La sospecha: Seguridades morales en jaque

* * * *  MUY BUENA

Tremendo thriller este nuevo trabajo del talentoso director canadiense Denis Villeneuve ("Incendies", "Polytechnique"), que con una escritura realmente interesante de Aaron Guzikowski ("Contrabando"), logra entregar un producto de alta calidad y realmente entretenido para el cinéfilo en busca de delicatessen cinematográficas.
La trama se centra en los dilemas morales, esos que se tornan tan frágiles cuando nos vemos acorralados por la desesperación y el peligro, ya sea de sufrimiento o de muerte. En esta ocasión particular, estos dilemas se materializan en un padre cuya hija es secuestrada junto a una amiguita vecina un día que parecía normal y sin preocupaciones a la vista. Nadie sabe cuál puede haber sido la razón del secuestro, nadie las puede encontrar (ni la policía que hace todo su esfuerzo), el tiempo pasa y el fantasma del asesinato comienza a volver locos a sus padres. Una pista que parece ser fuerte y la policía ha ignorado lleva al padre de la niña, interpretado por Hugh Jackman, a comenzar una investigación paralela que no seguirá los pasos de la ley y pondrá al espectador en una posición que le exigirá tomar partido y replantearse sus seguridades morales. La contraparte, un policía personificado por Jake Gyllenhaal, deberá seguir los pasos no sólo del secuestrador, sino también del iracundo padre que ha desatado su ira.
Todo en esta película está muy bien aceitado, desde el guión que hace acordar a grandes thrillers como "Pecados Capitales" (aunque no está a su altura), pasando por la dinámica que, sin prisa pero sin pausa, nos lleva al clímax necesario para disfrutar un film que dura más de 3 horas, hasta las interpretaciones que están fantásticas, sobre todo las de Hugh Jackman y Paul Dano. El cast en conjunto eleva el nivel del entretenimiento y lo vuelve muy creíble, siendo esto un mérito compartido con el director que hace un trabajo formidable.
En resumen, una película de muy buena calidad que mantiene al público al borde de la butaca durante casi todo el metraje, que pone en jaque las seguridades que uno cree tener y que presenta la realidad macabra de algunos seres humanos golpeados por la vida. Muy recomendable.

Las brujas de Zugarramurdi: La magia negra de Alex

* * * *  MUY BUENA

El afamado y versátil director español Alex de la Iglesia ("El Día de la Bestia" y "La Comunidad", entre otras) regresa con una comedia tributaria de lo más característico de su cine. Porque “Las Brujas de Zugarramurdi” propone una trama que se cocina en un caldero rebosante de un humor negro salpimentado con esa acidez no tan fácil de digerir, buenas dosis de acción, pizcas de magia negra y cuotas de erotismo bien logradas.
La película abre con una escena en la que Graciana (Carmen Maura), una malvada bruja, profetiza el fin de la cultura occidental y el inicio de nuevos tiempos con la llegada de “El Elegido”. Mientras tanto, José (Hugo Silva), acompañado de su hijo y de Tony (Mario Casas) decide robar una casa de compra de oro. Tras una balacera, ambos deciden huir hacia Francia y secuestran a Manuel (Jaime Ordóñez), un taxista quién luego se suma a la banda. De paso por el pueblo de Zugarramurdi, se topan con Graciana quien, junto a su madre Maritxu (Terele Pávez) y su hija Eva (Carolina Bang), los secuestran para sacrificarlos en el aquelarre que se organiza en las cuevas.
No hay dudas de que Alex de la Iglesia le imprime a su cinta un despliegue visual impresionante: un amalgama de vestuario, arte y maquillaje, que se nutre de una fotografía impactante y una poderosa música. No por nada es que su película ha obtenido diez nominaciones a los Premios Goya próximos a entregarse (en su mayoría en los apartados técnicos). Creo que esto es un punto fuerte porque la cuidadosa ambientación no sólo embellece las escenas sino que realza una historia que hubiese sido muy difícil de materializar sin un departamento técnico-artístico de gran talento.
En cuanto a las actuaciones, Carmen Maura brilla a más no poder en su papel de bruja regente, demostrando así toda su pericia actoral. Terele Pávez (nominada al Goya como mejor actriz de reparto por esta interpretación) hace lo suyo recreando a una bruja de esas clásicas que causan tanto miedo como simpatía. Y el trío conformado por Hugo Silva, Mario Casas y Jaime Ordóñez cumple en términos generales, ofreciendo cada uno gratos momentos de lucimiento personal.
A pesar de que la película tiene secuencias muy logradas en términos cinematográficos (tanto el robo de la casa de venta de oro y del aquelarre al final de la cinta son escenas cargadas de acción y de planos generales que pretenden poner de manifiesto la espectacularidad) y una historia interesante por la variedad de elementos y la intensidad de los modos en que son presentados, si se hubiesen suprimido un par de escenas que acortaran el metraje hubiese dado mayor coherencia a la trama y contribuido a generar una mejor película de lo que ya es.
Las historias con tintes sobrenaturales y fantásticos atraen mi interés personal porque disfruto ver lo que se escurre detrás de la magia. Y más aún si esas tramas están acompañadas de un concepto artístico de riqueza incuestionable. Si a eso le sumamos una dirección que se nutre de acción, oscuridad y comicidad, no hay duda alguna de que todos esos ingredientes combinados en un hechizo de Alex dan como resultado “Las Brujas de Zugarramurdi”. Recomendable a más no poder, incluso para los que no disfrutan de la magia negra de de la Iglesia.

Crítica realizada por Leo Arce.

Una segunda oportunidad: Batalla a la soledad

* * * *  MUY BUENA

Una entretenida comedia romántica que brilla, no tan solo por la inteligencia que se despliega en el desarrollo de la historia, sino también por ser una de las últimas películas filmadas por James Gandolfini antes de su inesperada muerte.
Protagonizada por Julia Louis-Dreyfus, una talentosa actriz de la televisión norteamericana, quien se encarga de darle vida a Eva: una masajista divorciada que vive con su hija quien está a punto de irse a la Universidad. El papel que asume Julia le ha valido una nominación a los premios Globo de Oro entregados recientemente, en la categoría de Mejor Actriz de Comedia. No hay dudas de que Eva es “el personaje” de la cinta y sobre ella pesan los momentos más gratos de la trama: fresca, querible y divertida, sus días transcurren entre el hecho de que no consigue a nadie interesante con quién compartir su vida y la idea de una soledad implacable que llegará luego de la partida de su hija.
El modo en que Eva batallará a esa soledad que la acecha es el punto central de la trama porque dos personajes llegarán a su vida: Albert (James Gandolfini), un simpático empleado de una biblioteca de televisión y Marianne (Catherine Keener), una afamada poetisa. Eva pronto trabará una relación amorosa con Albert a medida de que se acerca amistosamente a Marianne. El destino le hará una mala jugada cuando se entere de que ambos habían estado casados.
El guión tiene diálogos muy bien construidos que dan espacio suficiente para que cada actor pueda recrear a su personaje y dotarlos de toda esa amplia variedad de características que los enriquecen. Pero más allá de esto, la trama está planteada de modo tal que los acontecimientos, enredos y las formas en que son resueltos están unidos bajo un hilo conductor que en ningún momento se tensa para precipitar nada. Todo transcurre de forma natural, sin demasiada prisa pero con cierta agilidad y con guiños atractivos, cómicos e inesperados que importan desafíos para nuestros personajes. El final que la cinta nos ofrece se aleja del concepto facilista que dice: “y vivieron felices para siempre”. La historia se encarga de que el final de la película sea un nuevo comienzo para nuestros personajes. Y eso me gusta.
James Gandolfini nos ofrece una actuación fantástica y muestra dotes actorales distintos de aquellos con los que hizo gala en su papel ícono: Tony Soprano. James brilla junto a Julia y la hace brillar, formando un binomio atípico que genera una empatía instantánea en el público. No se trata de dos actores jóvenes del momento que son puestos detrás de un par de frases angustiosas rodeadas de besos y nada más. Son dos actores adultos que recrean una historia madura e inteligente. Eso ya es decir mucho. Por último, no hay que olvidarse de las actuaciones de las nominadas al Oscar, Toni Collette ("Sexto Sentido") y Catherine Keener ("¿Quieres ser John Malkovich?"), quienes asumen roles secundarios y muy bien planteados.
No soy fanático de las comedias románticas. Es más, muchas veces no puedo ocultar mi desdén por este subgénero del cine pochoclero. Pero me encanta verme derrotado cuando todos mis prejuicios caen al suelo frente a un buen espécimen de aquel. Esta película tuvo la fuerza suficiente para encontrarme a mí mismo riéndome en muchas ocasiones (y eso es un síntoma muy bueno). Quiero más sorpresas de esta naturaleza; muchas más.

Crítica realizada por Leo Arce

El quinto poder: Juliancito el hacker loco

* *      REGULAR

"The fifth estate" es una de esas películas épicas sobre un hecho real que no supo encontrarle la vuelta para atraer al espectador y mantenerlo interesado en lo que tiene para ofrecer. Y es que mientras la miraba en la gran pantalla me iba dando cuenta de qué tan poco me interesaba este tema de Wikileaks y la vida de Julian Assange... ¿Realmente daba para armar un film sobre este acontecimiento? O al menos, ¿era necesario armar un producción cinematográfica sobre un hecho tan reciente? 
La figura de Assange no es tan atractiva como se nos intentó vender durante el conflicto de las filtraciones de archivos secretos de las naciones, de hecho, hay mucha gente en el mundo que todavía no tiene idea de quien es. Para darnos una idea, el australiano Assange es un hacker groso y medio loco que encontró la forma de acceder a información secreta de los estados y el poder político y empresarial. A partir del robo y publicación sin filtro de esta información compuesta por más de 250.000 escuchas, videos y documentos clasificados, es que salta a la "fama", una fama tan efímera como la de un ganador del certamen de Gran Hermano. Esta cuestión creo que pudo ser bastante responsable del fiasco de taquilla que significó su estreno. La gente, teniendo un trailer interesante y las fuertes promociones que se hicieron, no se motivó para ir a disfrutarla en cine, de hecho prefirió otras opciones de cartelera. Para que se den una idea, en su primera semana recaudó menos que las horrorosas "Movie 43" y "Escape Plan".
Personalmente la encontré un tanto aburrida, con tanta solemnidad densa que terminaba por cansar en vez de generar sensaciones de estrés, ansiedad y empatía con los personajes como debería hacer un buen drama. Creo que tenía muy buenos recursos que fueron desaprovechados, como por ejemplo la presencia de actores grosos como Benedict Cumberbatch y Daniel Brühl. Su interpretaciones están bastante bien, pero lamentablemente no fueron acompañadas por un buen guión. Nunca nos muestran bien como funciona Wikileaks, no se sabe mucho del pasado del protagonista, los secundarios aparecen y desaparecen en pantalla sin generar mayores sensaciones, los hechos que generaron escándalos sólo se muestran en pequeños flshbacks. El director Bill Condon ("Saga Crepúsculo: Amanecer 1 y 2", "Dreamgirls", "Gods and Monsters"), una vez más le pifia con un producto que podría haber sido muchísimo mejor de lo que finalmente fue. Me gustaría que vuelva el Bill de "Gods..." y se vaya esta nueva versión crepusculera.

Diana: La peli que quedó chica

* *      REGULAR

Lamentablemente el nuevo trabajo del director alemán Oliver Hirschbiegel ("La Caída", "El Experimento", "Invasión") resultó en una película desabrida que le quedó demasiada chica para la figura de una mujer tan popular y enigmática como fue Diana Spencer.
En primer lugar, al relato le falta corazón, o al menos eso se percibe. La narración se torna pesada y plana, sumiendo al espectador en un estado de aburrimiento atroz. Es duro decir esto, porque personalmente me gustan bastante los trabajos de Hirschbiegel y mi imagen de Lady D era mucho más poderosa de lo que pude ver en esta cinta. Acá la muestran media tontona, inmadura, superficial, nada que ver con lo que uno puede imaginarse que era en su vida privada. Por momentos parecía necesitada, como caliente con el doctor con el que supuestamente tuvo un affair secreto, enamoradiza en el mal sentido... no me gustó.
En segundo lugar, Naomi Watts es una actriz que suelo bancar a muerte, pero acá no hace un buen trabajo. Sí, se aprendió algunos gestos característicos de Diana, pero nunca uno se llega a creer que está frente a la princesa revivida. En todo momento vemos a una actriz tratando de convencernos que es el personaje, cuando esto en realidad debería darse de manera más natural.
Por último, nos presentan una historia de amor secreta entre la figura principal y el médico Hasnat Khan, algo que nunca se validó del todo y que le quita fiabilidad a lo que estamos viendo. Más allá de esto, que siendo verdadero o no podría haber funcionado con otro tratamiento narrativo, el amorío se plantea de manera infantil, casi adolescente e insufrible, asemejando por momentos la dinámica a un drama teen de poca monta.
Creo que los verdaderos seguidores de Diana Spencer no quedarán satisfechos con esta puesta, como tampoco lo estarán los amantes de buenas historias. Quizás los incondicionales de los culebrones de amor se la banquen, pero en general, no es un buen producto.

Los juegos del hambre, en llamas: En zona de transición

* * * *  MUY BUENA

¡Volvieron los juegos mortales más esperados del año! Volvieron y no defraudaron, aunque cuando uno se pone a pensar que aún faltan 2 partes más, es decir, 2 años más (con suerte) para concluir la historia, la ansiedad invade el cuerpo y es imposible no sentir un poco de frustración. Entiendo perfectamente la veta del negocio, pero todo el mundo sabe que sacar 2 excelentes películas del último libro, "Sinsajo", es casi imposible. Esto me preocupa un poco, ya que en esta 2da entrega se comenzó a evidenciar este estiramiento comercial cuyo único fin es abarrotar los bolsillos de algunos pocos con billetes verdes. No estoy en contra de esto, pero sí de sacrificar la integridad de una historia en pos de ganar más dinero. He dicho.
Con respecto a la película en sí, el director Francis Lawrence ("Constantine", "Soy Leyenda", "Agua para elefantes") hace un buen trabajo puliendo aspectos de trama, visuales y de interpretación. Esta vez se le presta un poco más de atención al drama y no tanto al juego en sí, lo cual es bueno y marca una pequeña evolución con respecto a la primera, pero en sí la fórmula se mantuvo intacta. 
A la primera entrega le puse de nota un "Excelente", sobre todo porque con tanta saga pop mediocre, "Los Juegos del Hambre" se había configurado como un producto que no insultaba la inteligencia del espectador y lo mantenía enganchado al 100% con una historia que iba mucho más allá de una amorío adolescente entre protagonistas. Su dinamismo y temática hacía que fuera un verdadero disfrute cinematográfico. En el caso de esta secuela, se sigue la línea pero puliendo algunos aspectos que naturalmente podían mejorar, como es el caso de la parte visual y sonora de las secuencias como la carga dramática que va adquiriendo el relato. ¿Por qué entonces le bajo la nota a "Muy Buena"? Porque en los últimos 10 minutos te das cuenta que todo lo que estuviste viendo durante los otros 130 minutos que dura el film podría haber sido más groso, más dramático, más épico, más inteligente. Uno se percata de que el director estiró el chicle para cumplir con los productores y que a último momento hace un real despliegue de sus capacidades para enganchar al público y tenerlo como loco hasta la próxima entrega. La última parte de esta secuela da cuenta de que Francis Lawrence podría haber superado ampliamente a la entrega original de Gary Ross si no hubiera dilatado tanto el momento culmine de la trama, pero en vez de hacer esto, se lo reserva para seguir estirando el chicle.
Por el lado de las interpretaciones, Jennifer Lawrence (Katniss) está fantástica como siempre, adquieren más relevancia los personajes de Josh Hutcherson (Peeta), Liam Hemsworth (Gale) y Donald Sutherland (Snow), y se suman algunas nuevas caras con un buen trabajo en pantalla como es el caso de Jena Malone (Johanna), Sam Clafin (Finnick) y Philip Seymour Hoffman (Plutarch).
En conclusión, la película cumple con las expectativas, mantiene involucrado al espectador y mejora algunos aspectos con respecto a su antecesora, pero también revela el objetivo comercial detrás del estiramiento eterno que están haciendo con la obra cinematográfica. Da la sensación de que puede ser mejor y que se está reservando sus platos fuertes para las dos última entregas.

El Mayordomo: Una mirada sobre el racismo y los derechos civiles

* * *     BUENA

El aclamado director de “Precious” (2009), Lee Daniels, nos propone una cinta que cuenta la historia sobre las barreras impuestas por la discriminación y el odio racial en Estados Unidos, el despertar de la conciencia por parte de los oprimidos a través de la lucha por las conquistas civiles y la mirada de alguien quien fue preparado para exclusivamente servir. Buena parte de la historia  norteamericana pasa por las manos de Daniels, quien nos ofrece un producto con imágenes de archivo pero con ciertas falencias desde lo argumental.
Cecil Gaines (Forrest Whitaker), un mayordomo de la Casa Blanca que prestó sus servicios entre 1957 y 1986, a lo largo de varias administraciones presidenciales que tuvieron que afrontar los problemas generados por el racismo y la lucha de los derechos civiles de las minorías en Estados Unidos. Estas fricciones sociales rompieron ciertos esquemas del mismo modo en que Cecil los rompía con cada taza de café que sirve y un par de palabras que le dirige al presidente de turno.
El ganador del Oscar por “El último Rey de Escocia” (2006), Forrest Whitaker, compone un personaje que lo va explotando desde muy adentro, imprimiéndole un carácter tranquilo y dócil, pero con una extrema fortaleza. La Academia de Hollywood debería considerar esta interpretación. La famosa presentadora de la televisión norteamericana, Oprah Winfrey, brilla como Gloria, la esposa de Cecil, y quizás estemos ante una interpretación presente en los premios Oscar en la categoría de Mejor Actriz de Reparto. Completa un muy buen elenco las pequeñas intervenciones de Robin Williams y Alan Rickman (ambos como presidentes norteamericanos), sumadas a las de Cuba Gooding Jr., Terrence Howard, Lenny Kravitz y Mariah Carey, entre otros.
El modo en que esta película es presentada en la pantalla hizo que mi mente rememorara una perla del cine: me refiero a “Forrest Gump” (1994) de Robert Zemeckis. En esta multipremiada cinta, gran parte de la historia norteamericana del siglo XX se expone tangencialmente a través de la mirada y las vivencias de un personaje: Forrest. Lee Daniels parece optar por presentar el argumento de su obra de la misma manera en que lo hizo Zemeckis. Pero en “El Mayordomo”, esos hechos no son presentados exclusivamente desde la óptica de nuestro protagonista, sino también a través de la de su hijo; Louis, cuya vida se cuenta en un arco argumental secundario que, por momentos, se hace una línea principal. Al ser dos personajes antagónicos desde sus posiciones políticas, no se logra cierta armonía en esas miradas y, aún cuando el director opta por jugar con la contraposición de ópticas, tampoco enriquece la historia. El efecto “Forrest” se queda a mitad de camino, como si fuese una mera buena intención. Pese a ello, la historia racial está bien presentada.
Otro punto que merece mencionar consiste en las dificultades de Daniels para generar un ambiente emotivo. Muchas escenas podrían haberle robado alguna que otra lágrima al espectador. Pero esa magia no logra explotar y es una pena porque una lágrima levanta el espíritu de quien la ve, teniendo en cuenta de que se trata de una cinta que supera las dos horas de duración.
En los ´90, diríamos que “El Mayordomo” arrasaría en una noche de entrega de premios de la Academia, ya que tiene todos los elementos para hacerlo: un modo formal de para dirigir una cinta, aspectos técnicos y artísticos muy cuidados, poderosas actuaciones y un guión que relata la vida de una personaje contada con detalles de la historia norteamericana como contexto. No habría académico que se resista a votarla como Mejor Película. Hoy, las cosas han cambiado y difícilmente veremos a “El Mayordomo” ingresar entre las nueve/diez películas que aspiren a la máxima candidatura del Oscar. Aunque puede “manotear” un par de nominaciones. No dudo de ello.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

Lluvia de hamburguesas 2: ¡Viva la comida!

* * *     BUENA

Sigue enraizándose la costumbre de largar secuelas animadas. 2013 fue el año del regreso de muchos personajes (Mike y Sullivan de Monsters University y Gru con Mi Villano Favorito 2 son claros exponentes). Y la película animada de Sony Pictures estrenada en 2009 no podía ser la excepción. Se trata de una secuela por naturaleza, ya que su inicio engarza perfectamente con el final de la primera cinta.
Con una pequeña introducción que explica lo ocurrido en la primera entrega, la trama nos reencuentra con Flint Lookwood y su equipo de amigos, quienes deben regresar a la isla donde vivían luego de haber sido relocalizados para que la empresa de Chester V (inventor ídolo de Flint) realice tareas de limpieza de las sobras de comida. Al llegar a su ciudad, descubrirán que el invento que transformaba el agua en comida no fue destruido y que las sobras han tomado vida propia, creando un perfecto ecosistema. Mostruosas y gigantes hamburguesas y tacos  amenazan con cruzar el océano y destruir el continente. Flint y sus amigos deberán evitar una nueva catástrofe, bloqueando su invento y destruyendo los monstruos. Aunque en esa tarea, se toparán con gratas sorpresas.
La originalidad de la película la encontramos en la creación de un mundo donde los reinos vegetal y animal son formados por alimentos. Una interacción más que interesante de ver, con una multiplicidad de colores y de gran riqueza, es un perfecto escenario para que los personajes se desenvuelvan. Un mundo en el que algunos que otros vegetales parlantes le aportan ternura y gracia, dando destellos de diversión. Verdaderamente, un placer visual y en este aspecto, celebro la comida.
El punto débil de esta cinta han sido los tremendos dejá vu que me produjo verla. En algunas escenas, creía estar viendo una especie de versión animada de Jurassic Park de Steven Spielberg (1993) cuando criaturas prehistóricas de comida corrían tras nuestros personajes; en otras, veía en su plenitud el clima tropical y las extensiones selváticas de Pandora y toda esa bioluminiscencia que James Cameron nos regaló en Avatar (2009); y por último, cierto mensaje ecologista que se escurre detrás de la trama trae a una cierta conexión con la versión de Disney de Pocahontas (1995). El rejunte de elementos de allá y de acá resulta más que evidente y esto le resta creatividad y efectividad a los aspectos técnicos que tan logrados están. La ausencia de ideas no justifica la reproducción o calco de concepciones o imágenes de otras cintas y, si se lo hace, creo que los productores deberían tener un touch de sinceridad y explicitar esos “homenajes” a otras cintas.
Pese a ello, “Lluvia de Hamburguesas” es divertida, tierna y ágil. Esta segunda entrega cumple con una animación que se disfruta y que es atractiva  visualmente. No es de lo mejor desde el punto de vista argumental, pues no aporta nada distinto. Pero para los chicos, va a ser una buena diversión. Y creo que para los más grandes también.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

El abogado del crimen: El experimento de Ridley

* *      REGULAR

El nuevo trabajo del realizador Ridley Scott ("Alien", "Gladiador", "Blade Runner"), no fue muy bien recibido, ni por la crítica ni por los espectadores. ¿Cuál fue el problema? En mayor parte lo que no gustó fue su narración complicada y demasiado ostentosa. La cohesión de la trama no tiene formato clásico, de hecho es bastante compleja y se centra en la importancia de los diálogos y no en la conexión de las secuencias. Los personajes están cubiertos por bizarros velos narrativos que no permiten conocer en profundidad quienes son, velos que dificultan la conexión con el público y que le dan un tratamiento demasiado frío a cada uno. La película tiene escritura del afamado Cormac McCarthy, responsable de novelas como "No country for old men", que también se convirtió en película ganadora del Oscar, y "La Carretera" de la cual salió también otro film que protagonizó Viggo Mortensen. McCarthy es un tipo muy respetado y alabado por algunas personas y a su vez es bastante criticado y menospreciado por otras. Sus novelas y guiones no son comunes y presentan una línea de narración que puede gustar mucho o ser odiada con fuerza. Con el film de Scott pasa lo mismo; algunos dirán que es fabuloso y que pone sobre el tapete dilemas morales de la vida interesantes para analizar, mientras que otros sólo se aburrirán y pensarán que al pobre Ridley le pegó el viejazo. Personalmente, no la disfruté mucho y por momentos me aburrí. De todas maneras, le reconozco la iniciativa de tratar de hacer algo diferente y me doy cuenta de que el hecho de que no me haya gustado a mi no quiere decir que sea del todo mala. Hay baches de narración y algunas secuencias varias innecesarias fruto del capricho del director, pero fuera de esto los demás elementos de la cinta son tan experimentales que sería muy soberbio de mi parte tildarlos rápidamente de malos.
Aconsejaría que los espectadores que estén más adecuados al cine mainstream, de narración clásica, directamente eviten esta propuesta. Si son de los que están abiertos a un cine no tradicional, un tanto más pretencioso, pueden ir y sacar conclusiones por sí mismos, pero no les puedo asegurar que les vaya a gustar.

Cuestión de tiempo: Maldito Richard Curtis

* * * *  MUY BUENA

Maldito Richard Curtis... Así voy a empezar este crítica. Es increíble la facilidad que tiene este hombre para crear buenas historias que garantizan la humedad visual, y por eso lo maldigo, ya que soy de los que se jactan de no caer mucho en la emotividad cinéfila. Con "Cuestión de tiempo" y su anterior trabajo, "Love Actually", perdí la batalla por K.O. Es verdad que por momentos se vuelve un poco cursi de más, y pega con un garrote para producir la catarata lagrimal, pero lo hace sin tapujos, sin querer esconder el golpe, mostrando siempre la mano con la que va a pegar. ¿A qué me refiero? Cuando uno va al cine a ver un producto de Curtis, sabe a lo que se está exponiendo y él nunca engaña con lo que muestra en pantalla. Sus historias son originales, divertidas y tienen un tinte romántico pegajoso y desprejuiciado del cual está orgulloso.
En esta ocasión nos presenta una historia de fantasía en la que Tim (Domhnall Gleeson), un joven inglés medio nerd, cuando cumple sus 21 años puede comenzar a viajar en el tiempo como es la costumbre de todos los hombres de la familia. A partir de esta habilidad, nuestro protagonista tratará de encontrar al amor de su vida, cuestión que eventualmente logra. El nudo de la trama viene por el lado del uso de esta habilidad, que si bien lo ayudará a sortear varios obstáculos que pone la vida, su aplicación no será tan simple y satisfactoria como aparentaba a primera vista.
La película está planteada con mucho humor británico, del bueno, inteligente e irónico, presenta una idea que si bien se ha utilizado muchísimo, tiene un tratamiento bien creativo y bajado a tierra, sin máquinas futuristas ni efectos pirotécnicos. Es una película sobre el amor, la fraternidad y el aprender a vivir la vida. Si no es esto lo que estás buscando, mejor ni te gastes en ir a verla. Ahora, si sos de los que están abiertos a todo tipo de experiencias y no tienen problemas en emocionarse con una relación padre-hijo, hermano-hermana o entre amantes, Curtis te va a sorprender y te va a hacer pasar un buen rato. Para mí, las películas de este director son un buen ejemplo de que se puede hacer comedia romántica con inteligencia, humor del bueno y sin caer en lo clichés típicos del género. Recomendable!

The Iceman: Padre, esposo, mercenario

* * *     BUENA

"The Iceman" es un drama biográfico basado en la vida real de Richard Kuklinski, un frío asesino a sueldo que mantenía una doble vida, por un lado como brazo ejecutor de la mafia y por otro como un ejemplar padre de familia que supuestamente trabajaba en el mercado de acciones. Lo interesante de esta historia está justamente en esta dualidad, ciudadano común - asesino a sueldo, un tipo que con todos sus problemas formó una familia, la quiso, le dio todo lo que un padre podría darle a su esposa e hijos, pero por otro lado mataba a sangre fría a cuanto tipo le señalara el mafioso Roy Demeo, interpretado por Ray Liotta.
Una de las grandes virtudes del film tiene que ver con su protagonista; el ascendente Michael Shannon compone a un personaje bien atormentado, conflictuado por su doble personalidad pero a la vez tan frío que el título de la película no podría haber sido mejor. Su actuación es creíble y logra que el espectador se pueda conectar con un personaje tan difícil como un tipo inexpresivo, frío y de pocas palabras. Winona Ryder, casi desaparecida de la gran pantalla actualmente, también hace un buen papel como la esposa inocente de Kuklinski, y también se puede ver a un irreconocible Chris Evans dando vida a un personaje bien alejado de los que suele interpretar habitualmente.
Con respecto a lo no tan interesante de este producto, podemos señalar el clima aletargado que le imprimió el director Ariel Vromen. Si bien el trabajo sobre los personajes es fabuloso y se buscó darle realismo al relato con respecto a los hechos que verdaderamente tuvieron lugar, le faltó un toque más de dinamismo, no en el sentido hollywoodense bruto, sino en el avance de las secuencias y en las sensaciones que produce el trabajo. Me percaté de que había momentos donde se suponía que el pavor o el asombro invadieran mi cerebro, pero en lugar de esto los asimilaba con la misma frialdad que exponía su personaje principal. En este sentido creo que a Vromen se le fue un poco la mano con el frío que proyectaba desde la pantalla y debió darle alguna vuelta de tuerca más a la relación trama - espectador. De todas maneras es un film disfrutable, de buena calidad interpretativa y de un realismo bien trabajado. A los que son muy impacientes en cuanto al ritmo de una película, tengan cuidado ya que no es lo más dinámico que van a ver en sus vidas.

Thor, un mundo oscuro: Marvel Evolution

* * * *  MUY BUENA

Bastante se habló sobre los supuestos problemas de producción de esta esperada secuela de Marvel. Se decía que hubo problemas de filmación, para lograr las escenas requeridas y sobre todo con la historia que se había guionado. Bueno, para tantos inconvenientes de producción, debo decir que el resultado hizo valer completamente el esfuerzo y los dolores de cabeza que se puedan haber generado. "Thor: The Dark World" es mejor que su primera entrega, más madura, más pulida y más consciente de lo que el espectador desea del producto. La primera película de esta franquicia dirigida por Kenneth Branagh marcaba un buen inicio, pero todo estaba programado como en período de prueba. No se sabía bien aún el interés que generaría en los espectadores y tampoco estaban conscientes de los puntos más fuertes del menú, en cambio esta secuela de Alan Taylor, conocido por estar al frente de capítulos para series importantes como "Game of Thrones", "Los Soprano" o "Mad Men", corrió con la ventaja de saber que al fan le gustaron mucho los toques cómicos de "Los Vengadores", que Loki es más popular que el mismísimo Thor y que había mucha hambre de dramatismo, cuestión que tomó una altura relevante en esta batalla entre la luz y la oscuridad. 
En general tiene algunos aspectos bien interesantes, como por ejemplo el trabajo conjunto entre héroe (Thor) y villano (Loki) para derrotar a una fuerza maligna mayor. El humor constante y pícaro combinado con situaciones dramáticas, también jugaron un rol fundamental para pasear al espectador por una montaña rusa de emociones. Y hablando de rusos, la pequeña pero relevante participación de Rene Russo como Frigga fue refrescante y muy disfrutable. Por el lado de las interpretaciones, todos estuvieron muy bien destacándose las labores de Christopher Eccleston como el villano Malekit y Tom Hiddleston en su rol habitual de Loki. 
Marvel sabe bien lo que hace, comercialmente y con respecto a la calidad de sus trabajos, a excepción de la discutible "Iron Man 3" que me parece se fue de mambo y se terminó centrando en las secuencias de acción. Peli sobrevalorada si las hay. "Thor: The Dark World" es muy equilibrada, tiene grandes efectos visuales y de sonido, las secuencias de batallas son épicas y la trama es realmente interesante.
Concluyendo, esta secuela de las aventuras del dios del trueno pisa fuerte y puede llegarle tanto al fan empedernido de las super hero movies como al público no tan asiduo a los comics y las pelis de superhéroes. La evolución en los productos de Marvel toma la punta con este film.