Gran trabajo experimental del director vasco Pablo Berger que se animó a mezclar un cuento de hadas clásico con una historia dramática bien española y encima lo filmó en blanco y negro y ¡mudo!. La multipremiada "Blancanieves" es una combinación fuerte de cuento clásico y cine clásico, filmada con una vocación envidiable y con actuaciones realmente buenas, sobre todo de las actrices Maribel Verdú como Encarna y Macarena García como Blancanieves. Para comenzar, la adaptación libre de esta historia de los hermanos Grimm es arriesgada, original y elegante, cuestiones que le suman varios puntos y hacen que la propuesta sea distinta y llame la atención. No nos vamos a encontrar con algo infantil y tampoco con algo mainstream, por el contrario, el director se esfuerza por alejarse totalmente de esta dinámica. Por otro lado, la cinematografía aplicada es sencillamente espectacular, haciendo un uso fantástico del blanco y negro, con despliegues grosos de vestuario y una fotografía envidiable. Las majestuosas casas coloniales, los distintos atuendos de la malvada Encarna, la aventura que llega de la mano del circo, todos estos elementos aportan mucho para que el relato sea una obra artística que vale la pena ver en la gran pantalla. El guión es muy bueno, adaptando de manera magnífica una historia infantil a un drama oscuro con algunos tintes novelescos y un poco de comedia negra. Incluso el director se da el gusto de burlarse de algunos clichés de los cuentos de hadas. A los espectadores que suelen no gustar de las películas más experimentales seguramente les cueste agarrarle el gustito, pero si hacen el esfuerzo y le prestan su atención al 100% seguramente puedan pasarla más que bien. Un trabajo muy recomendable, sobre todos para aquellos que buscan algo distinto en el séptimo arte.
Debo decir que este nuevo proyecto de reboot del héroe arácnido me viene decepcionando BASTANTE. La primera película de la nueva franquicia no era una maravilla ni cambiaba demasiado con respecto a lo que pudimos ver en la saga de Sam Raimi, pero tenía al menos más frescura y proponía un buen porvenir, en cambio esta segunda parte se estanca totalmente y transmite la sensación de que hacia adelante no habrá mucha más evolución que seguir metiendo y metiendo una gran cantidad de villanos bobos y más explosiones. Ver algunas películas de superhéroes de gran calidad como "The Dark Knight", "Watchmen" o "The Avengers" te hacen dar cuenta de lo flojas que pueden ser otras de este sub género, más allá de la mirada bonachona y nostálgica que le solemos dar por nuestro ñoño interior que quería que el resultado fuera genial. La primera impresión que me dio la película cuando comencé a verla ya fue floja, pero a medida que iba avanzando el metraje e iban apareciendo las contrapartes que debían enfrentarse al Hombre Araña me fui desilusionando cada vez más. En su afán de gestar el comienzo de los "6 Siniestros", el director Marc Webb se olvidó de la trama central de este film y se enredó demasiado tratando de unir todas las historias e ir presentando los nuevos villanos (a la velocidad de la luz y muy torpemente). El personaje de Harry Osborn-Green Goblin (Dane DeHaan) aparece de la nada como un viejo amigo de Peter Parker y se propone una interacción de amistad entre ambos que no llegamos a comprar en ningún momento del film. Nunca me llega a convencer de que son grandes amigos y que enfrentarse en batalla les generará un conflicto emocional, lo cual luego nos quieren hacer creer como parte del nudo de la trama. Luego tenemos a Electro (Jamie Foxx)... el que sería el villano principal del film. Su personaje es por momentos demasiado exagerado e infantil, caricaturizando de cierta manera al original, aunque a mi gusto es el que mejor sale parado. Por último está Rhino (Paul Giamatti) que casi no aparece y cuyo rol es demasiado pobre y clicheroso. El acento de inglés-ruso que le hicieron imitar a Giamatti es sencillamente estúpido y da vergüenza ajena. Hay algunos momentos de tensión buenos pero son muy pocos. A su vez, los acontecimientos sucedidos dan a entender que la tercera parte será bastante más oscura que esta, pero como dije anteriormente, esto no garantiza que sea mejor a lo ya visto. Creo que lo mismo que le sucedió a Raimi con la tercera parte de su saga, que se volvió demasiado infantil, le está sucediendo a Webb y debería tratar de no cometer el mismo error. "El sorprendente Hombre Araña 2" no es un pésimo entretenimiento, pero no es la superación que esperábamos de este reboot. Sólo para los super fanáticos de las aventuras del arácnido.
"Osos" es un nuevo documental/film de la división Disneynature de la factoría Disney. Anteriormente nos ofrecieron otros productos similares a este como "Chimpancés", "Felinos de África" y "Océanos". Como dije anteriormente en las críticas de estos trabajos, lo que pone Disneynature en pantalla es sencillamente fabuloso a nivel visual, con tomas realmente increíbles de la vida salvaje, situaciones que no son fáciles de captar y algunas escenas que son dignas de guardar en la mente por mucho tiempo, pero el gran problema de estos trabajos viene por el lado de querer humanizar la vida salvaje, hacer de cuenta que una osa adulta que pare a dos oseznos en su hábitat natural es una madre de los suburbios con sentimientos y preocupaciones de crianza... Entiendo la razón marketinera de fondo, es lo que vende, pero sería poco fiel a mi persona si no remarcara lo absurdo que me resulta la dinámica. A esto hay que sumarle la edición que se hace de ciertas situaciones salvajes, que de ser expuestas tal y como se producen, irían en contra del aura "felices forever" de la marca. De nuevo, entiendo que está pensado para los niños en su mayoría y para los amantes de la belleza de los animales que toleran esto, pero hay algo que sencillamente no está bien de humanizar a una bestia de 400 kg que de tenerte en frente en la desolada Alaska no razonaría como un par. Sacando este tema, que se podría decir no es demasiado grave, los 77 minutos que dura "Osos" se hacen amenos, nos muestra en full hd y con algunas tomas fantásticas como viven estos animales, las amenazas que deben superar día a día, su forma de alimentación y sus comportamientos más instintivos. Si sos de los que pueden evitar irritarse por la humanización de animales salvajes seguramente puedas disfrutar de la propuesta, pero si te parece muy absurdo que un narrador te diga lo que supuestamente está sintiendo el oso en su corazón puede que te resulte un tanto moco. Voto por hacer un poco de oídos sordos a la infantilería y enfocarse en lo hermoso de la vida salvaje, después de todo, prefiero ver en pantalla un oso con sentimientos que vampiros teen histeriqueando por los siglos de los siglos.
"El Crítico" es un film de coproducción argentina-española que explora la ironía de trabajar criticando cine y a la vez verse inmerso en la vida real dentro de un género que el crítico suele detestar casi por naturaleza, la comedia romántica. Lo irónico del guión está bien planteado, es algo un tanto pretencioso, pero la premisa es interesante. El problema surge cuando los guionistas no se deciden por tratar la cuestión central con total ironía o tirarse para el lado comercial y ofrecer otra comedia romántica más pero con un poco más de cabeza. A mi forma de verlo, termina siendo esto último, un producto que con algunos toques más de acidez y cerebro que la media nos termina ofreciendo la típica comedia romántica de contrapartes opuestas que por milagros de la vida se terminan uniendo y viviendo una aventura de amor azucarada. Sí, ya se que me van a decir que el final no es el típico de este género, pero no es más que el resultado lógico y predecible de hacia donde debía confluir la peripecia. Con esto no diga que sea una mala película, en absoluto, pero sí creo que le faltó jugarse un poco más. Viéndola como exponente de la comedia romántica argentina, es un buen entretenimiento, inteligente y original, aunque su dinámica, un tanto sosa, no la deja llegar a lo más alto del podio cinéfilo. Hay algunos gags que funcionan y otros no tanto, al igual que los personajes secundarios, como por ejemplo el amigo crítico de nuestro protagonista que está muy bien en su rol y por otro lado el joven cineasta en busca de venganza que no llega a cubrir las expectativas de villano. Los protagonistas, Dolores Fonzi como Sofía y Rafael Spregelburd como el crítico gruñón Víctor Tellez, hacen un buen trabajo interpretativo, carismático y convincente, aunque nunca llegan a ser tan divertidos como uno esperaría. En conclusión diría que es un entretenimiento bueno, con algunos lugares menos comunes que la media de comedias románticas pero que no llega a decidirse si quiere ser un producto comercial o algo menos mainstream.
Les confieso cineliqueros que comencé a ver esta película con miles de prejuicios y pensando que estaba por fumarme la próxima "Crepúsculo" solo con la diferencia de que le habían puesto algunos elementos de "Los Juegos del Hambre" y, para mi sorpresa (positivamente), no fue así. No entiendo por qué la crítica le dio con un caño a esta adaptación que hizo el director Neil Burger ("Sin Límites", "El Ilusionista") de la novela juvenil llamada "Divergente". No llega a ser tan carismática como "Harry Potter" o "Los Juegos del Hambre" pero es muy superior a por ejemplo "Cazadores de Sombras", "Criaturas Hermosas" o a la mismísima franquicia de "Crepúsculo". La trama nos presenta un mundo post apocalíptico en el que la comunidades que viven "civilizadamente" se dividen en castas. Está Erudición, que son los más inteligentes, Cordialidad, donde viven los pacifistas y son quienes trabajan las tierras, Osadía, los policías y miembros más valientes de la comunidad, Verdad, donde están aquellos que están a favor de la sinceridad siempre y que ocupan posiciones dentro de la Justicia, y por último Abnegación, que son aquellas personas más desinteresadas y que están al mando de la política. Todo parece perfecto y ordenado, quizás mucho más de lo que realmente se encuentra en realidad. Cada miembro de las distintas castas cuando llegan a los 16 años pueden elegir quedarse en la comunidad en la que nacieron o elegir una nueva, pero una vez realizada la elección, deben cumplirla y no tienen vuelta atrás, de lo contrario se convierten en los "sin facción". La historia tiene influencias variadas, como algunas de "Harry Potter" con el tema de las facciones que en la obra de J.K. Rowling vendrían a ser las distintas casas de Hogwarts, de "Los Juegos del Hambre", como el hecho de que la protagonista está destinada a llevar a adelante la rebelión contra el sistema aparentemente perfecto que en realidad esconde grandes injusticias, y hasta influencias de "Starship Troopers" como por ejemplo la dinámica entre hombres y mujeres en la facción de Osadía. Esto no es malo, para nada, pero corre con la desventaja de no haber sido precursora en cuestiones claves de la aventura teen de acción. Lo que sí tiene como sello propio es la frescura de poder ofrecer un buen juego entre lo precavido de una peli teenager y lo más jugado de una historia adulta. Hay momentos empapados de adolescencia pero también hay otros bien adultos donde se puede disfrutar de la tensión generada en pantalla. Los protagonistas en general están bien, sobre todo Shailene Woodley ("Los Descendientes") que hace notar su carisma. En general diría que es un buen comienzo, decente, con una buena recaudación de taquilla que dobló su presupuesto sólo en los Estados Unidos. Es entretenida y está muy bien realizada en términos audiovisuales aunque debe pulir algunas cuestiones infantiles en lo que a personalidad de los personajes se refiere. Recomendable.
Vuelve Blu, pero esta vez recargado. El guacamayo azul que se une a Perla para perpetuar su especie en peligro de extinción regresa con una nueva aventura, de la mano de sus tres pequeños hijos: Carla, Bia y Tiago. Secuela de la exitosa “Río” (2011), esta película renueva su encanto. Con una imponente presentación de una noche de año nuevo en Río de Janeiro, Blu y su familia disfrutan de una vida tranquila en una reserva ecológica urbana. Cuando descubren la posible existencia de una bandada de guacamayos azules en el corazón de la selva amazónica, Blu y su familia junto a sus amigos recorren el norte de Brasil para colaborar en la búsqueda de más miembros de su especie que creían en vías de extinción. La vida en el Amazonas no resultará fácil para Blu (un ave con hábitos urbanos), sumado al encuentro con la familia de su esposa y sus intentos de pertenecer al grupo. Si bien la trama es bastante sencilla, predecible y, por momentos básica, no hay que olvidarse de que estamos ante una cinta dirigida a los niños. No voy a pretender innovaciones y giros argumentales que me vuelen la cabeza. Mientras el público infantil logre comprenderla y captar el mensaje ecologista que subyace, es más que suficiente. Lo interesante es que, a diferencia de su predecesora, esta segunda parte deja de lado el mundo humano para centrarse en el hábitat natural. Ese es el mayor conflicto que debe padecer nuestro guacamayo protagonista. El trance que debe vivir nos regala gratos momentos de diversión y carcajadas. A esta contribuye aún más la presencia de más aves que, pese a que algunas carecen de importancia, suman. Un punto fuerte y destacable es un excelente música, que recrea el ritmo de la samba y el hip hop, sumando fantásticos musicales con temas que ya son himnos de la música mundial, como por ejemplo “I will survive”, de Gloria Gaynor. Es la música la que acompaña las impactantes imágenes de Río y del Amazonas. Recomendable escuchar voces brasileras tan características y repletas de ritmo. Otro punto destacable es su animación prolija, desbordante y atractiva que atrapa. El destello de colores y gamas que ofrece es algo disfrutable en cada paisaje y en cada personaje. Sin dudas, este aspecto realza cada musical que la película presenta, denotando los esfuerzos puestos en pulirlo y llevarlo a los extremos que, por cierto, no molestan sino que se agradecen. Con un elenco de voces plagado de estrellas, entre las que se destacan las de Jesse Eisenberg, Anne Hatthaway, Andy García, Jamie Fox, Rita Moreno, Bruno Mars y otros, esta secuela sale airosa porque divierte, atrae y enseña. Para los niños es una muy buena opción; para los adultos, también. Crítica realizada por Leonardo Arce.
“Hijo de Dios” constituye un brazo cinematográfico de la miniserie “La Biblia” (2013) producida por History Channel para la televisión. En sus capítulos se repasan los acontecimientos centrales relatados tanto el Antiguo como en el Nuevo Testamento. Sin muchas pretensiones y diseñada para el público que profesa la fe cristiana, la película termina siendo una edición de la miniserie completa pero centrada en el capítulo que retrata la vida y obra de Jesús. Incluso el actor que da vida al Hijo (el portugués Diogo Morgado) es el mismo que lo personifica en la miniserie. Con una introducción que presenta la Creación, Adán y Eva, Abraham, Noé y el Diluvio Universal y Moisés, la historia rápidamente se enfoca en la Anunciación y el nacimiento de Jesús en el pueblo de Belén para luego recorrer rápidamente su vida pública y centrarse en sus últimas horas de vida y posterior resurrección. Creo que es innecesario contar la trama. El cine nos ha dado innumerables adaptaciones del Mesías y cada Semana Santa se ha encargado de recordárnoslas por la televisión. Esta adaptación carece de todo sentido cinematográfico. No existe diferencia entre ella y un capítulo de la miniserie a la que ya hice referencia. Si bien tiene un ritmo ligero y condensa de manera correcta el contenido de los Evangelios, uno se queda con ese sabor en la boca de estar degustando una película hecha y producida exclusivamente para televisión. Todo está empaquetado: su diseño de producción, vestuario y música; su voz en off y las actuaciones; y la estructura de la trama. Aún no me explico su llegada a las salas de cine. Un estreno por televisión para Semana Santa hubiese bastado. Pero más allá de eso (porque también es cierto que productos cinematográficos más deplorables han llegado a las salas), lo reprochable de esta cinta es la objetividad con que se cuenta la vida de Jesús y la carencia de compromiso por parte de los guionistas al abordarla. Apelando a la estructura de “o es blanco o es negro”, cada personaje está diseñado para que el espectador lo ame o lo odie, sin proponer el espacio necesario para las propias reflexiones y conclusiones. No hay desafíos que enfrentar, todo está presentado de manera digerida y con cierto fervor. Se queda en la mera corrección, sin ir más allá, sin correr los esperados riesgos artísticos que implica trabajar sobre la vida del Hijo de Dios. “La última tentación de Cristo” de Martin Scorsese (1988) o “La Pasión de Cristo” de Mel Gibson (2004) son muestras de visiones diferentes que, aún con toda la polémica que llevaban sobre sus espaldas, tenían lo que una película debe tener. Una visión como la ofrecida no convence a esta altura de la “ciencia” del cine. No se despega de ser una película que cualquier catequista puede mostrar a los niños que se preparan para tomar su primera Comunión. Crítica realizada por Leo Arce.
"That awkward moment" es una nueva comedia romántica teen dirigida por el debutante en largometrajes, Tom Gormican. La película se centra en las relaciones amorosas de tres mejores amigos con personalidades distintas que pasan de ser los copados de la noche y el levante a soldados del amor y las relaciones serias. La premisa ya de por sí no es de lo más original y está claramente apuntada al público femenino por debajo de los 20 años que se preocupa más por disfrutar de la presencia física de sus ídolos en pantalla que por la historia. El casting también fue claramente concebido para atraer a ese target específico; el mismo incluye al trío de moda por estos días, Zac Efron ("High School Musical", "17 otra vez"), Miles Teller ("The Spectacular Now", "Divergente") y Michael B. Jordan ("Poder sin límites", "Fruitvale Station"). Si bien la comedia es prolija y no hay mayores inconvenientes interpretativos, la trama es tan predecible y básica que pierde nivel a medida que va avanzando el metraje. Es prácticamente la misma fórmula trillada de siempre con algunos toques de contemporaneidad. En esta línea, el humor es una combinación de nueva comedia americana (más zafada, guarra) y comedia clásica de films románticos, y si bien conviven ambas armónicamente, no llegan a ofrecer un combo que realmente satisfaga al espectador promedio. Es una lástima que algunos actores famosos se autoencasillan en roles que les quedan cómodos, como por ejemplo Zac Efron, que si bien no es un genio de la actuación se defiende bien en pantalla, tiene carisma y madera humorística. Los otros dos actores al menos incursionan un poco más en el plano independiente y seleccionan roles más variados. Lo más interesante si se quiere viene del lado de las contrapartes femeninas, sobre todo Imogen Poots ("28 Weeks Later") y McKenzie Davis ("Breathe In") que demuestran tener carisma y se salen un poco del rol de minita esperando el príncipe azul, aunque por momentos la trama misma las lleva a ponerse en la situación nuevamente. En conclusión, la propuesta es bastante básica e infantil, con algún que otro momento realmente divertido y un final cantado desde el trailer. Las seguidoras más acérrimas del musculoso Efron seguro estarán conformes, pero el espectador que va buscando una comedia romántica distinta y de calidad se decepcionará con seguridad.
"Noé" es una película extraña, que quiso combinar el cine mainstream con el independiente y no lo logró, al menos no de una buena manera. Este último film del director Darren Aronofsky ("El cisne negro", "Requiem para un sueño") aborda la historia del personaje bíblico Noé de una forma libre, bastante libre, mostrándonos los grandes desafíos que debió sortear para llevar a cabo la tarea que le encomendó Dios. Entre estos desafíos podemos encontrar problemas familiares relacionados con la envidia, el deber y la adolescencia de los hijos, otro obstáculo que se le presenta tiene que ver con un grupo de nómades que lo enfrenta para poder entrar en el arca y por supuesto, el desafío más grande tiene que ver con los dilemas morales a los que se ve expuesto para cumplir con la profecía del creador del mundo. Hasta ahí el cóctel se presenta muy atractivo pero a la vez complejo, teniendo que mezclar cuestiones filosóficas y religiosas con la acción y aventura de un film pensado como blockbuster hollywoodense. Acá es donde le pifia don Aronofsky. Desde la complejidad de las interrelaciones familiares y los dilemas morales se plantea una trama densa y profunda en contenido, con diálogos complicados que pueden resultar aburridos para el espectador más comercial que decidió ir a verla al cine por la espectacularidad de su trailer y se esperaba algo más cercano a "Robin Hood" que a "Pi". Por otro lado, los efectos visuales son muy dispares, con momentos realmente épicos como la inundación del mundo y otros bastante berretas como los que muestran el Edén y los que dan vida a los gigantes de piedra. El proyecto quiere abarcar tantos temas distintos que se queda a mitad de camino con la mayoría, sobre todo con el principal, el religioso. Algunos críticos lo alaban por su interpretación de la historia de Noé, pero la verdad es que yo no vi que se jugara para nada en su exposición. Por momentos se ponía muy creativo y hasta desafiante con lo que se cree de la historia del personaje y en otros momentos volvía a ser bastante conservador y correcto, como queriendo equilibrar la cuestión. Trascendió durante su promoción a nivel mundial que Aronofsky no estaba para nada contento con la edición final del estudio y algunas imposiciones que le hicieron respecto del film. Admiro bastante al director y me gustaría pensar que el pobre resultado haya sido producto de la intervención de gente que sabe más de números que de cine. Ojalá así sea y se redima con su próximo proyecto. Amén.
Siguen, siguen y van más. Otra de terror que sólo sirve para aumentar videoteca de algún que otro fanático intransigente. “Nadie vive” es una película estrenada en 2012 que, con un par de años de retraso, llega a nuestros cines. Lamentablemente, la cinta es coherente con una lógica básica que es impuesta por un género que hace tiempo dejó de producir algo novedoso y digno de ser comentado. A la trama de esta película no le falta absolutamente ninguno de los elementos clásicos y característicos del terror: derramamiento de sangre sin fin, cuerpos mutilados, cuchillos por doquier, persecuciones en la oscuridad, asesinatos en la ducha, etc. Lo que cualquier espectador está acostumbrado a encontrar en una cabal muestra del género lo va a encontrar, y en grandes dosis. En este punto, les aseguro que no defrauda. El director (el japonés Ryûhei Kitamura) se encargó de mostrar toda su pericia en dicha tarea, pero descuidó lo central: la trama, esa estructura esquelética tan pero tan importante que parece ser el punto débil del género. ¿Hasta cuándo sucederá eso? Y, parece que va para rato eso. Pero volviendo a la trama: se trata de una historia que presenta a un grupo de asesinos que busca aprovecharse de una pareja ideal secuestrando a la bella joven a cambio de un rescate. Pero sin pensarlo, esos asesinos se darán cuenta de que el novio de la secuestrada es más peligroso que ellos. Hay una fórmula que, en otras películas, ha resultado efectiva. El juego del “gato y el ratón” y la noción de una “víctima que resulta ser victimaria” son elementos que permiten construir una buena e interesante historia. Pero cuando entran en juego inconsistencias e incoherencias, dan como resultado la historia que esta película nos viene a proponer. Más allá de arcos argumentales secundarios que aspiran a enaltecerla pero que no lo logra, la trama nunca explica de manera convincente esa faceta de victimario del protagonista: el cómo y el de qué manera se produce ese cambio en su conducta, qué lo motiva, etc. Tampoco es fácil de explicar el arsenal de armas letales que repentinamente termina poseyendo para cometer el asecho al grupo de criminales. Por último, el protagonista tiene una cara de bueno que no asusta ni al más asustadizo Con la exclusiva presencia estelar de un Luke Evans (conocido por interpretar a Bardo en "El Hobbit, La Desolación de Smaug" y en su última entrega a estrenarse) que no logra cumplir, la historia es demasiado bizarra y con poco estilo cinematográfico. Sumada a una estética que se asemeja a las películas de clase B, creo que es la explicación más acabada del por qué se estrenó en nuestro país dos años después de su lanzamiento. Quizás esa circunstancia era premonitoria; premonitoria de la innecesariedad de su estreno en nuestras salas. Crítica de Leonardo Arce.
