Jaume Balagueró y Paco Plaza han sido los creadores de la saga de terror más exitosa que el cine español ha sabido dar. Comenzó en 2007 cuando “[REC]” logró aterrar a los espectadores con la historia de una periodista que documenta con una grabadora los avatares que vive junto a un grupo de bomberos en un edificio de Barcelona asolado por zombies. Estos ingredientes finamente conjugados dieron origen a una secuela: “[REC] 2” (2009), y a una precuela: “[REC] 3: Génesis” (2012). La cuarta entrega viene con dos objetivos: la primera es aportar un digno final para una saga de gran aceptación; y la segunda, tratar de darle un toque de coherencia a la saga. Porque las dos primeras entregas eran exponentes de terror, en tanto que la tercera se vuelca hacia la comedia negra y bizarra. Con ese cambio de género, la cuarta parte debería resolver la incongruencia producida por ese “hibrido” que fue “[REC] 3: Génesis”. Creo que la película cumplió con lo que debía cumplir: mantener en vilo al espectador, originar situaciones aterradoras con solvencia, proveer de esos vuelcos que aclaran los grises que se van presentando desde el inicio de la trama y dejar un pequeño orificio que podrían transformarse en puertas para futuras nuevas entregas. La cinta retoma los sucesos producidos en las dos primeras entregas. La periodista Ángela es rescatada del edificio de Barcelona y puesta en cuarentena en un barco en alta mar junto a una tripulación que también estuvo expuesta a las eventuales infecciones producidas por el contacto con aquellos zombies. Cuando comienza a saberse de la existencia de un laboratorio secreto que busca el origen del virus, el terror nuevamente se desata; esta vez, con mayor violencia y con casi nulas posibilidades de supervivencia. En cuanto a lo estético, la cinta logra producir esa sensación de claustrofobia y miedo psicológico. El diseño de los laberínticos pasillos del buque, el trabajo fotográfico realizado, el logrado maquillaje de los zombies y el montaje creado, se vinculan de manera tal que le permite al director crear situaciones de las más variadas: el terror, la duda, la desconfianza y el instinto de supervivencia. Poner a los personajes en circunstancias extremas, con pocas herramientas de defensas y con peligros en cada esquina, resultó ser algo interesante a la vista. Pero nada de esto hubiese sido posible sin un sólido elenco que hiciera verosímil todo lo que transcurría en la pantalla. Pulgares arriba para ese trabajo coral. Repito que el cine de terror no es de mi predilección, pero “[REC] 4” me fue agradable de ver y algo generó en mí, como por ejemplo: darle un martillo de mi caja de herramientas a la protagonista para que asegurara su defensa personal. Con un más que buen final que le da un cierre “provisorio” a la saga, queda una duda gravitando: ¿el virus pudo haber sobrevivido en alta mar? Y si sobrevivió: ¿qué consecuencias pudo haber producido? Eso es algo que solamente Jaume Balagueró y Paco Plaza saben. Y pronto lo sabremos todos. Porque el botón [REC] quedó habilitado para ser presionado en cualquier momento. Crítica realizada por Leo Arce.
Si algo no se le puede atribuir al director norteamericano Richard Linklater es ser funcional a la lógica narrativa de Hollywood. Ya se atrevió a ponernos en pantalla a dos jóvenes veinteañeros (Julie Delpy y Ethan Hawke) filosofando acerca de la vida y el amor en “Antes del Amanecer” (1995), “Antes del Atardecer” (2002) y “Antes de la Medianoche” (2013). Es de notar en esta imperdible trilogía la relevancia que Linklater le otorga a la variable “tiempo”. En tres películas, vemos a los mismos protagonistas cuyas vidas se fueron sedimentando a través de la experiencia recogida a lo largo del tiempo. Sin dudas que el director tiene una extraña relación con aquella variable y “Boyhood” (2014) es una muestra acabada de ese vínculo. Más que loable es que una película oficie de continente de una experiencia cinematográfica capaz de capturar el tiempo de manera contundente y trascendental en aproximadamente 160 minutos. Porque eso es lo que “Boyhood” implica: una genuina experiencia reveladora, intensa, cautivadora y profundamente sencilla, que está siendo colocada en los máximos altares del séptimo arte mundial por parte del público y de la crítica. Filmar a cuatro actores por doce años (desde 2002 hasta 2013) y durante 39 días es una clara prueba del más sutil y conmovedor cine experimental que Linklater pudo proponer. El espectador presencia la vida cotidiana de Mason (Ellar Coltrane), desde sus 6 años hasta los 18, quien junto a su hermana (Lorelei Linklater) debe convivir con las atribuladas decisiones de su madre (Patricia Arquette) y la particular vida bohemia e irresponsable de su padre (Ethan Hawke). Pero, ¿qué tiene de trascendental un relato que muestra el crecimiento de un niño y su hermana y el envejecimiento de sus padres? Es que la historia no se reduce a lo meramente biológico sino que trasciende lo singular. Como en la trilogía de “Antes del ...”, esta cinta no presenta elementos narrativos ni otros recursos que provean de giros inesperados a la trama para que te vuele la cabeza. Es sencillamente una secuencia de situaciones cotidianas y hasta, por momentos, insignificantes, que gozan de una fuerza capaz de influenciar en la vida de los personajes. Es de esta manera que se armoniza la transformación física y emocional de nuestro protagonista (que va de ser un niño a un adolescente) con una historia que retrata a una madre que lucha contra las consecuencias de matrimonios frustrados en la búsqueda del bienestar para sus hijos y de su realización personal, y a un padre ausente e idealista que intenta con grandes dificultades generar un vínculo con sus hijos. Es por ello que la trama navega en las aguas de la dicotomía entre lo sencillo y lo magnifico. Y esto es así porque el director plasma una historia en donde la magnificencia se encuentra en los sencillos momentos que la vida ofrece. Sólo hay que tener una mirada atenta para poder descubrirlos. Por otra parte, el tiempo conjuga aspectos sociales, políticos y afectivos al desnudar un período que alterna las consecuencias del atentado de las Torres Gemelas, la guerra de Irak, la elección de Barak Obama, el uso de la tecnología con un evento literario como fue la saga de Harry Potter y el impacto de la música de Britney Spears en la cultura norteamericana. En fin, el tiempo termina siendo un factor preponderante. La naturalidad con la que Linklater impulsa la cinta es de una belleza incomparable. Uno comienza a ver la película y el correr de los minutos hace indetectable el transcurso del tiempo en los actores. Esto me hizo pensar lo siguiente: quién no ha escuchado alguna vez de una madre o de un padre decir respecto de sus hijos, ¿cómo crecen de rápido, no? Quienes lo son, seguramente entenderán la emotividad escondida detrás de esa frase. Los hijos crecen y nadie se detiene a pensar en el paso del tiempo. Quienes no lo son, lo experimentarán gracias a ese efecto que el director recrea en la cinta. Y eso es un mérito que no conoce límites. De lo mejor que he visto en este año. Crítica realizada por Leonardo Arce.
"What if" es una comedia romántica con aura de cine indie, moderna, pero que ofrece una historia que ya hemos visto un par de veces en el cine. Es decir, su envoltorio, la dinámica expuesta y sus intérpretes principales son cool, pero la trama central es bastante común y no aporta nada nuevo al género. Aún así, logra entretener y mantener interesado al espectador. Wallace (Daniel Radcliffe) es un joven inteligente, locuaz y divertido que está tratando de superar el hecho de que su ex novia lo haya engañado con un compañero de trabajo. Por otro lado tenemos a Chantry (Zoe Kazan), una mina divertida pero poco social y un tanto extraña, actualmente en una relación de cinco años con Ben (Rafe Spall). Por casualidad se conocen en una fiesta de un amigo en común, el loquito Allan (Adam Driver), y comienzan una amistad que desde su inicio grita a todos los vientos: ¡Problemas! A partir de ese momento cada vez se van uniendo más y más, tratando de evitar que posibles sentimientos amorosos arruinen la amistad que tienen. Por supuesto, lo que sigue es un enredo amoroso involuntario previsible. Paralelamente, también se puede disfrutar de la alocada relación amorosa que surge de esa fiesta entre Allan y una chica llamada Nicole (Mackenzie Davis). Como positivo debo decir que lo mejor de la película pasa por sus dos protagonistas, Radcliffe y Kazan, quienes logran transmitir buena química romántica y nos divierten con sus neurosis acerca de las relaciones. Radcliffe está muy bien y hace que el espectador se pueda identificar con él mientras que Kazan aporta frescura y mucha esencia de mujer al dúo amigo/amoroso. Otra cuestión interesante tiene que ver con el recurso audiovisual animado que surge de la imaginación de ambos, por momentos representado en unos dibujos, que acompañan sus estados de ánimo y suman a este aura independiente del que hablaba al principio de la reseña. Se está poniendo de moda que las películas mainstream tengan algunos toques indie o "locos", para no parecer tan industriales. Personalmente, creo que si esto sirve para que los estudios se fijen un poco más en los aspectos artísticos de sus propuestas y no tanto en las explosiones, chistes fáciles y efectos visuales espectaculares, bienvenido sea. Lo más flojo pasa por la previsibilidad que que demuestra la trama. Cuando por un momento pensamos que quizás no sea tan predecible el desenlace, rápidamente el director nos vuelve a la senda y sí... termina como todos sospechan que terminará. Una propuesta que si bien no es de lo mejor en materia de comedias románticas, se defiende bien y mantiene entretenido al espectador.
"Maps to the stars" es el nuevo trabajo del director canadiense David Cronenberg, famoso por películas como "La Mosca", "Scanners" y "Promesas del este". Los que están familiarizados con sus trabajos, sabrán que Cronenberg es del tipo de artista que hace films con sello propio, de autor, por fuera de los cánones habituales del cine mainstream, por lo cual no siempre es del agrado de todo tipo de público. Personalmente encuentro algunos de sus trabajos realmente perturbadores e interesantes, pero en otros creo que el ego y el personaje que ha creado de sí mismo se lo come y entrega producciones sólo como para armar revuelo sin tanta sustancia puesta en la trama. En "Maps to the stars" creo que hay un poco de ambas cuestiones. Por un lado tenemos un mundo hipnótico, el Hollywood en su intimidad desconocida por casi todos los mortales salvo por los que forman parte de ella, a través del cual nos muestran que no todo lo que brilla es oro y que ese tipo de vida acarrea algunas tentaciones difíciles de sortear y algunas prácticas dignas de ser analizadas por el mismísimo Freud. Por otro lado el director le imprime algunos caprichos propios varios como por ejemplo su forma de ver el sexo, la ambición, las relaciones familiares y los desequilibrios psicológicos. En "Maps to the stars" hay incesto, hay una mirada exagerada de la industria fílmica y el ego de las estrellas de Hollywood. Todos sabemos que a ese nivel hay mucha excentricidad, pero en este trabajo de Cronenberg todo está llevado al absurdo, extremando la superficialidad de los protagonistas y mirando todo con mucho cinismo. Algunos dicen que esto es comedia, humor negro desde el enfoque del artista, pero no estoy tan seguro de que haya querido ser muy gracioso que digamos. Si nos centramos en la crudeza de su mirada, el film es efectivo porque expone las miserias de esas personas que desde afuera parecen tenerlo todo, la soledad que muchas veces trae el éxito y el dinero sin límites y las consecuencias que suelen traer la falta de amor y la carencia de austeridad en la vida diaria. Nos hipnotiza usando como gancho la vida secreta de las estrellas del entretenimiento y a la vez nos introduce en temáticas con las que nos podemos sentir identificados como la complejidad en las relaciones laborales y familiares. Estas cuestiones hacen que el film sea bueno, significativo y nos ofrezca entretenimiento, pero como escribí anteriormente, también aparecen algunos factores que a mi entender le bajan la calidad. El elemento incesto por ejemplo, está al vicio. No aporta más que bizarrez y de última una mirada crítica al mismo, lo cual tampoco tiene mucho sentido. La escena escatológica protagonizada por Julianne Moore tampoco aporta nada, sólo acrecentar el repudio al personaje, algo que ya se logra con otros recursos. Y así se pueden encontrar algunos otros caprichos del director. En general, diría que es una buena película, que explora un mundillo poco expuesto y adictivo aunque por momentos se vuelve demasiado exagerado en su mirada crítica. Las interpretaciones son muy buenas, sobre todo de Julianne Moore y Mia Wasikowska. No es una película para cualquier tipo de espectador, pero aún así creo que va a entretener a un público que va más allá de los seguidores incondicionales de Cronenberg y el cine "arte".
"Annabelle" es el esperado spin off de la exitosa película de James Wan, "El Conjuro". La muñeca que tuvo sus 15 minutos de fama durante el metraje del film de Wan, consiguió el suficiente interés para ser producida y dirigida individualmente. Los resultados de calidad, lamentablemente no fueron los mismos. La dirección de "Annabelle" recayó sobre John R. Leonetti, director de fotografía habitual de las pelis de Wan con el que hizo algunos buenos laburos. Como director de largometrajes no tiene la misma chapa que como cinematógrafo. Algunos de sus trabajos anteriores son las fallidas "El Efecto Mariposa 2" y "Mortal Kombat: Annihilation", dos productos realmente para el olvido. Con esta nueva película no hace tanta agua como con aquellas, pero tampoco logra sacar adelante un promesa que se perfilaba como uno de los blockbusters del verano. Para empezar, la muñeca tiene un protagonismo débil, trucho. En toda la promoción se la mostró como eje central de la trama y la verdad es que eso cambia cuando uno ve el film completo. Entiendo que la muñeca de por sí sola no es la villana, sino que tiene un espíritu maligno que la posee, pero acá directamente la relegaron a un pedazo de madera con vestido que aparece cuando el demonio hace de las suyas... La que llamaba la atención en "El Conjuro" era la muñeca, no el demonio que la poseía. Así mismo, el demonio que cobra protagonismo por encima de Annabelle, tampoco es lo suficientemente interesante como para hipnotizar al espectador. En el metraje no se explica casi nada sobre su origen y personalidad, simplemente se limitan a mostrarlo como una entidad del mal, de las cuales hemos visto hasta el hartazgo en la gran pantalla. Mucho mejor hubiera sido profundizar sobre quien era el espíritu maligno y crear una conexión más fuerte entre el personaje y el público. Por último, los recursos para asustar utilizados por Leonetti no son de lo más creativos. Ruidos intensos que aparecen de la nada, voces en off susurrando, mobiliario que se abre y cierra solo... eso ya se ha visto. Los únicos momentos para resaltar son dos a mi criterio. Una es la secuencia en la que la protagonista intenta bajar en el ascensor reiteradas veces y no lo consigue, lo que realmente me generó una sensación de desesperación e impotencia; y la otra es cuando el matrimonio es ataco en su casa al principio del film. En general, no es un buen producto. No es un desastre como otros exponentes del género como "Actividad Paranormal" o "El último exorcismo 2", pero claramente no logra transmitir ni el miedo ni la conexión que sí se logró con "El Conjuro".
Un drama que se centra en un personaje de la tercera edad, que deambula entre el recuerdo de su esposa recién fallecida y una conflictiva relación con sus hijos, parece ser un argumento convincente. Si a esto le sumamos la aparición de una bella joven que viene a dar un poco de luz a su insulsa vida, esa convicción se afianza. Y si todo esto es llevado a cabo mediante la actuación del veterano actor Michael Caine, el resultado inevitablemente está destinado a ser más que satisfactorio. “El último amor” es un drama que se construye con todos estos ingredientes. Matthew Morgan (Michael Caine) y Pauline (Clemence Poesy) se conocen en un colectivo y, a partir de allí, entablan una tierna amistad, amistad que no será comprendida por los hijos de Mathew, quienes sospechan que Pauline es una joven manipuladora. Creo que la trama lleva como brújula el concepto de “redención” y de “paz consigo mismo”, porque el personaje de Matthew busca darle un sentido positivo a su vida que lo arranque de su soledad y Pauline colabora en esa búsqueda. La conflictividad que se desata a lo largo de la cinta permite afianzar esa capacidad de cambio que el protagonista intenta desplegar con cierta dificultad para el logro de la paz interna. Un modo de dejar todo en orden antes de la partida. También la trama utiliza la función que cumplen ciertas personas en relación a otras: esas bocanadas de aire fresco que vienen a mostrar el lado de la vida que aparece como oculto. Hay momentos de total intrascendencia, pero hay otros que son muy disfrutables, efectivos y logrados. Sin lugar a dudas, éstos han sido escritos a medida para que Caine libere todo su talento. Que él es un maestro de la actuación es algo que no es un gran descubrimiento. Es el alma de la cinta y es lo que su director intentó dejar muy bien en claro. Y la ciudad de París ayuda bastante. Algo que merece ser destacado es la frescura de Clemence Poesy (quien personificó a la atractiva Fleur Delacour desde “Harry Potter y el Cáliz de Fuego” en 2005), quien hace una dupla un tanto extraña con el veterano actor, pero no por ello acartonada o forzada. El cine nos ha dado muchos exponentes de personajes mayores transitando los últimos momentos de sus vidas que intentan subsanar todos los errores que han cometido a lo largo de los años. Esta película se ajusta a la perfección a esos postulados. Si bien no innova ni aporta algo nuevo, no deja de ser una película digna. No será recordada en lo inmediato, pero ayuda a pasar un buen momento. Crítica realizada por Leonardo Arce.
"El justiciero" vuelve a juntar al que ya podemos decir es una leyenda del cine, Denzel Washington ("Hombre en llamas", "Día de entrenamiento") con el director de acción pensilvano Antoine Fuqua ("Día de entrenamiento", "El Tirador") para deleitarnos con 132 minutos de una historia de muchas peleas a puño limpio y armas varias. La película es la adaptación al cine de una serie de televisión de los 80s que duró unas 4 temporadas. La misma trataba sobre un ex agente de inteligencia que se dedicaba a ayudar a gente de clase trabajadora que era damnificada por actos de corrupción. En este nuevo film de Fuqua, Denzel es ese justiciero. Particularmente recomiendo a los que no vieron la serie, no verla antes del film, ya que de esa manera la trama les resultará un poco más misteriosa y sorpresiva. Los que ya conocían la serie, no se van a sorprender más allá de la nueva carga de violencia que tiene la peli y el carisma que destila Denzel en pantalla. "The Equalizer" es todo Denzel, él es el protagonista absoluto y la verdad es que la sabe llevar como un duque. Historias sobre justicieros hemos visto muchas veces en cine, por lo cual la trama no nos ofrece algo totalmente original, pero la forma en que está producida y el picante que le mete el protagonista la convierte en un producto de entretenimiento espectacular. Todo va in crescendo, presentándonos al principio al justiciero como una persona retirada, buscando vivir en paz y que los demás puedan hacerlo también. En un bar al que va todas las noches a leer y tomarse un te que él mismo lleva, conoce a adolescente prostituta rusa (Cloë Moretz) que está en problemas. Al principio su ayuda se limita a darle consejos de vida, para que deje atrás la prostitución y siga su sueño de convertirse en cantante, pero cuando se entera de que la piba recibe una golpiza tremenda que la deja internada en el hospital, su ayuda va más allá y aparece el justiciero frío y despiadado que todos estamos esperando. ¿Quién no fantaseó con ser un paladín de la justicia áspero con habilidades de combate extraordinarias? Bueno, McCall, el personaje de Denzel, es esa fantasía que alguna vez hemos tenido. Se enfrenta a los corruptos y los pone en su lugar, primero dándole la oportunidad de tomar la decisión correcta y si no escarmientan, los limpia de la faz del planeta a puño limpio o usando armas caseras a lo MacGiver. La trama no es fabulosa, debo admitirlo, ya que si bien mantiene aspectos de la personalidad de nuestro protagonista de manera misteriosa, la resolución del conflicto narrativo es previsible y casi no presenta vueltas de tuerca. Es lo que se ve desde el principio y nos damos bastante cuenta de cómo terminará todo. En cuanto a aspectos técnicos, Fuqua hace un despliegue fabuloso de peleas, muy bien coreografiadas y tratadas con una elegancia que la pone por encima de otros exponentes del género. Un verdadero blockbuster para disfrutar sin muchos prejuicios, dejándose llevar al mundo Denzel y delirar con peleas muy imaginativas.
"The Giver" o "El dador de recuerdos" es una película basada en la famosa novela de la escritora Lois Lowry, una historia para lectores juveniles que se publicó bastante antes de "Los juegos del hambre", "Divergente" o "The Maze Runner". No he leído la novela confieso, pero por comentarios que me han llegado y otros que he leído en la web, es un muy buen libro que aborda de manera valiente temas sociales, políticos y tabúes. Para el año en que fue publicada, 1993, los temas polémicos como la eutanasia, no eran muy tratados en novelas para jóvenes lectores. Todo esto podría haber representado una ventaja total para la concepción del film y podría haberse producido de una manera que llegara para patear el tablero de las sagas juveniles en el cine, pero en lugar de esto se dejaron manipular por los cánones de lo que supuestamente debe mostrar una obra de este tipo en pantalla y nos ofrecieron una adaptación tonta y aburrida, donde las temáticas interesantes quedan totalmente desabridas y dan rienda suelta a la cursilería al mejor estilo "Crepúsculo". Es increíble como la mentalidad comercial errónea de algunas personas en la cúspide de grandes estudios cinematográficos puede llevar una buena historia al fracaso absoluto. Se pretendía que fuera la nueva Juegos del Hambre, pero en cambio han conseguido que peligre al continuidad de la saga. El presupuesto que destinaron a la producción fue de unos 25 millones de dólares, muy poco si se tiene en cuenta que su reparto incluye nombres como Jeff Bridges y Meryl Streep. Así y todo, no supieron aprovechar la oportunidad y ambos actores cumplen con sus roles pero quedan deslucidos ante un guión básico que se concentra más en las sensaciones del personaje protagonista que en la trascendencia de la crítica social que hace el relato. Poca acción, poco suspenso, poca aventura, mucho momento meloso, sobre todo entre la pareja protagonista compuesta por Brenton Thwaites ("Oculus") y Odeya Rush ("We are what we are"), cuyo carisma fue muy débil. Una película chata, con pocas pretensiones que deja la sensación de haber perdido dinero en la entrada al cine. No la recomiendo.
Cuando Disney anuncia el estreno de una comedia, las esperanzas de que ofrezca un producto que rompa sus esquemas preconcebidos se renuevan. Desde hace décadas, Disney viene usando moldes uniformes a la hora de abordar la diversión para toda la familia, moldes aceitados, puestos a prueba y acentuados a más no poder. “Alexander y un día terrible...” es una comedia más de esta factoría, que responde a la receta “rosa” del ratoncito Mickey: comedia liviana apta para todo público, con moralejas acerca de los valores familiares y con el afán de enrostrar la imagen de familia perfecta que enfrenta dificultades pero que se mantiene unida. Lejos de proponer algo nuevo y distinto a lo que nos viene dando. Esta comedia sigue a Alexander, un niño de 11 años, quien vive el peor día de su vida, mientras que los restantes miembros de su familia pasan por momentos grandiosos. Pero el día de su cumpleaños, desea que sus padres y hermanos vivan un día lleno de calamidades, para que sientan en carne propia lo que él siente. Y ese sueño se hace realidad, siendo el disparador de un conglomerado de situaciones que aspiran a ser desastrosas, atípicas y graciosas. La mala suerte se da vuelta. Hasta aquí las intenciones del libreto son más que válidas porque ofrecen el terreno propicio para el desarrollo de eventos descabellados. Algunos ocurren y son, hasta en cierto punto, un tanto amables. Pero el problema está en que todas las situaciones son tan independientes entre sí que resulta difícil hacer una conexión entre ellas para lograr una trama medianamente homogénea. Jennifer Garner y Steve Carell interpretan a los padres de Alexander. Hacen una buena dupla, pero intentan sostener con mucho esfuerzo las incongruencias de la historia. Pero es un gesto que se valora. El trabajo del elenco infantil/juvenil cumple bien su trabajo, pero nada más. Todos se muestran como el prototipo de familia perfecta: padres ocupados y comprometidos, adolescentes típicos y niños atribulados. Cuando se envuelven en ese terrible día, intentan convencernos de que el poder de la unidad familiar puede sortear cualquier obstáculo y puede revertir esa mala suerte que viven. Buen mensaje; bien trillado. ¿A dónde queda la autodeterminación personal? ¿Qué lugar ocupan los desafíos diarios que la vida “real” ofrece? ¿Qué pretende implantar la moraleja de esta película? Para pensar en la imposición de ciertos patrones familiares. En resumen, a esta cinta no hay que exigirle demasiado. Cumple con el objetivo general previsto por Disney, que es entretener a la familia. La productora así lo quiso, así lo quiere y, haciendo proyecciones a futuro, así lo seguirá queriendo. Cuando decida de una vez por todas salirse de las encorsetadas recetas, estaremos ante una evolución que podrá (o no) ser del agrado del público, pero que seguramente será bienvenida. Porque quien arriesga, no gana. Y ya va siendo hora que Disney, en materia de comedia, comience a desafiar sus propios límites y correr ciertos riesgos para cortejar a un éxito mas monumental del que ha adquirido hasta la fecha. Es mi deseo. Crítica realizada por Leo Arce.
"Dracula Untold" fue una grata sorpresa, ya que como la mayoría de los espectadores tenía cero expectativas con respecto a otra película sobre el icónico personaje. La mayoría de los últimos trabajos que se llevaron a la gran pantalla sobre Dracula y los vampiros eran realmente deprimentes como "Dracula 3D", "Van Helsing", "La reina de los condenados" y ni hablar de la saga "Crepúsculo", por lo que estaba bastante descreído sobre otra adaptación del vampiro más famoso del mundo. ¡Ojo!, tampoco es una joya del cine, pero es muy entretenida y está bien realizada. Para empezar es atractiva la vuelta de tuerca que decidieron darle al personaje hacia monstruo/héroe, es decir, un tipo que se convirtió al lado oscuro pero por una buena razón como proteger a su familia y pueblo de una masacre segura en manos de los turcos. Para esto se va en busca del demonio que vive en la montaña y le vende su alma. Es un concepto nuevo, que no habíamos visto en la gran pantalla y está bien desarrollado. Los actores cumplen bien sus roles, Luke Evans como Dracula, Sarah Gadon como Mirena, Dominic Cooper como el villano Mehmed y Charles Dance como el vampiro supremo, pero no maravillan. Está bien, los productores no estaban pensando mandarse la nueva Bram Stoker's Dracula, pero creo que podrían haberse jugado con alguna cara más estelar, sobretodo con una historia sólida entre manos. En al apartado de los aspectos técnicos creo que en general se hizo también un muy buen trabajo aunque por momentos de abusó un poco del uso de CGI. Hay muy buenas secuencias de acción en las que su uso era necesario, pero por momentos de utiliza en otras en las que se podría haber resuelto de otra manera. El cierre de la historia es bueno y conecta con la implacable búsqueda de su amor a través del tiempo, algo que se explotó también en el film de Francis Ford Coppola, pero a la vez, ya sobre el último, da la sensación de un cierre con ganas de secuela sacada de manual, lo que siempre resulta un tanto molesto. Un entretenimiento que nos muestra un historia distinta de un personaje mítico del cine, con un buena construcción de la trama, secuencias de acción de calidad y una producción que si bien tuvo un presupuesto medio (u$s70.000.000) se las arregló para parecer mucho más cara. Recomendable para divertirse un rato con cine de acción.
Que esta cinta tiene el inconfundible sello de Woody Allen es innegable. Que contiene todos los elementos característicos de su prolífica filmografía también es innegable. Que estamos ante una nueva obra maestra del director neoyorquino, lo dudo mucho. Habituados a ver una película suya estrenarse por año, y recordando que en menos de un lustro nos ha regalado delicias como “Medianoche en París” (2011) y “Blue Jasmine” (2013), el mismo Woody mantiene su propia vara tan en alto que las expectativas que generan sus películas siempre son elevadas. En “Magia a la luz de la luna” plantea una serie de relaciones: la mente vs. la magia; la ciencia vs. la religión; el racionalismo vs. el espiritualismo; lo objetivo vs. lo subjetivo. Con este mochila filosófica, uno esperaría de Allen una historia atrapante plasmada con un sutil tono de comedia. La comedia fresca y liviana está, pero no así la historia atrapante. Con esto no quiero decir que sea un bodrio, sino todo lo contrario: es una invitación a la reflexión filosófica a través de una buena historia, pero que no se cuela entre sus grandes obras. Ambientada en la década de 1920 en la costa azul francesa, la trama nos presenta a Stanley (Colin Firth), un famoso ilusionista trabajando en Berlín. Un antiguo colega suyo le solicita que desenmascare a Sophie (Emma Stone), una bella médium que vive junto a una acaudalada familia aristócrata norteamericana. Cuando Stanley vea los prodigios que Sophie puede realizar, intentará tamizar todo a través de su racionalidad, en donde el mundo espiritual puesto de manifiesto por la muchacha no tienen cabida. Es así como sus esquemas filosóficos y su corazón comenzarán a sucumbir ante la joven. Tras idas y venidas, y como un intrépido Sherlock Holmes, nuestro protagonista encuentra una explicación racional a todo lo que ha observado. Pero termina descubriendo que la racionalidad no se aplica a las cuestiones del corazón, y eso le hiere su orgullo. Y es aquí donde encontramos explícitamente la mano de Woody, dejando al descubierto su propia visión de la vida: que la felicidad no forma parte del estado natural del hombre. Para reflexionar en casa. El jazz infaltable y un diseño de producción y de vestuario impecable que se realza con un potente trabajo de fotografía que habla por sí mismo, constituyen un marco perfecto para el desarrollo de esta historia en la que Colin y Emma logran una combinación envidiable desde lo actoral. Todo está perfectamente medido y eso se nota en la pantalla. Hasta ahora todo encaja a la perfección, a no ser por la ausencia de ese condimento que Woody le añade a sus libretos: ese “no se qué” que me resulta tan difícil de describir, pero que aquellos que han visto algo de sus obras sabrán entender a lo que me refiero. Quizás un giro aquí o allá en la historia y la eliminación de algunas escenas hubiese sido más que suficiente para airearla un poco. No está mal, pero en mi humilde opinión eso bastaba para calificarla como “muy buena”. Pero de que la recomiendo, nuevamente también eso es innegable. Crítica de Leonardo Arce.
"El Juez" es un melodrama familiar, sí, es eso. No es un thriller, no es un drama judicial, es la historia de un padre y un hijo que se llevan pésimo pero se quieren. Dejo esto en claro porque muchas personas me comentaron que se sorprendieron, algunos para mal, con el tipo de género que presenta la peli. En cuanto a la trama, el film trata sobre Hank Palmer (Robert Downey Jr.), un abogado exitoso pero sin escrúpulos que se ve forzado a volver a su pueblo natal por la muerte de su madre. Allí se encuentra con sus familia, con la cual tiene un pésima relación por heridas del pasado que no fueron superadas. Acá comienza una historia al mejor estilo novela de Pol-Ka, en la que nos exponen a un juego de humor y drama para desbaratar la compostura y terminar llorando y riendo al mismo tiempo. Sí, tiene algunos golpes bien bajos y hay secuencias que se notan están creadas 100% para emocionar al espectador. Por este tipo de recursos utilizados, le bajo puntos a la propuesta. En el cine se debe ser muy cuidadoso de exhibir algo que emocione al espectador, ya que esto tendría que mostrarse de una forma bien natural y no forzada, donde se note justamente lo contrario de algo artificial pensado con el único fin de desarmarlo. Sino pongamos niños con enfermedades terminales y riendo en el hospital mientras se van muriendo de a uno y listo. La interacción de Downey Jr. y Duvall (el padre en la ficción) es magnífica y deberían haberse centrado en esto, no en ponerlo al último en el rol de viejito debilitado mostrando las miserias de la vejez para despertar la catarata de lágrimas. Si se fijan bien, el film es todo ellos dos, los protagonistas máximos de esta historia cuya carisma rebalsa los límites de lo habitual. Downey Jr. está fabuloso en un rol que le sienta como anillo al dedo, el tipo engreído y ácido pero de buen corazón en el fondo. Duvall hace gala de su carácter de tipo fuerte y nos muestra a la vez una faceta más frágil de su personalidad desplegando toda su experiencia. El reparto compuesto por Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Vincent D'Onofrio, Dax Shepard y Jeremy Strong acompaña bien al dúo dinámico. El punto más fuerte de esta propuesta está acá, en los intérpretes y sus laburos. Otra cuestión que por momentos se vuelve interesante es el juego judicial, involucrando al espectador en los procesos y dándole lugar a que se anticipe a adivinar qué rumbo va tomando la historia. En general se puede decir que "El Juez" es un buen entretenimiento, con puntos muy fuertes en lo que a interpretaciones se refiere y un tratamiento divertido de la escena judicial norteamericana. Lo que la tira abajo es el melodrama excesivo exhibido por momentos, lo que la da un aura de film televisivo de los que presenta Virginia Lago en canal 12 por la siesta. Más allá de esto último, se puede disfrutar bastante.
"Begin Again" o el nombre ridículamente cursi que le pusieron acá, "¿Puede una canción de amor salvar tu vida?", es una comedia romántica, con algunos toques de drama, que con bastante frescura nos muestra la historia de Dan (Mark Ruffalo), un productor musical que está en la lona y Gretta (Keira Knightley), una joven cantante incipiente cuya carrera ha sido eclipsada por la de su novio cuya popularidad se encuentra en franco ascenso. La trama gira en torno a las vidas de estos dos protagonistas y sus relaciones interpersonales; de Dan con su familia (está separado y tiene una hija) y con su jefe/socio con quien mantiene diferencias, y por otro lado de Gretta con su ex novio Dave (Adam Levine) y su estancada carrera como artista. La casualidad o providencia consigue que ambos se conozcan en uno de los peores días de sus vidas, ella recién despechada y él recién despedido de su trabajo. Dan se encuentra con Gretta cantando en un bar y automáticamente capta el potencial que tiene como artista. A partir de esto, juntos tratarán de salir a flote y mejorar sus vidas haciendo una suerte de música callejera. El film tiene un buen ritmo y presenta también buena química entre Ruffalo y Knightley. Hay algunas escenas interesantes y bien concebidas, aunque no llega a ser un producto memorable a mi entender. Es una comedia/drama de manual con algunos toques y vueltas de tuerca que la convierten en un entretenimiento por encima del promedio. Por ejemplo la secuencia en que él va descubriendo el potencial de Gretta mientras interpreta un canción en el bar, es una de las mejores. Una de sus canciones, "Lost Stars", está nominada al Oscar 2015 y demuestra un buen laburo sobre el elemento musical que expone, que en definitiva es el core central sobre el cual gira la historia. Tiene toques dramáticos, varios, algunos de humor y otros de romance, aunque no tiene un desenlace clásico como en la mayoría de estos films. En "Begin Again" todo está mostrado con mayor naturalidad que en otros exponentes del género, permitiendo esto que el espectador se involucre más con los personajes y lo que les sucede en pantalla. Una buena película para disfrutar sobre las amarguras y alegrías que tiene el mundo de la música y la vida misma.
Hace mucho que no veía una película tan brutamente mala como "El remanente". Realmente un insulto al cine, al género de terror y a la misma religión cristiana. No se si todos mis lectores lo saben, pero soy cristiano católico y estoy orgulloso de serlo, por lo cual me voy a permitir hacer como introducción un pequeño análisis de la propuesta cinematográfica en este sentido. Es increíble que grupos fundamentalistas cristianos (sí, lamentablemente lo son) intenten bajar línea de sus creencias a través de algo tan masivo como el cine y usando recursos tan poco inteligentes y pedagógicos. Aún así esto no es lo peor, sino que lo más negativo de todo esto es que por el contrario de lograr acercar personas al cristianismo, las alejan aún más metiéndoles ideas de un Dios opresivo y castigador, visión superada hace décadas. Transmitir un mensaje de la religión cristiana como una forma de vida opresiva, regida bajo reglas de comportamiento tomadas literalmente de libros como el antiguo testamento y que en vez de esparcir el amor esparcen el miedo, son simplemente burradas de personas que no conocen a fondo el mensaje del cristianismo o bien lo han leído de pasada en Internet y se les ocurrió hacer un film de terror con eso. Si lo que pretendían era interesar a alguien en el cristianismo, le pifiaron a lo grande. Jesús es amor, no miedo. Más allá de la visión religiosa nefasta de los responsables de esta película, como producto cinematográfico también es pobre y superficial. En primer lugar hablemos de la técnica de filmación elegida... El found footage o cámara en mano ya pasó muchachos. Nos saturaron durante unos 7 años con esta técnica y el espectador ya está podrido. Dejó de ser novedad hace por lo menos 2 años. En segundo lugar, entiendo lo del presupuesto bajo, pero podrían haber hecho un casting mejor o haber dirigido con más detalle a los intérpretes. Ninguno convence en su rol y todo es muy superficial. Lo de Alexa Vega y Bryan Dechart da vergüenza ajena directamente. En tercer lugar el guión es malo y con una bajada de línea grotesca que no deja casi nada a la interpretación del espectador. Líneas como "No entiendo porque me pasa esto a mí... yo siempre fui a misa y he sido buena persona..." les puede dar una idea con lo que se van a encontrar. Diálogos estúpidos y situaciones sin sentido como confesiones de amor en medio del Apocalipsis, dan la sensación de que los productores y escritores no supieron como rellenar los espacios en los que no estaban destruyendo la imagen del cristianismo. Lo único safable es la factura técnica, que para ser un proyecto de bajo presupuesto, logra algunas secuencias que parecen más caras de lo que realmente fueron. Una verdadera vergüenza para el cine y la religión. No recomendable.
“Gone Girl" es el nuevo gran trabajo del talentoso director David Fincher ("Pecados Capitales", "El Club de la Pelea") que está basado en la novela del mismo nombre escrita por Gillian Flynn. El libro tiene la distinción de haber sido el que destronó del puesto número 1 en ventas a "50 sombras de Grey", lo que demostró su potencial comercial y tentó a 20th Century Fox que compró sus derechos para llevarla a pantalla. Dar vida cinematográfica a una novela famosa no es tarea fácil, de hecho hay muchos intentos que fueron nefastos, pero el maestro Fincher junto con la mismísima Flynn dieron en la tecla y crearon un film que se convertirá en un clásico sin dudas. Para los que no conocen nada de la historia, les cuento que se trata de la desaparición de su hogar de una escritora llamada Amy (Rosamund Pike), que está casada con el escritor Nick (Ben Affleck) y cuya evanescencia es muy misteriosa. Cuando el marido hace la denuncia, los policías comienzan a advertir que su conducta es muy extraña y relajada para lo acontecido, lo que los lleva a profundizar su investigación y comenzar a sospechar de él. Por supuesto hay varias vueltas de tuerca que sobre las cuales no diré nada para no spoilear. El concepto de la historia es de por sí muy interesante e intrigante, por lo cual ya la película se gana algunos puntos, pero como expliqué anteriormente, lo que funciona muy bien en la lectura no siempre lo hace en la pantalla. En este caso Fincher dirige maravillosamente las interpretaciones de una Rosamund Pike ("Orgullo y Prejuicio", "Otro día para morir") que está espléndida y un Ben Affleck ("Argo", "Good Will Hunting") que cumple una vez más con las expectativas. Lo de Pike fue tan bueno que la ternaron para el Oscar como Mejor Actriz, la única nominación conseguida por la película, algo que personalmente me parece un tanto injusto. El aura sombrío y frío que se imprime al film es todo mérito del director, que logra transmitir esa relación amor-odio de los personajes con respecto a los lectores. Un rato queremos a uno y odiamos al otro y luego los sentimientos se invierten. Esto está muy bien logrado, al igual que la constante tensión y el suspenso. El metraje se extiende por 2 horas y media y por lo bien que está manejada la trama casi no se notan. Quizás se le podrían haber recortado unos 15 minutos, no más. Una película de suspenso de las buenas, que atrapa, incluye y transmite con mucha pericia la concepción original de la novela. Muy recomendable.
