder (Neeson) es un ex policía que luego de un incidente mortal por el cual pierde su trabajo, se dedica a realizar "trabajos" para particulares. En criollo, hace de investigador privado y asesino a sueldo. El tipo es un genio en materia de crímenes. Sabe donde buscar, a quien preguntar, reconstruir los hechos del crimen, pelea como el Gran Dragón Blanco y maneja las armas de fuego como si hubiera nacido disparando una. Si bien es un tipo que hace "trabajitos" sin preguntar mucho y mata sin mucho remordimiento, tiene un lado moral que lo lleva a tratar por momentos de dañar solo a los realmente malos. ¿Les suena el perfil? Es como un Bryan Mills con menos suerte. Liam Neeson en su fase de áspero de la gran pantalla, es una de las mejores cosas que le pasó al género de Acción en los últimos años, pero tampoco la pavada. La franquicia "Búsqueda Implacable" aún está viva y muy fresca como para tratar de armar otra saga tan similar paralelamente. Si bien la película no es pésima, es algo que ya hemos visto y tampoco tiene el encanto de otros trabajos de Neeson como la primera "Búsqueda...", "The Grey" o "Non Stop". Justiciero duro con sentido de la moral hemos visto hasta el hartazgo. Los más flojo de este film se podría decir que es la monotonía que presenta el guión. Todo lo que sucede, pasa de manera muy lineal, sin crear algún tipo de fluctuación interesante en las emociones del espectador. Sobre los malos sabemos poco y nada durante todo el metraje y cuando por fin nos los revelan, no nos dicen nada más allá de que son unos sádicos... de esa manera es muy difícil empatizar con ellos. Su caída final no nos genera esa sensación de saciedad de justicia que debiera transmitirnos la historia. La moral de nuestro protagonista es bastante confusa, porque si bien trata de atrapar a los villanos, tampoco anda trabajando con los tipos más inocentes del mundo. De hecho su dilema moral con respecto a esto dura un día y una conversación con el cliente que no convencería a nadie en la vida real. ¿Lo bueno de la película? Lo bueno es que lo más fanáticos de Neeson lo pueden ver nuevamente tirando trompadas a lo loco y disparando a mansalva a tipos despreciables. El actor es un referente de acción muy creíble y eso ya de por sí le sube algunos puntos a la propuesta. Lo demás... son ideas poco originales que pretendían armar una nueva franquicia de poca monta.
Llegó la esperada secuela de "Tonto y Retonto" con un envión un tanto raro. Primero hubo una especie de fiebre promocional en la que cada imagen, poster, spot o trailer que salía volvía locos a sus fanáticos. Esto hacía emocionar a los productores cuyas estimaciones marcaban uno de los estrenos más fuertes del año. Luego, ya cerca de su estreno, la expectativa fue cayendo muchísimo, con cada vez menos ruido y acciones promocionales. Evidentemente hubo alguna gestión de marketing que falló en el tramo final. Esto produjo que muchos espectadores se esteraran tarde del estreno en pantallas comerciales, que el film durara poco en cartelera y por ende que la recaudación no fuera la calculada inicialmente. Ojo, no le fue mal en recaudación, pero lejos estuvo de ser uno de los estrenos más lucrativos de 2014. Si a esto le sumamos que el guión que armaron los hermanos Farrelly y compañía era, en comparación con la primera "Tonto y Retonto", bastante más flojo, estamos frente a un proyecto fallido. Sí, a esta secuela le fue bien en números pero no volvió a enamorar a los seguidores de Harry y Lloyd, por el contrario les dio la sensación de que lo que parecía muy divertido allá por los 90s ya no lo es tanto y que quizás sus ídolos de la comedia quizás están mejor guardados en la memoria de cada uno y no resucitados de esta manera. Las gags de los Farrelly están medios rancios, con algunos aciertos, pero en líneas generales son mucho menos efectivos que lo que solían ser. Y es que el tiempo va pasando y lo que antes resultaba muy gracioso ya no lo es tanto. Últimamente estos hermanos directores de comedias vienen haciendo agua con sus proyectos. Unos ejemplos claro de esto fueron "Los Tres Chiflados" allá por 2012, "Pase Libre" estrenada en 2011 y "La mujer de mis pesadillas" del 2007. Muy lejos parece haber quedado el éxito de películas como "Loco por Mary", "Irene, yo y mi otro yo" y por supuesto la "Tonto y Retonto" original. ¿Qué es lo que falla? Principalmente la dinámica. Se nota que no han pensado una nueva forma de potenciar la comicidad de los personajes, sino que optaron por subirle el tono y exagerar de más el mismo tipo de humor que nos estregaron en los 90s. De hecho la secuencia de los post créditos da cuenta explícita de esto mismo que estoy criticando. Básicamente se comparan algunos de los mejores momentos de la uno con los que deberían ser los mejores momentos de esta secuela. Por su lado, los protagonistas Jim Carrey y Jeff Daniels están muy bien en la vuelta a sus roles, pero también los noté un tanto más cansados, como si no hubieran estado del todo copados con el proyecto. La chispa está ahí, pero le faltó iluminar más. Creo que Bobby y Peter Farrelly son dos tipos talentosos de la comedia que han perdido un poco el rumbo. Quizás se han puesto un poco viejos y no lo han notado, pero es evidente que deben buscar una nueva manera de hacer comedia o la balanza comenzará a desequilibrarse hacia el lado negativo. Ojalá nos sorprendan con algo más fresco en el futuro.
