"Nieve Negra" es el nuevo film de Ricardo Darín, o al menos así se está vendiendo por todos lados y seamos sinceros, es lo que más atrae. Me encantaría decir que si no estuviera Darín la película tendría el mismo éxito de recaudación que viene cosechando, pero no es la realidad. El actor argentino convierte en oro todo lo que toca y este trabajo de Martín Hodara no es la excepción. Ha llegado a un punto de su carrera en el que tranquilamente podemos decir que es el actor argentino más influyente y con más seguidores en la actualidad. En realidad su rol en esta producción hispano-argentina es bastante más acotado de lo que imaginamos, pero ya llegaremos a eso.
"Truman" es un drama-comedia español acerca de la muerte, la amistad y el legado; dirigida por Cesc Gay ("Krámpack") y protagonizada por Ricardo Darín ("El secreto de sus ojos") y Javier Cámara ("Hable con ella"). El film ganó muchos premios en el circuito europeo y tuvo un gran éxito tanto en su país de origen, España, como en Argentina. La temática es de por sí atractiva: Julián es un actor divorciado de unos 50 años que está muriendo de cáncer y comienza a hacer un balance de vida y tratar de dejar las cosas en orden antes de partir. Un atractivo adicional no menor, es que ese actor es personificado por otro actor muy querido tanto Argentina como en España, Ricardo Darín.
Grata sorpresa es que esta comedia romántica de enredos y disparatada llegue a nuestras salas para deleitar nuestras risas. Esta película española ganadora de tres premios Goya, todos ellos en apartados interpretativos (Mejor Actriz de Reparto, Mejor Actor de Reparto y Mejor Actor Revelación), emplea todo el ingenio para presentar una serie de situaciones cómicas en las que los protagonistas se ven inmersos casi de manera accidental.
La trama comienza en Sevilla. Amaia (Clara Lago) se encuentra con sus amigas en un restaurante típico andaluz ahogando sus penas producidas por su ex novio, quien la dejó plantada en el altar. Eso la lleva a pasar una noche con Rafa (Dani Rovira), un joven sevillano orgulloso de su tierra.
Vuelve Santiago Segura ("Balada triste de trompeta", "Torrente" 1, 2, 3 y 4) con su anti héroe más famoso, el detective José Luis Torrente. Su retorno está enmarcado en un mundo "futurista", precisamente el 2018, en el cual los afectados por el paro económico cometen crímenes sólo para poder ingresar a la cárcel y tener algo estable para comer, beber y dormir. Palito para la clase política española. El estadio del Aleti está siendo demolido por lo que se supone son faltas de resultados positivos. Palito para el club. Por otro lado la sociedad se ha vuelto más sustentable y respetuosa de la condición humana, lo cual desconcierta a Torrente que no entiende porque hay tanta mojigatería. Al salir de la cárcel y percatarse de cómo ha cambiado todo, nuestro policía corrupto decide hacerse aún más corrupto y planear un robo al estilo "La Gran Estafa" (pero mucho más berreta y divertido) al casino de Eurovegas. Para esto se pone en contacto con un antiguo compañero de prisión norteamericano llamado John Marshall, interpretado por Alec Baldwin, sí, sí, el mismísimo. La película sigue la línea de las entregas anteriores, con muchos gags políticamente incorrectos acerca de la prostitución, el consumo de drogas, el racismo, el trabajo infantil, la discapacidades motrices y podría seguir y seguir. Algunos de ellos son bastante efectivos y provocan la escapada de algunas carcajadas mientras que otros parecen demasiado guionados y se pierden un poco, sobre todo para el público no español que no está familiarizado con algunas cuestiones culturales de ellos. El humor es negro y ácido, no apto para personas irritables por chistes políticamente incorrectos. Torrente es racista, es asqueroso, es misógino, es fascista, es traicionero y es un reflejo de los defectos que tenemos algunas veces todos, pero condensados en su persona. Torrente 5 es todo Santiago Segura, con el acompañamiento correcto de otros cómicos y cameos de algunos personajes famosos, pero en esencia sin Segura no funcionaría para nada la franquicia. Ya se empieza a notar un poco el cansancio de los espectadores, por lo que debería haber un cambio drástico para la secuela o directamente hacer un cierre de las aventuras de Torrente. Como conclusión diría que aún le quedan algunos trucos bajo la manda a Segura, pero se nota que la fórmula está empezando a agotarse. Para los seguidores de Torrente, esta secuela es divertida y cumplirá con su cometido. Para los no seguidores, les puede resultar una comedia ácida entretenida aunque lo mejor sería ver aunque sea la primera para entender un poco de que va la franquicia. Una perlita, el personaje de Ricardito (Carlos Areces)... Los va a hacer reír muchísimo.
Jaume Balagueró y Paco Plaza han sido los creadores de la saga de terror más exitosa que el cine español ha sabido dar. Comenzó en 2007 cuando “[REC]” logró aterrar a los espectadores con la historia de una periodista que documenta con una grabadora los avatares que vive junto a un grupo de bomberos en un edificio de Barcelona asolado por zombies. Estos ingredientes finamente conjugados dieron origen a una secuela: “[REC] 2” (2009), y a una precuela: “[REC] 3: Génesis” (2012). La cuarta entrega viene con dos objetivos: la primera es aportar un digno final para una saga de gran aceptación; y la segunda, tratar de darle un toque de coherencia a la saga. Porque las dos primeras entregas eran exponentes de terror, en tanto que la tercera se vuelca hacia la comedia negra y bizarra. Con ese cambio de género, la cuarta parte debería resolver la incongruencia producida por ese “hibrido” que fue “[REC] 3: Génesis”. Creo que la película cumplió con lo que debía cumplir: mantener en vilo al espectador, originar situaciones aterradoras con solvencia, proveer de esos vuelcos que aclaran los grises que se van presentando desde el inicio de la trama y dejar un pequeño orificio que podrían transformarse en puertas para futuras nuevas entregas. La cinta retoma los sucesos producidos en las dos primeras entregas. La periodista Ángela es rescatada del edificio de Barcelona y puesta en cuarentena en un barco en alta mar junto a una tripulación que también estuvo expuesta a las eventuales infecciones producidas por el contacto con aquellos zombies. Cuando comienza a saberse de la existencia de un laboratorio secreto que busca el origen del virus, el terror nuevamente se desata; esta vez, con mayor violencia y con casi nulas posibilidades de supervivencia. En cuanto a lo estético, la cinta logra producir esa sensación de claustrofobia y miedo psicológico. El diseño de los laberínticos pasillos del buque, el trabajo fotográfico realizado, el logrado maquillaje de los zombies y el montaje creado, se vinculan de manera tal que le permite al director crear situaciones de las más variadas: el terror, la duda, la desconfianza y el instinto de supervivencia. Poner a los personajes en circunstancias extremas, con pocas herramientas de defensas y con peligros en cada esquina, resultó ser algo interesante a la vista. Pero nada de esto hubiese sido posible sin un sólido elenco que hiciera verosímil todo lo que transcurría en la pantalla. Pulgares arriba para ese trabajo coral. Repito que el cine de terror no es de mi predilección, pero “[REC] 4” me fue agradable de ver y algo generó en mí, como por ejemplo: darle un martillo de mi caja de herramientas a la protagonista para que asegurara su defensa personal. Con un más que buen final que le da un cierre “provisorio” a la saga, queda una duda gravitando: ¿el virus pudo haber sobrevivido en alta mar? Y si sobrevivió: ¿qué consecuencias pudo haber producido? Eso es algo que solamente Jaume Balagueró y Paco Plaza saben. Y pronto lo sabremos todos. Porque el botón [REC] quedó habilitado para ser presionado en cualquier momento. Crítica realizada por Leo Arce.
Gran trabajo experimental del director vasco Pablo Berger que se animó a mezclar un cuento de hadas clásico con una historia dramática bien española y encima lo filmó en blanco y negro y ¡mudo!. La multipremiada "Blancanieves" es una combinación fuerte de cuento clásico y cine clásico, filmada con una vocación envidiable y con actuaciones realmente buenas, sobre todo de las actrices Maribel Verdú como Encarna y Macarena García como Blancanieves. Para comenzar, la adaptación libre de esta historia de los hermanos Grimm es arriesgada, original y elegante, cuestiones que le suman varios puntos y hacen que la propuesta sea distinta y llame la atención. No nos vamos a encontrar con algo infantil y tampoco con algo mainstream, por el contrario, el director se esfuerza por alejarse totalmente de esta dinámica. Por otro lado, la cinematografía aplicada es sencillamente espectacular, haciendo un uso fantástico del blanco y negro, con despliegues grosos de vestuario y una fotografía envidiable. Las majestuosas casas coloniales, los distintos atuendos de la malvada Encarna, la aventura que llega de la mano del circo, todos estos elementos aportan mucho para que el relato sea una obra artística que vale la pena ver en la gran pantalla. El guión es muy bueno, adaptando de manera magnífica una historia infantil a un drama oscuro con algunos tintes novelescos y un poco de comedia negra. Incluso el director se da el gusto de burlarse de algunos clichés de los cuentos de hadas. A los espectadores que suelen no gustar de las películas más experimentales seguramente les cueste agarrarle el gustito, pero si hacen el esfuerzo y le prestan su atención al 100% seguramente puedan pasarla más que bien. Un trabajo muy recomendable, sobre todos para aquellos que buscan algo distinto en el séptimo arte.
El afamado y versátil director español Alex de la Iglesia ("El Día de la Bestia" y "La Comunidad", entre otras) regresa con una comedia tributaria de lo más característico de su cine. Porque “Las Brujas de Zugarramurdi” propone una trama que se cocina en un caldero rebosante de un humor negro salpimentado con esa acidez no tan fácil de digerir, buenas dosis de acción, pizcas de magia negra y cuotas de erotismo bien logradas. La película abre con una escena en la que Graciana (Carmen Maura), una malvada bruja, profetiza el fin de la cultura occidental y el inicio de nuevos tiempos con la llegada de “El Elegido”. Mientras tanto, José (Hugo Silva), acompañado de su hijo y de Tony (Mario Casas) decide robar una casa de compra de oro. Tras una balacera, ambos deciden huir hacia Francia y secuestran a Manuel (Jaime Ordóñez), un taxista quién luego se suma a la banda. De paso por el pueblo de Zugarramurdi, se topan con Graciana quien, junto a su madre Maritxu (Terele Pávez) y su hija Eva (Carolina Bang), los secuestran para sacrificarlos en el aquelarre que se organiza en las cuevas. No hay dudas de que Alex de la Iglesia le imprime a su cinta un despliegue visual impresionante: un amalgama de vestuario, arte y maquillaje, que se nutre de una fotografía impactante y una poderosa música. No por nada es que su película ha obtenido diez nominaciones a los Premios Goya próximos a entregarse (en su mayoría en los apartados técnicos). Creo que esto es un punto fuerte porque la cuidadosa ambientación no sólo embellece las escenas sino que realza una historia que hubiese sido muy difícil de materializar sin un departamento técnico-artístico de gran talento. En cuanto a las actuaciones, Carmen Maura brilla a más no poder en su papel de bruja regente, demostrando así toda su pericia actoral. Terele Pávez (nominada al Goya como mejor actriz de reparto por esta interpretación) hace lo suyo recreando a una bruja de esas clásicas que causan tanto miedo como simpatía. Y el trío conformado por Hugo Silva, Mario Casas y Jaime Ordóñez cumple en términos generales, ofreciendo cada uno gratos momentos de lucimiento personal. A pesar de que la película tiene secuencias muy logradas en términos cinematográficos (tanto el robo de la casa de venta de oro y del aquelarre al final de la cinta son escenas cargadas de acción y de planos generales que pretenden poner de manifiesto la espectacularidad) y una historia interesante por la variedad de elementos y la intensidad de los modos en que son presentados, si se hubiesen suprimido un par de escenas que acortaran el metraje hubiese dado mayor coherencia a la trama y contribuido a generar una mejor película de lo que ya es. Las historias con tintes sobrenaturales y fantásticos atraen mi interés personal porque disfruto ver lo que se escurre detrás de la magia. Y más aún si esas tramas están acompañadas de un concepto artístico de riqueza incuestionable. Si a eso le sumamos una dirección que se nutre de acción, oscuridad y comicidad, no hay duda alguna de que todos esos ingredientes combinados en un hechizo de Alex dan como resultado “Las Brujas de Zugarramurdi”. Recomendable a más no poder, incluso para los que no disfrutan de la magia negra de de la Iglesia. Crítica realizada por Leo Arce.
Con un trailer que acaparó la atención de muchos, se creyó estar ante una joya cinematográfica que explotaría el potencial de una historia plagada de tensión, suspenso e imprevisión. Pero parece ser que las expectativas quedaron reducidas a sus buenos avances. El español Patxi Amezcua dirige y co-escribe el guión de este nuevo exponente del cine criollo. “Séptimo” es una coproducción argentino-española que tiene como mérito traer (una vez más) a la pantalla grande al rey Midas del cine nacional: el siempre efectivo, correcto y solvente actor Ricardo Darín. Su nombre sellando la cinta le asegura una posición privilegiada en la taquilla argentina. Y eso es completamente indiscutible. Ricardo Darín es Sebastián, un importante abogado que, en vísperas de una audiencia crucial, debe buscar a sus hijos quienes viven junto a su madre (Belén Rueda) en el séptimo piso de un antiguo edificio. Un día decide jugar un poco con sus hijos: él bajará en el ascensor; ellos, por las escaleras. Ganará el primero en llegar a la planta baja. Sebastián sale victorioso, pero los resultados son catastróficos: sus hijos desaparecen en el trayecto del séptimo piso hasta el hall de entrada. Desesperado, comienza una peregrinación por cada departamento de cada piso del edificio hasta que una misteriosa llamada telefónica le informa que se encuentran secuestrados y, para ser liberados, debe efectuar la entrega de cien mil dólares en un plazo de dos horas. A partir de allí, Sebastián sospechará de todos los que lo rodean y deberá sobrepasar los mismísimos límites de su conducta para reencontrarse con sus hijos. A primera vista, la historia contiene todos los elementos para producir un thriller de suspenso que atrape al espectador de principio a fin. De hecho, en la primera media hora la película permite que nos conectemos y nos mantengamos expectantes mediante un ritmo que no da respiro, que produce claustrofobia entre tantas escaleras, pasillos, ascensores y departamentos, en el marco de una desesperada búsqueda de un Darín que brilla en cada primer plano que el director realiza. Pero ese nivel de ritmo visual y argumental no logra sostenerse tras esa primera media hora, ya que el guión comienza a torcerse, demostrando lagunas e inconsistencias que no se superan. Algunas líneas secundarias comienzan a abrirse a partir de la trama principal de una manera interesante para terminar inconclusas, desprovistas de un fuerte anclaje a las líneas centrales. Esta circunstancia desemboca en un final abrupto, apresurado y bañado de previsibilidad, con una suerte de final feliz, con perdices, moño y todo. Pudiendo explotar el “efecto sorpresa” y dar una vuelta de tuerca que deje al espectador excitado, los guionistas optaron por el facilismo, sin apostar a lo grande. El punto flojo que presenta el guión termina suavizado por un elenco que rema holgadamente la historia. Aparte de la impecable actuación de Darín y la presencia de la actriz española del momento, Belén Rueda, las participaciones de Osvaldo Santoro y Luis Ziembrowsky (ambos con personajes interesantes y muy bien logrados), realzan algunas escenas. Los aspectos técnicos están bien cuidados: una impecable fotografía, una intensa música que acompaña de manera atractiva y una serie de planos aéreos de Buenos Aires que contrastan con el asfixiante escenario del edificio en cuestión. En definitiva, el tráiler promocional nos vendió una cinta interesante que el resultado final se encargó de neutralizar. Pero esta película juega con una de las cartas fuertes del cine nacional: la presencia de Ricardo Darín. Y con él, todo está dicho. Crítica de Leonardo Arce
La polémica comedia del director español Pedro Almodóvar llega a nuestro país con una desprejuiciada y liviana historia que refleja la situación de los españoles por estos días. "Los amantes pasajeros" no causó polémica por el tono de su propuesta, sino porque muchos críticos consideraron que fue demasiada superficial, chata y con poca sustancia. En lo personal creo que es una exageración tildarla como una de las peores comedias de Pedro. Si bien es verdad que no es la mejor y que le imprimió un tono más coral, la película cumple con creces su objetivo y mantiene divertido e involucrado al espectador con el universo Almodóvar. Tiene su sello, es inconfundible, aborda los problemas sociales de la España actual a través de un grupo de bizarros personajes que exploran su sexualidad y te hacen reír desde el minuto uno. Una ex estrella erótica, un empresario corrupto, una virgen de más de 40 años, un mexicano misterioso, un galán de la televisión, una pareja de recién casados, dos pilotos de lo más irresponsables y tres azafatos fabulosos que te hacen soltar carcajadas a lo loco. Se debe dejar en claro que el producto es bien Almodóvar, con diálogos sexuales desprejuiciados, sexo, drogas, mucho kitsch y hasta un número musical, por lo que si nunca has simpatizado con sus trabajos anteriores probablemente tampoco simpatices con este. Para los que sí gustan de las ocurrencias de Pedro, se encontrarán con un producto mucho más light que sus anteriores, pero no por eso es malo. El guión no tiene la creatividad de "La piel que habito", ni la histeria de "Mujeres al borde de una ataque de nervios", pero aborda de cierta manera temas serios como la crisis económica española y las posturas de los distintos estratos ante esta, obviamente con su mirada retorcida y artística.
Lo mejor de la propuesta son sus tres protagonistas, Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces, los azafatos desfachatados pero de buen corazón de la aerolínea Península. Ante una posible explosión del avión donde viajan decenas de pasajeros, deciden drogar a toda la clase turista para que no se alarmen y ofrecen entretenimiento a la clase business preparándoles un número musical, tragos típicos españoles mezclados con mescalina y hasta consejos de vida. Cuando el alcohol y las drogas hacen efecto se desata una seguidilla de situaciones absolutamente ridículas pero divertidísimas que incluyen sexo, llamadas telefónicas incómodas, sinceramientos emocionales y anécdotas de vida. Lo más flojo es la trascendencia del guión que es efímero y liviano, con algunas escenas irrelevantes que se nota fueron incluidas por puro capricho de Pedrito. En esta ocasión se enfocó más en ser gracioso y bizarro que en ofrecer una historia relevante, pero repito, no por eso pierde su encanto y deja de ser una buena comedia para disfrutar y desenchufarse de la realidad para viajar por el espacio Almodóvar.
Interesante es este primer trabajo en largo del director español Enrique Gato, que ya había creado dos cortos anteriormente acerca del simpático personaje que emula a Indiana Jones. En esta ocasión, nos trae una aventura en Latinoamérica, puntualmente en Perú, en donde Tadeo deberá defender los tesoros ancestrales de una ciudadela sagrada de las ambiciosas manos de una corporación caza tesoros (guiño, guiño, socialismo). La aventura planteada es muy atractiva, no por su originalidad y factura artística, pero sí por su locación, por la misión bien intencionada que debe llevar a cabo el protagonista y por la buena elección de personajes secundarios que acompañaron al protagonista. Perú es un destino muy de moda por estos momentos, es un país que respira misticismo y aventura, que ofrece belleza natural como pocas veces se puede apreciar en la vida. Situar un producto animado en Machu Picchu, el valle sagrado y Cusco, asegura una explosión de colores en la gran pantalla y el inmediato involucramiento para aquellas personas que hayan tenido la suerte de conocer estos paisajes y ruinas. Otro acierto fue el equipo que se conformó para acompañar a este albañil devenido en arqueólogo aventurero, un equipo formado por su fiel mascota, Jeff, la sexy profesora Sara, el alocado guía peruano y un loro mudo de pocas pulgas. La química entre todos ellos funciona muy bien y da lugar a momentos realmente divertidos, de un humor universal que va más allá de la comedia española. Por último, el espíritu del film es bien sano y útil para los tiempos en los que vivimos, un tiempo en el que los sueños se ven muchas veces relegados por las restricciones que nos auto asignamos o por las que nos impone la sociedad. En ese sentido, la aventura de Tadeo Jones cobra mayor importancia y hace que el espectador, sobre todo el niño, aprenda algunas buenas consignas para el futuro. Una buena aventura animada que apunta a un target más bien infantil, pero que no ignora por completo al adulto que muchas veces debe acompañar a los niños al cine brindándole algunos momentos que lo dejaran conforme. Más allá de que no tuvo mucho promoción en Argentina, es una buena opción para ver un producto distinto de lo que nos ofrece generalmente Pixar o DreamWorks.
No solemos encontrar mucho cine que
se centre en las problemáticas internas de los hombres. Los pocos casos hacen
referencia a sexo, mujeres, fútbol y alcohol. Sólo ofician como meros conductos
que introducen los conflictos femeninos en el marco de las relaciones
interpersonales que se ventilan en la gran pantalla.
“Una pistola en cada mano” viene a
romper este esquema y lo interesante de esta cinta no es en sí la ruptura, sino
el modo en que lo hace. El cineasta español Sesc Gay nos propone seis historias
protagonizadas por ocho hombres en la madurez plena de sus vidas. Una especie
de catálogo de cortometrajes que retratan distintos aspectos de las relaciones
humanas: un hombre deprimido que se refugia en un par de sesiones con su
psicólogo para superar sus conflictos; un hombre que se siente fracasado y sólo
tiene en su vida la compañía de su gato, un hombre que intenta recuperar a su
esposa luego de un divorcio amigable; un hombre que se cuestiona las causas de
la infidelidad de su esposa; un hombre que busca la satisfacción de sus bajos
instintos en su compañera de trabajo que apenas conoce; y dos hombres que
descubren recíprocamente sus secretos más íntimos luego de profundas
conversaciones con las esposas de cada uno de ellos.
Seis historias pequeñas que el
director las eleva con gran atino tras una selección impecable del reparto.
Ricardo Darín sigue dando muestras de su calidad como intérprete, así como
Eduardo Noriega y Leonardo Sbaraglia logran cumplir (y mucho) con sus papeles.
Grandes escenas nos regalan Luis Tossar y Javier Cámara, quien le proporciona
al espectador los mejores momentos de la película. Párrafo aparte merece las
interpretaciones femeninas, entre las que destaco el formidable trabajo de
Candela Peña y de Clara Segura.
“Los cuernos no se ven pero pesan mucho”; “Yo no iba a decirte nada de todo esto pero el camarero del bar
donde me emborracho cada noche me ha obligado”; “¿Una disfunción
eréctil? ¿Dónde?”. Éstas constituyen una muestra del universo de frases que
el guión posee; un reflejo del modo en que se ha encarado la construcción de
cada historia. Partiendo desde el humor en algunos casos y desde la seriedad en
otros, se van desarrollando situaciones un tanto inesperadas que permiten
desenlaces que invitan a la reflexión. Se trata de un humor empleado en la
medida pertinente. Y en este sentido, el guión cumple, y
con creces.
Un pequeño detalle para remarcar
(sólo es un gusto netamente personal): me hubiese gustado una vinculación más
fuerte entre las historias, sin que ese nexo sea un impedimento a la hora de
reconocer la independencia de cada una de ellas.
Celebro encontrar estas pequeñas historias que
permiten la reflexión a través de la clave del humor. Recomendable para todos
aquellos que se predispongan a divertirse porque, seguramente, un par de
sonrisas les va a robar. Crítica realizada por Leonardo Arce, gran amante del cine y amigo de la casa.
Hace mucho que no veía una peli romántica tan cursi, mal lograda y absurda como "Tengo ganas de ti"... es prácticamente como agarrar una de esas series teens descerebradas de la cadena MTV ("Último Año", "Niñas Mal") y convertirla en un largometraje que se hace apenas soportable por la belleza de los protagonistas. Suena hueco, sí, pero es lo único que se me ocurre resaltar como atractivo para esta propuesta, el flaco que tiene una facha increíble y la flaca que es la fantasía salvaje de todos los adolescentes, por lo demás, este trabajo hace agua por todos lados, desde las actuaciones que son paupérrimas hasta la edición, muy amateur y confusa. Hache es un joven que estuvo viviendo un tiempo fuera de su Barcelona natal para alejarse de la tragedia que sacudió su vida, hasta que un buen día decide volver para enfrentar el pasado. En su vuelta conoce a una chica rebelde, parecida a él, con la que empieza un amorío pasional en el que se muestra mucha piel, algo que justifica mínimamente la entrada. El pasado no tarda en aparecer y lo pone en la disyuntiva de tener que elegir si quedarse con su nuevo amor rebelde o con su viejo amor conservador. Recordemos que "Tengo ganas de ti" es en realidad la secuela de otra película llamada "Tres metros sobre el cielo" que fue estrenada en 2010 (por Argentina creo que ni pasó), y donde también se contaban las andanzas del joven español con otra chica, la que ahora sería su viejo amor. Ambas películas están basadas en las novelas adolescentes de Federico Moccia que llevan los mismos nombres. Se nota que con el éxito comercial de la 1ra entrega quisieron aprovechar el fenómeno y exprimirle todo el dinero que podían a la historia, pero no le pusieron un mínimo esfuerzo de guión, edición o interpretativo. Hay algunos errores realmente groseros, con situaciones inverosímiles como dejar una moto tirada en una estación de gasolina, irse en un auto con una chica y al otro día aparecer con la misma moto que por arte de magia vuelve a estar en poder del protagonista. Hay algunos secundarios que no hacen más que rellenar la pantalla sin ninguna relevancia, tragedias minimizadas y mucho culebrón de miércoles por la siesta. Sólo para aquellos fans de los formatos teens que privilegian la visual por sobre el contenido del trabajo. Un fiasco.
"Mientras duermes" es unas de las grandes sorpresas del año en materia de estrenos en el género Terror/Suspenso, de producción española y dirigida por el catalán Jaume Balagueró, un tipo de larga experiencia en este tipo de producciones. Junto a Paco Plaza fueron los responsables de los éxitos [REC] y [REC]2, films que ya han pasado a la lista de grandes títulos del terror, una distinción muy difícil de conseguir por estos tiempos. En este trabajo nos presenta a César, un portero de edificio psicópata con todos los problemas que uno se pueda imaginar y una tendencia suicida atroz. El actor que la da vida a este personaje es el gran responsable de la buena calidad de la película, logrando transmitir al espectador ese juego de amor-odio que lo tensiona e involucra hasta los huesos con el loco en cuestión. El único motivo de César para seguir vivo es arruinarle la vida a otro ser humano, borrarle la sonrisa y vitalidad de la cara a alguien, en este caso, la pobre Clara interpretada por Marta Etura. Sin recurrir a artilugios espirituales, ni diabólicos como nos hemos estado fumando a lo largo de este año con otros exponentes del género, se logra crear momentos de nerviosismo y tensión estupendos, en los que resulta inevitable ir cambiando de bando, por un lado deseando que no lo descubran al protagonista mientras perpetra las atrocidades más viles, y por otro anhelando que la pobre Clara se salve de la demencia de su acosador. Otro elemento fundamental es el uso del suspenso de manera creciente a medida que va avanzando la cinta, comenzando con tibios momentos de estrés hasta llegar finalmente a escenas con mucha adrenalina y verdaderamente angustiantes. Tiene algunos errores de guión y una que otra torpeza, pero que va, es una de terror y suspenso como hace mucho no se veía en la gran pantalla. Aplausos para los españoles que la vienen rompiendo en este género.
"¡Atraco!" es un coproducción argentina/española que cuenta la historia del intento de robo de las joyas de Eva Perón a una importante joyería española ubicada en plena Gran Vía en Madrid. El director catalán Eduard Cortés hace una adaptación libre de los hechos ocurridos en 1956 y compone un Thriller con algunas notas de comedia que logra entretener y sorprender por su producción, pero que no llega a generar la hipnosis y la tensión de otros grandes trabajos como "El Secreto de sus Ojos" o "Elefante Blanco". Fue bastante promocionada y anticipada por la participación de Guillermo Francella, que desde su interpretación como Sandobal en la película argentina ganadora del Oscar, no para de recoger elogios entre los espectadores, y aquí en "¡Atraco!" también cumple componiendo muy bien a un ex guardaespaldas de Evita a la cual ama e idolatra. La sorpresa interpretativa la da Nicolás Cabré, que debo admitir no es santo de mi devoción, pero en este film supo encontrar muy bien al personaje y ofrece momentos verdaderamente buenos y hasta divertidos. Fanego y Jordi Martínez completan muy bien el reparto elevando aún más la calidad interpretativa. La historia de "¡Atraco!" es interesante, los actores buenos y la producción es maravillosa... entonces, ¿cuál fue el inconveniente que no la dejó brillar en todo su esplendor? En mi opinión, hay varios espacios planos en el guión, la adaptación de Cortés no logra producir ese movimiento interno fuerte en el espectador que lo involucre, que lo atrape, sino que se va por las ramas y termina entrelazando muchos géneros juntos que no llegan a cerrar (Romance, Comedia, Drama, Thriller). Debería haberse jugado un poco más, hacer el policial bien negro o la sátira completa, apelar más de lleno a la emotividad o distanciarse con frío cálculo de director europeo, no querer abarcar tanto y mostrar un camino claro al público, pero por el contrario se lo termina recargando de situaciones que no surten el efecto deseado y dan la sensación de estar incompletas. Una buena peli que podría haber sido una gran peli.
"Fuera de juego" es una nueva comedia con Diego Peretti que llegó bastante promocionada por la Warner Bros. Argentina, y que ya desde su trailer dejaba entrever algunas situaciones insípidas y poco entretenidas. Pues se cumplió lo que percibíamos, lo poco que prometía el trailer fue lo poco que terminó ofreciendo este film del director español David Marqués. La trama se centra en los conflictos que se producen entre dos representantes de una gran promesa del fútbol que está por ser vendida al Real Madrid ("Chino" Darín, hijo de Ricardo). Uno de los representantes es el actor argentino Diego Peretti, un médico que vio frustrada su carrera como futbolista por culpa de su familia y que ahora asume la responsabilidad de ser manager de fútbol por dinero.
"[REC 3] Génesis" es lo nuevo de la franquicia de zombies españoles que ha sabido ganarse su público a lo largo del planeta. En esta ocasión vuelve con una precuela confusa, en la que de alguna manera se cuenta el inicio del terror pero con elementos de las sátiras más ridículas que se pueden apreciar en el cine. Me tuve que poner al día con las entregas anteriores, y más allá de que no soy un aficionado a este tipo de género, la "[REC]" original me pareció un buen producto del subgénero Horror, con calidad y buenos momentos de miedo. La segunda entrega fue un poco menos, había perdido el factor sorpresa, pero supo continuar de manera decente la historia introducida originalmente.
"La piel que habito" es el flamante último trabajo del pervertido favorito del mundo, Pedro Almodóvar. Nos fascina, nos da asco, nos incomoda, nos complace, nos hace reír y nos hace pensar que el mundo se fue al carajo... Pedrito. Lo podés amar u odiar, pero si has visto al menos dos películas de su autoría (recomiendo "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella"), no te puede pasar desapercibido.
En esta ocasión nos ofrece una historia provocadora, tan tétrica como absurda, que tiene tanto enredos y tragedias que la única forma de hacer una sinopsis sin develar algún secreto importante de la trama, es explicar lo que dice en todos lados...
"Torrente 4: Lethal Crisis 3D", es la 4ta entrega que hace el director y actor Santiago Segura, sobre las aventuras del policía más desagradablemente divertido de España, José Luis Torrente, un tipo racista, homofóbico, sucio, pero por sobre todo, políticamente incorrecto.
En esta nueva aventura, se muestra al policía pasar por un mal momento que lo lleva a aceptar un trabajo que lo sumergirá en una serie de eventos desafortunados, entre ellos, terminar en la cárcel, donde pondrá en marcha junto a otros reclusos, un plan para escaparse y vengarse de quienes lo traicionaron.
"Los Ojos de Julia" es la nueva producción de terror española dirigida por Guillem Morales, un nuevo director español oriundo de Barcelona, bajo el padrinazgo del conocido Guillermo del Toro ("Hell Boy", "El laberinto del Fauno"). Protagonizan el film, 2 grandes figuras del cine ibérico como Belén Rueda ("El Orfanato", "Mar Adentro") y Lluís Homar ("Los Abrazos Rotos", "La Mala Educación"), por lo que uno podría pensar que con tanto talento esto no podía fallar... bueno, no fue así.
La cinta plantea la historia de Julia, una mujer que sufre una enfermedad degenerativa de la vista, que día a día va quedando un poco más ciega como le sucedió a su hermana gemela que terminó suicidándose, hecho que le lleva a investigar lo sucedido e involucrarse con un ser que deseará nunca haber conocido, muy parecido a lo que le pasó a gran parte de la audiencia con esta película, yo incluido.
