Vox Lux, el precio de la fama: Es un mundo extraño, extraño...

* * *     BUENA

''Vox Lux'' es una película de corte independiente que retrata con crudeza los excesos y la toxicidad del mundo de la fama cuando uno se deja tentar por todo su exceso y superficialidad.
Protagoniza la versátil Natalie Portman en el rol de Celeste, una excéntrica cantante pop reconocida en todo el mundo, cuya historia de origen fue traumática y trágica. Un estudiante compañero del colegio al que asistía ingresó una mañana armado y abrió fuego contra maestros y estudiantes provocando una masacre como nunca se había visto en esa ciudad. Una de las estudiantes que presenció el momento y de hecho fue herida, fue Celeste. A partir del hecho escribió una canción que se convirtió en el himno de esperanza en contra de estos hechos de violencia y comenzó su camino hacia la fama y el estrellato.

Regreso a casa: Recuerdos que se borran

* * * *  MUY BUENA

Zhang Yimou es un director chino que conocemos gracias a dos películas épicas: "La casa de las dagas voladoras" (2004) y "La maldición de la flor dorada" (2006). En "Regreso a casa", película estrenada en el 2014 pero llegada en 2015 a Argentina, deja de lado las artes marciales y toda esa estética exquisita y altamente atractiva desde lo visual para recuperar otros conceptos. El director se permite tomar distancia de las grandes producciones de corte histórico y se centra una cinta más profunda, con énfasis en las actuaciones y en los fuertes climas dramáticos. Quizás el mayor mérito de esta propuesta radica en una trama familiar descarnada que se enmarca en el fenómeno socio-político más trascendental en la historia contemporánea de China: la revolución cultural.

Los huéspedes: Shyamalan vuelve a sus raíces

* * *     BUENA

"The Visit" marca la vuelta del polémico director M. Night Shyamalan ("Sexto Sentido", "Señales") a la gran pantalla. Recordemos que el pobre Shyamalan viene de ser vapuleado por sus últimas películas, "After Earth", "The Last Airbender" y "El fin de los tiempos". Es un tipo que realmente estaba en la cresta de la ola allá por el 2004, era muy respetado, venerado por parte de la crítica y se daba el lujo de trabajar con las estrellas de cine que quisiera, hasta que realmente, como se dice en mi barrio, la terminó cagando completamente. Estrenó en el 2006 la anodina película "La dama en el agua" y de ahí en más se fue todo en caída libre. Estos eventos negativos lo trajeron a esta situación actual, dirigir un film de bajo presupuesto con ningún actor de moda. Paradójicamente parece ser lo que le hacía falta para comenzar a tomar vuelo nuevamente.

Fulboy: La pelota pica por dentro

* * *     BUENA

El director Martín Fariña construye un documental sobre aquello que se conoce como "pasión de multitudes": el fútbol, deporte que apasiona, enardece, fanatiza y enamora a tantos argentinos. Pero su visión no se centra en los grandes campeonatos, los clubes más importantes y los jugadores estrellas; su mirada se posa en algo más íntimo, ingresando en un lugar que le es completamente vedado al común de los mortales: la concentración de un equipo de fútbol. Honestamente no soy fanático de este deporte así que hay cierta mística que me es desconocida. Pero ser argentino te vincula, de forma inevitable y aunque uno se resista, al fútbol.

Fariña va relatando sus impresiones, los motivos que llevan a desarrollar ese documental y la razón por la que lo pudo hacer.

Dos días, una noche: La fuerza de la constancia y la miseria

* * * *  MUY BUENA

Pocas cintas me impactan desde el inicio como lo hizo esta propuesta europea. Y hay una sencilla razón: uno se siente atravesado por una realidad que se plasma en la ficción pero que se arraiga en una realidad tan actual. "Deux jours, une nuit" es una coproducción francesa, italiana y belga que cuenta con la brillante actuación de la oscarizada Marion Cotillard ("La vida en rosa"), su máximo bastión, que se apoya en una historia potente pero sencilla. La trama se enmarca en una realidad social y económica dura, en donde nadie llega a fin de mes y cada peso extra vale mucho.

Solo los amantes sobreviven: Amor vampiro con neuronas

* * * *  MUY BUENA

"Only lovers left alive" es una película independiente del cineasta Jim Jarmusch ("Dead Man", "Broken Flowers") que llega a nuestras salas dos años después de su realización y con una cantidad de pantallas muy limitada. 
La película aborda la bastardeada temática vampira, pero lo hace con visión, realismo y una vuelta de tuerca que nos permite darnos cuenta que cualquier temática o sub género en el cine puede ser bueno si el tratamiento que tiene es serio y con ideas originales. Dicho esto, resulta inevitable hacer la comparación con lo último que hemos visto sobre amor vampiro en la gran pantalla, "Crepúsculo", saga que parece aún más banal y vacía cuando la ponemos al lado de un trabajo como este.

Casa Vampiro: Cuando la parodia está muy bien pensada

* * * * *  EXCELENTE

¡Atención! "What we do in the shadows" es una de las mejores comedias que van a ver en este 2015. Es realmente delirante, bizarra y original. Hace mucho tiempo que no veía una comedia tan pura como esta.
La película trata sobre un grupo de vampiros amigos que contratan a un equipo fílmico para que documente su vida diaria y cómo enfrentan a la vida moderna en la lejana Nueva Zelanda.
La banda está compuesta por Viago (Taika Waititi), un dandy del siglo XVIII, Vladislav (Jemaine Clement), el empalador, Deacon (Jonathan Brugh) el rebelde del grupo y Petyr (Ben Fransham), el más viejo y monstruoso de los cuatro. Cada uno con su personalidad particular, no tienen desperdicio.

Mommy: Una relación de amor y de sombras

* * * * *  EXCELENTE

Xavier Dolan es un reconocido director y actor canadiense que allá por el año 2009 desnudó una conflictiva relación materno-filial en “Yo maté a mi madre”, relaciones que, desde de allí, han nutrido su filmografía desde distintas perspectivas. Pese a su juventud, ha realizado largometrajes de gran calidad desde el punto de vista argumentativo/visual. Y “Mommy” (2014), su última cinta, no deja de ser una excepción a ello.
Ganadora del Premio del Jurado en el último Festival de Cannes y una de las nueve cintas preseleccionadas elegidas como finalistas en la categoría de "Mejor Película de habla no Inglesa" para los Oscar 2015, “Mommy” se centra en una Canadá ficticia. Allí se ha sancionado una ley que habilita a padres a dejar sus hijos bajo el cuidado del sistema de salud estatal, si éstos presentan graves problemas de adaptabilidad social.

Una segunda oportunidad (En chance til): Dura es la realidad; dura es la verdad

* * * *  MUY BUENA

¿Qué somos capaces de realizar para salvaguardar la integridad psico-física de nuestros seres queridos? ¿Cuáles son los costos morales de las decisiones que asumimos? ¿Qué criterios adoptan los individuos a la hora de evaluar si un estilo de vida debe imponerse sobre otro? Estos interrogantes se plantean y se desmenuzan en esta cinta danesa/sueca de 2014, protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau (conocido por su interpretación de Jaime Lannister en la aclamada serie de HBO "Game of Thrones"). “Una segunda oportunidad” pretende subrayar diferencias, intenta ponerlas de manifiesto y configuran la plataforma ideal para reflexionar. Pero tal ejercicio reflexivo choca con el impacto que la trama produce: es fuerte y conmueve de tal manera que nadie puede mantenerse indiferente ni quedar exento de toda afectación.
Esta historia juega, como ya lo puse de manifiesto, con la diferenciación de dos cosmovisiones de vida diametralmente opuestas, puestas en el eje de nuestro protagonista (Coster-Waldau): por un lado, él y su compañero de trabajo; y por el otro, él y la familia en la que interfiere. El personaje principal es Andreas, un policía que acaba de ser padre de un hermoso bebé y tiene una familia bien constituida. Simón, su compañero, se acaba de divorciar de su esposa y se refugia en el alcohol y en la noche. Ambos tuvieron que intervenir en un conflicto doméstico: una pareja de consumidores de estupefacientes que hacen de la violencia diaria su forma de vivir y criar a un pequeño y descuidado bebé. Ciertos sucesos inesperados harán que Andreas deba asumir decisiones drásticas.
La trama deja muy en claro desde su inicio lo que "es" y lo que "debe ser". Una vida plena vs una vida menos plena; una familia feliz vs una familia violenta. Es en la magnitud de tragedia que vive nuestro protagonista (sin ánimos de ingresar de lleno en detalles, es necesario aclarar que se relaciona con los bebés de las familias) hace que tales contraposiciones vayan desequilibrándose para inclinarse hacia lo que Andreas quiere, piensa y asume que es lo mejor para "neutralizar los efectos de tal tragedia". Es un punto de inflexión en la película que permite pensar en los roles parentales y el lugar en que éstos son asumidos por personas distintas, con conflictos internos y formas de vivir diferentes: la mirada de ese rol signado por el amor y por la irresponsabilidad más inquietante. Tal contraposición es abismal.
La película invita a poner sobre la mesa esta reflexión genuina y directa sobre una trama que impacta por el nivel de conflictividad que plantea. En algunas ocasiones, no dará respiro. Pero dejando de lado esta faceta y metiéndonos en los aspectos cinematográficos, es loable el trabajo de Nikolaj Coster-Waldau, el gran artífice de esta cinta. Una interpretación desgarradora que va metiendo a su personaje en esta complejidad en la que se encuentra inmerso. Su actuación se apoya sobre un elenco secundario que brilla.
Una película que formó parte de la selección oficial del último Festival de San Sebastián y que puede resultar interesante aunque no menos impactante. ¿La recomiendo? Creo que la respuesta se desprende de esta reseña. Para el que busque la ocasión propicia para pensar y repensar un poco, y para el que busque sólo un encuentro con el buen cine.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

Jauja: Patagonia experimental

* *     REGULAR

Es difícil calificar un trabajo experimental como este que nos ofrece el director argentino Lisandro Alonso ("La Libertad", "Liverpool"). "Jauja" es una película muy distinta, que no sigue la narración convencional del cine mainstream, de hecho no sigue casi ninguna convención del cine comercial.
A los espectadores más despistados, les digo CUIDADO, no es el dramón usual que uno puede esperar con Viggo Mortensen. Esto es otro cine, distinto, del tipo que está más centrado en el arte que en el entretenimiento. Para que se den una idea, vendría a ser como un "El árbol de la vida" de Brad Pitt en nivel de rareza.
Alonso nos cuenta la historia de Gunnar Dinesen (Viggo Mortensen), un capitán dinamarqués que junto a su hija recorríam la Patagonia como parte de la campaña del desierto. Un buen día, su hija se fuga con un soldado y él comienza una búsqueda desesperada para que no sea capturada por los aborígenes. No es más que eso de lo que trata la historia.
En cuanto a la reseña, voy a decir que entiendo el tipo de trabajo que expuso Alonso, original y artístico, buscando salirse del establishment cinematográfico, pero más allá de esto, cuando voy al cine busco una experiencia singular e inteligente, pero sobre todo satisfactoria, que me mueva las emociones en la dirección en la que está enmarcado el género. Si voy a ver un drama, quiero acongojarme con los protagonistas, si voy a ver comedia, quiero reírme con chistes inteligentes, si voy a ver terror, quiero asustarme y quedarme sugestionado. En el caso de "Jauja", Alonso nos ofrece un drama que la verdad no me movió ni un pelo emocional. Sí, la fotografía es fabulosa y transmite muchas cosas, Viggo demuestra que es realmente un profesional frente a la cámara y la conjugación de lo real y mágico del guión es algo que no hemos visto demasiado en cine, pero el pilar "Entretenimiento" fue un gran ausente en la propuesta. Planos larguísimos, sin demasiados sobresaltos, muy poco diálogo y protagonistas de los que no llegamos a saber mucho durante los 109 minutos de metraje.
Entiendo el enfoque artístico que se le dio a la propuesta, pero no compro. Demasiado conceptual para mi gusto. Un producto concebido sólo para un grupo reducido de personas ligadas a la industria del cine.

El Cazador: Letargo apocalíptico

* *      REGULAR

"The Rover" o "El cazador", como se conoció en nuestro país, es una propuesta que mezcla varios sub géneros del cine como el western, el road movie, el cine apocalíptico, el thriller y el drama, todo bajo un manto de espíritu independiente y reflexivo. Este último dato no es menor, ya que muchas personas pueden confundirse y pensar que están yendo a ver un preludio de la inminente "Mad Max" y la verdad es que esta película dista mucho de ese tipo de cine. Su narración no es de tipo mainstream, ni lo es su dinámica de filmación, de hecho es un film con aura festivalera, de esas que al espectador común suelen parecerle tediosas y sin sentido. 
En esta ocasión, voy a coincidir con el espectador promedio en el calificativo de "tediosa" y voy a sumarle algunas cuestiones más.
Si hablamos de la trama, claramente la propuesta tiene un sentido y está logrado en algunos aspectos. Por ejemplo la sensación de desolación y desesperación que nos quiere transmitir el director David Michod ("Animal Kingdom"), se logra. El espectador puede vivir el letargo que tienen los protagonistas e incluso sentir un poco de la desesperación que viven los mismos en pantalla ante la desolación de un mundo que se fue al tacho, pero esta desesperación se mezcla con otra, no buscada de forma adrede por el director, que es la sensación de ver que el metraje pasa y la resolución del nudo avanza hacia un final predecible y poco trascendente. Si la película se concibió para ganar algunos puntos con el público festivalero, más habituado al cine de autor, lo logró. Si la intención era además encantar a una gran parte del público que asiste a los cines, no logró entablar empatía y su dinámica lenta y monótona se pasa de rosca. Se puede hacer cine de autor y lograr mejores resultados con el público.
Para que se ubiquen en la trama, les va una pequeña sinopsis. El mundo a colapsado económicamente y han pasado ya 10 años de estos acontecimientos. La historia nos sitúa en Australia, un lugar violento que ha albergado a inmigrantes tratando de sobrevivir a la debacle. En este contexto, nos presenta a Eric (Guy Pearce), un tipo dejado, deprimido y casi robótico que para a tomar un trago en un bar karaoke oriental bien bizarro. Un grupo de delincuentes que venía escapando vaya a saber uno de que, roba su auto y se da a la fuga, despertando en el protagonista una furia determinada a recuperar su vehículo como sea. En el camino se topa con Rey (Robert Pattinson), el hermano con problemas mentales de uno de los delincuentes que fue abandonado durante un robo. Entre ellos se forma una extraña sociedad para recuperar el auto, Eric, y para vengarse de su hermano, Rey, por haberlo abandonado en el lugar de los hechos.
Para rescatar, los trabajos interpretativos de Guy Pearce ("Memento") y Robert Pattinson ("Cosmópolis"), que conforman una pareja despareja con algunos momentos de alta actuación. Otra cuestión también muy bien lograda, tiene que ver con la fotografía de la producción, que logra transmitir a través de sus planos el lugar inhóspito y agresivo en el que se convirtió el mundo.
En general, la propuesta no aporta nada nuevo en ninguno de los sub géneros que transita, se pasa de lenta y reflexiva pensando muy poco en el espectador promedio, presenta un visión muy violenta del mundo sin ahondar en el contexto que lo llevó a caer en ese estado y el final resulta bastante predecible.
Una propuesta más pensada para la persona interesada en el proceso de la misma y no tanto en el resultado final.

7 Cajas: De Paraguay para el mundo

* * * * *  EXCELENTE

Es sumamente positivo recorrer caminos poco transitados y desconocidos para encontrarnos con sorpresas como la que ofrece la película “7 Cajas”. Hay que reconocer que el cine latinoamericano goza de buena salud ya que la excelente recepción que tiene en distintos festivales internacionales así lo acredita. Pero hay algo que es cierto: poco conocemos sobre la producción del séptimo arte en Paraguay. Y que justamente sea esta república vecina la que nos proporcione esta joya cinematográfica es algo para celebrar.
La trama nos sumerge en un mundo particular. El entramado de callejuelas que conforman el laberíntico mercado de Asunción es el lugar donde conviven clientes, comerciantes honestos, traficantes, delincuentes, trabajadores incansables y policías corruptos. Me hizo recordar a aquellos espacios en los que unos niños indios padecían sus idas y venidas en una Bombay que Danny Boyle retrató en “Slumdog Millionaire” (2008) y en las favelas de Río de Janeiro que transportaban a una dura realidad social que “Ciudad de Dios” (2002) de Fernando Meirelles supo desnudar. Es en ese mercado donde un adolescente, Víctor (Celso Franco), se gana la vida con su carro, transportando mercadería de los clientes a cambio de un puñado de monedas. Cuando otro carrero le arrebata un cliente, la suerte parece ponerse de su lado. Un carnicero le ofrece la mitad de un billete de cien dólares a cambio de llevar a un lugar determinado siete cajones de madera. Las instrucciones les serían dadas mediante un teléfono celular que le proporciona. La otra mitad del billete se le entregaría una vez finalizada la tarea. Víctor acepta el ofrecimiento y se convierte en el custodio de siete cajas, cuyo contenido desconoce. Liz (Lali González), amiga de Víctor, lo acompañará en esta tarea que, lentamente, se convertirá en trágica y peligrosa. Las siete cajas desatarán la aparición de personajes siniestros y ambiciosos que persiguen intereses mucho más profundos que los de Víctor.
Esta película constituye un thriller que contiene una trama consistente, coherente y sin fisuras. Persecuciones a través de laberintos de pasillos, balaceras inesperadas con muertes violentas, ambiciosas conspiraciones, necesidades económicas apremiantes y amores inocentes, son referencias que demuestran la complejidad narrativa de una atractiva historia que cuenta con un punto fuerte: sus diálogos están hablados casi en su totalidad en guaraní. Un gran acierto porque si el objetivo es introducir de lleno al espectador en la cotidianeidad de la sociedad paraguaya, está más que logrado. Como recurso, el uso de este idioma tiene cierta efectividad que es confirmada gracias a un elenco de actores poco conocidos que dan vida a cada personaje con un talento indiscutible.
Desde el punto de vista estético, hay que reconocer que es impecable. Un trabajo fotográfico de excelencia que realza cada cuadro que la magistral edición reagrupa para darle unidad a la cinta. Ese trabajo mancomunado, sin lugar a dudas, subraya la dinámica, la destreza y la adrenalina en la que esta trama nos sumerge desde los primeros momentos. Una más que elaborada e interesante composición musical y diseño de sonido terminan coronándola. Por último, es de destacar el trabajo de dirección a cargo de la dupla formada por Juan Carlos Menaglia y Tana Schembori (el primero de ellos también responsable del guión).
Contada mediante un ritmo vertiginoso que mantiene al vilo al espectador, esta película brilla y no debe pasar inadvertida. Creo que Hollywood tiene mucho que aprender de este cinta. No suelo recomendar muchas películas para que vean, pero “7 Cajas” no sólo es digna de recomendar sino que también garantiza 105 minutos de cine elevado a su mejor potencia.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

Las brujas de Zugarramurdi: La magia negra de Alex

* * * *  MUY BUENA

El afamado y versátil director español Alex de la Iglesia ("El Día de la Bestia" y "La Comunidad", entre otras) regresa con una comedia tributaria de lo más característico de su cine. Porque “Las Brujas de Zugarramurdi” propone una trama que se cocina en un caldero rebosante de un humor negro salpimentado con esa acidez no tan fácil de digerir, buenas dosis de acción, pizcas de magia negra y cuotas de erotismo bien logradas.
La película abre con una escena en la que Graciana (Carmen Maura), una malvada bruja, profetiza el fin de la cultura occidental y el inicio de nuevos tiempos con la llegada de “El Elegido”. Mientras tanto, José (Hugo Silva), acompañado de su hijo y de Tony (Mario Casas) decide robar una casa de compra de oro. Tras una balacera, ambos deciden huir hacia Francia y secuestran a Manuel (Jaime Ordóñez), un taxista quién luego se suma a la banda. De paso por el pueblo de Zugarramurdi, se topan con Graciana quien, junto a su madre Maritxu (Terele Pávez) y su hija Eva (Carolina Bang), los secuestran para sacrificarlos en el aquelarre que se organiza en las cuevas.
No hay dudas de que Alex de la Iglesia le imprime a su cinta un despliegue visual impresionante: un amalgama de vestuario, arte y maquillaje, que se nutre de una fotografía impactante y una poderosa música. No por nada es que su película ha obtenido diez nominaciones a los Premios Goya próximos a entregarse (en su mayoría en los apartados técnicos). Creo que esto es un punto fuerte porque la cuidadosa ambientación no sólo embellece las escenas sino que realza una historia que hubiese sido muy difícil de materializar sin un departamento técnico-artístico de gran talento.
En cuanto a las actuaciones, Carmen Maura brilla a más no poder en su papel de bruja regente, demostrando así toda su pericia actoral. Terele Pávez (nominada al Goya como mejor actriz de reparto por esta interpretación) hace lo suyo recreando a una bruja de esas clásicas que causan tanto miedo como simpatía. Y el trío conformado por Hugo Silva, Mario Casas y Jaime Ordóñez cumple en términos generales, ofreciendo cada uno gratos momentos de lucimiento personal.
A pesar de que la película tiene secuencias muy logradas en términos cinematográficos (tanto el robo de la casa de venta de oro y del aquelarre al final de la cinta son escenas cargadas de acción y de planos generales que pretenden poner de manifiesto la espectacularidad) y una historia interesante por la variedad de elementos y la intensidad de los modos en que son presentados, si se hubiesen suprimido un par de escenas que acortaran el metraje hubiese dado mayor coherencia a la trama y contribuido a generar una mejor película de lo que ya es.
Las historias con tintes sobrenaturales y fantásticos atraen mi interés personal porque disfruto ver lo que se escurre detrás de la magia. Y más aún si esas tramas están acompañadas de un concepto artístico de riqueza incuestionable. Si a eso le sumamos una dirección que se nutre de acción, oscuridad y comicidad, no hay duda alguna de que todos esos ingredientes combinados en un hechizo de Alex dan como resultado “Las Brujas de Zugarramurdi”. Recomendable a más no poder, incluso para los que no disfrutan de la magia negra de de la Iglesia.

Crítica realizada por Leo Arce.

Declaración de vida: La película de la vida misma

* * *     BUENA

"La guerre est declaree" es una propuesta francesa distinta e innovadora, que nos cuenta la historia de una pareja que debió hacerle frente a la desgracia de tener un hijo de tan sólo 18 meses con un tumor en el cerebro. No, esto no es lo innovador; lo realmente distinto es que el film fue protagonizado por la pareja real que debió transitar la enfermedad de su hijo, la directora/actriz Valérie Donzelli y el actor Jérémie Elkaïm, transmitiendo en primera persona la explosión de sensaciones que debieron vivir ante una situación como esta. Alegría, amor, impotencia, desesperación, esperanza y euforia, entre otras emociones, tiñeron el metraje de tonalidades de la vida misma que dieron al espectador una experiencia cinematográfica interesante y difícil de repetir.
Lo mejor de la película es que se trata de una puesta honesta, sin golpes bajos ni toques magnánimos de superproducción, por el contrario, Donzelli se encarga de presentar la historia con un criterio muy austero pero eficaz. Así mismo, la sofisticación y el buen manejo de la edición y musicalización hicieron que el ritmo escape a las clásicas secuencias aletargadas del cine francés, manteniendo la personalidad cinéfila parisina pero entregando a su vez una versión más moderna de la misma, con ediciones más frenéticas de las secuencias y con una combinación de música clásica y electro que marcaba la dinámica.
Lo no tan bueno del film, a mi criterio, tuvo que ver con parte de esta modernización aplicada por la directora, que si bien marcaba un ritmo más llevadero de la película, por momentos se volvía un tanto "pop" de más, haciendo algunas autorreferencias personales sobre la sexualidad y la escena under parisina, que no estaban para nada mal, pero que poco tenían que ver con la historia central. Por momentos también se juega con el musical (no se preocupen, es sólo una breve escena) y se utilizan algunos artefactos "cool" del cine para darle un aire más artístico. ¿Aportaron finalmente coolness al film? Sí, ¿también le aportó frivolidad? También. En mi opinión, bajarle un poco el tono al recurso frívolo habría producido un efecto más positivo en el espectador, sobre todo en aquel que estaba más enganchado con la historia de superación de la enfermedad del niño y no tanto en la historia de amor entre Romeo y Julieta, sí, también se pusieron esos nombres para el film.
Como cierre, diría que es un buen entretenimiento, innovador y sincero, que estará más cerca de gustar a los habitués del cine independiente y francés, que a los amantes del drama mainstream.

Bárbara: Retrato de un tiempo difícil

* * * *  MUY BUENA

El cine europeo tiene ese “que se yo”. Goza de una particular forma de desarrollar historias, de modos intimistas de abordaje y de actuaciones poderosas y sinceras. “Bárbara” es un nuevo exponente que logra cocinar en su justa medida esas tres variables. El director y guionista Christian Petzold, ganador del Oso de Plata como Mejor Director en el último Festival de Cine de Berlín, nos regala una serie de pinceladas de un tiempo pasado: la Guerra Fría y el comunismo, la cortina de hierro y la Alemania dividida en dos tras la Segunda Guerra Mundial. En este marco referencial témporo-espacial, emana el personaje de Bárbara, la protagonista de esta historia.

La trama se ubica a finales de la década de 1970. Bárbara (Nina Hoss) es una enigmática doctora que estuvo presa en Berlín Occidental y que, tras ser liberada, es reubicada en una provincia alemana oriental para prestar servicios en el hospital de un desolado pueblo. La protagonista comienza a trabajar de manera dedicada, peleando con sus propios miedos, sometida a constantes requisas por parte de la policía y ocupándose de una joven embarazada prisionera y de un joven que intentó suicidarse. La adaptación a este nuevo lugar se ve facilitada por la ayuda de André (Ronald Zehrfeld), jefe de médicos del hospital, con quien va forjando un fuerte lazo aun cuando ella mantiene una relación sentimental con otro. El dilema que se le plantea a Bárbara transcurre entre la libertad que le promete su novio (quien planea una huida de Alemania) y las posibilidades de crecimiento profesional que le ofrece su jefe. Es aquí en donde la médica debe decidir su futuro.

Con un guión muy bien construido, que plantea una trama principal de la que se desprenden dos secundarias, la historia se va expandiendo de manera lenta y pausada, sin que ello desmerezca su potencialidad y belleza. Las sub-tramas realzan, por momentos, aspectos psicológicos de la protagonista que busca reprimir u ocultar: su humildad, compromiso y ternura. Por ello, estas vetas en la historia principal son hebras jugosas y muy bien utilizadas, que le dan la forma final a la madeja.

Hay algo para resaltar. Son pocos los guiones que permiten que los “huecos” que presentan puedan ser tapados por el propio espectador, a través de unos pocos datos. Ese interesante juego de “libre interpretación” es el que esta película propone si se pretende descubrir el oculto pasado de la protagonista, cuya construcción estuvo a cargo de la premiada actriz Nina Hoss, quien supo rodear a Bárbara de un halo de misterio, dureza, miedo y arrogancia, todos elementos entremezclados a la perfección. De allí la denominación de esta película, pues Bárbara es el centro y el norte hacia donde se dirige la trama.

Una historia fortalecida y muy bien apuntalada por sólidas actuaciones, que pretende reflejar la sociedad y la política alemana en los años previos a la caída del Muro de Berlín. Una historia sostenida por muy buenos recursos técnicos, entre los que se destaca la excelente fotografía que se encargó de presentar la desolación del lugar donde transcurre la trama. Una historia que cierra de principio a fin, sin fisuras algunas que impidan pasar un momento de buen cine. Del buen cine que tanta falta hace.

Crítica realizada por Leonardo Arce

El nombre: La miseria y la amistad

* * * *  MUY BUENA

"Le Prénom" es la adaptación cinematográfica de la famosa obra de teatro francesa creada por Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière. Para quienes no la conocen y puedan darse una idea de lo que estamos hablando, es una obra bastante parecida a "Le dieu du carnage" o "Un dios salvaje" (como se la conoció en Argentina), ya que básicamente muestra la interacción de un grupo de personas al que sus secretos y prejuicios individuales lo llevan a situaciones tan miserables como hilarantes.
Todo empieza con una broma pesada que intenta llevar a cabo Vincent diciéndole a su cuñado y amigos, acérrimos intelectuales de izquierda, que le pondrá de nombre a su futuro hijo nada más y nada menos que el mismo del führer, Adolf o Adolphe como él dice al principio. A partir de acá, se desatan los diálogos más nerds, interesantes y espectacularmente divertidos que he visto en todo el año. La miseria humana y la amistad mezcladas en un mar de humor ácido, es una combinación muy pintoresca y entretenida, que deja ver su lado teatral, pero que a la vez se fusiona muy bien con el séptimo arte. Las actuaciones son muy creíbles, sobre todo cuando deben cambiar del drama a la comedia y viceversa. La personalidad del cine francés está muy presente, con sus conversaciones rápidas y ese humor afilado que por momentos corta con sólo acariciarlo. Los lazos de amistad utilizados como centro de la trama, configuran a esta producción como una propuesta bienintencionada en el plano general, aunque en el camino transite por el humor más malintencionado y ácido. El recurso utilizado al comienzo de la película, en el que podemos ver a un repartidor de pizza transitando las calles parisinas cuyos nombres van siendo explicados con humor negro, es sencillamente genial y predispone de la mejor manera para disfrutar lo que viene.
Una comedia inteligente, mordaz y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en la gran pantalla. Si esperás ser sorprendido gratamente y disfrutás de las situaciones tragicómicas, "Le Prénom" será una buena opción para pasarla de diez.

Ausencia: Terror Indie

* * *     BUENA

"Ausencia" es un film de terror independiente, de esos que son raros de encontrar con tanta posesión y fake documentary dando vuelta. No es pochoclero, ni toca temas repetidos del terror, cuestión que me parece innovadora y que atraerá al espectador que está asqueado con lo que viene ofreciendo el género. ¡Ojo!, no es una película de terror estandard, no tiene grandes efectos, ni tiene el ritmo más dinámico que se puede ver en la gran pantalla, pero sí tiene mucha vocación. Si se dejan ir atrapando de a poco por los acontecimientos que se van sucediendo, podrán disfrutarla y vivir el terror psicológico que tiene para ofrecer. Si sos de los que esperan mucho despliegue visual más que la sugerencia de las situaciones terroríficas, vas muerto con esta propuesta. 
Para entender un poco de que se trata, vamos a decir que una joven vive tratando de superar la desaparición de su marido, que misteriosamente se ausentó de su hogar hace más de 7 años y nunca volvió. Ni las investigaciones policiales, ni los esfuerzos de su frustrada mujer pudieron determinar que fue del pobre tipo. Un buen día llega la hermana para ayudarla a mudarse y hacer el cierre final de los trámites administrativos necesarios para dar por muerto definitivamente al marido, pero una serie de eventos inesperados las llevarán a descubrir qué es lo que había pasado con el pobre el tipo, un destino tan angustiante que cualquiera preferiría morir a tener que pasar por semejante situación.
Es muy inteligente como el director Mike Flanagan aborda el terror desde la angustia, logrando algunos buenos momentos cinematográficos con poco recursos y metiéndose de lleno en el mundillo de las desapariciones, claro que en este caso, las razones tienen que ver con cuestiones sobrenaturales. 
El punto más fuerte del film está en la tensión creada con la incertidumbre, no saber bien que es lo que le está pasando a esa pobre gente, o mejor dicho, imaginarse las cosas terribles que les están pasando, ya que el director deja varias sendas abiertas a la creatividad macabra del espectador. Lo más débil tiene que ver con el cast, ya que ninguno logra destacarse o sorprender con su actuación.
"Absentia" es una peli chica y hay que verla con esos ojos. Una producción ultra independiente que se las arregló para colocarse por encima de la media en un género que viene manoseado y ultrajado por propuestas mediocres.

The Master: Anderson el complicado

* * *     BUENA

Para entender un poco esta película hay que necesariamente conocer un poco acerca de su director. Paul Thomas Anderson es un realizador y escritor californiano con un gran talento y una mirada original sobre como hacer cine. Algunos de sus trabajos más conocidos son "Petróleo Sangriento" que estuvo nominada a 8 premios de la Academia y "Magnolia", aquel maravilloso film en el que actuaba Tom Cruise y se exponían las miserias y bellezas de distintos personajes del San Fernando Valley en Los Ángeles, Estados Unidos. Si hay algo que no se puede negar de este director, es su mirada interesante y psicológica acerca de aspectos sociales y políticos de su país, nunca cayendo en lugares comunes del cine y siempre imprimiendo su sello narrativo. Dicho esto, debo decir que "The Master" me resultó muy complicada de querer y creo que es de los trabajos menos interesantes en su haber. En "Magnolia", "Petróleo Sangriento" y "Embriagado de amor" las temáticas, si bien estaban enfocadas en sucesos y personajes estadounidenses, eran de un tipo más universal y atractivas. Con este nuevo trabajo, la trama es tan lejana y particular de los Estados Unidos que el espectador que no pertenece a ese país y cultura es más bien un frío observador de lo que sucede en pantalla que alguien que puede ponerse en el lugar de los protagonistas. Los dos personajes principales son prueba de ello, Freddie Quell (Joaquin Phoenix) es un veterano con estrés post traumático producido por los horrores de la 2da guerra mundial, y por otro lado está Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) como un intelectual excéntrico que está en las puertas de la fundación de una nueva religión llamada "la causa" que basa sus métodos en la introspección temporal de las personas.  Un poco lejano para estos pagos, ¿no?. La trama se balancea por la relaciones guía-aprendiz, doctor-enfermo, manipulador-manipulado que hacen a la esencia de la historia.
Las actuaciones y la fotografía de la película son simplemente espectaculares, al igual que algunos diálogos entre los personajes de Phoenix y Seymour Hoffman, pero la dinámica narrativa es tan personal y poco convencional que por momentos agota. No se sabe muy bien hacia donde nos quiere guiar el director, ni donde terminamos luego de los 144 minutos que dura el film.
Diría que "The Master" definitivamente no es para un público convencional, sino más bien está dirigida hacia los estudiosos del séptimo arte, esos que buscan experiencias distintas en el cine y que gustan de los trabajos de autor. Esta última cinta de Anderson es la más complicada de todas y la que menos empatía produce, asique cuidado a la hora de elegirla como opción. 

La niña del sur salvaje: La belleza marginal

* * * * *  EXCELENTE

Que valioso que es para el mundo del cine cuando se logran crear trabajos como "La niña del sur salvaje", una película que mezcla la cruda realidad que enfrentan algunas personas en el día a día con las fantasías más estimulantes que se pueden ver en la gran pantalla. El director Benh Zeitlin hace un gran debut en largometrajes ofreciendo una historia de producción chica pero con un corazón enorme. 
Hablando con amigos y conocidos me di cuenta de que pocos tenían alguna información certera acerca de la temática del film, no sabían bien si se trataba de algún tipo de fábula fantástica (en cierta forma lo es) al estilo "El laberinto del fauno" o si se trataba de un drama de corte independiente con ritmo europeo. Esto habla un poco acerca de la pobre promoción comercial que suelen tener los films independientes en nuestro país. Bueno, siguiendo con la reseña, diría que "La niña del sur salvaje" es un ensayo personal y reflexivo que hacen los escritores, Lucy Alibar y el mismo Benh Zeitlin, acerca de los desafíos que nos impone la vida, el desafío de madurar, de enfrentar las adversidades y aprender a sobrevivir en un mundo bello pero hostil, todo esto desde la mirada de una niña de 6 años que vive en un asentamiento muy humilde en las afueras de Nueva Orleans, al sur de Estados Unidos. La pequeña actriz Quvenzhané Wallis es quien interpreta a Hushpuppy, protagonista de esta historia y gran motor de la propuesta de Zeitlin. El personaje ya de por sí es increíble, inspirador, renovador, pero al combinarlo con el carisma y la naturalidad de Wallis, cobra un nuevo sentido y maravilla al punto de generar risas por regocijo involuntarias. Hushpuppy actúa como pilar de la historia, sostén de un relato que innova y nos viene a decir que hay belleza en la marginalidad, una belleza salvaje que convive entre la humildad y la tragedia. La narración no es de lo más convencional y entremezcla los aspectos reales con los fantásticos, pero ¡ojo!, no tiene el nivel de fantasía de "El laberinto del fauno" por ejemplo, por lo que si estás esperando algo al estilo, con muchas intervenciones fantasiosas, quizás te decepciones. Aquí los aspectos de fantasía son más sutiles, más austeros, pero de todas maneras se las arregla para llevarte a un mundo hipnótico del cual resulta difícil no enamorarse.
La fotografía del film y los primeros planos de esas caras salvajes, bien curtidas, bien del sur pantanoso estadounidense, son muy buenos. Quizás la historia no le parezca cosa del otro mundo a algunos espectadores, pero en lo técnico es realmente irreprochable.
Una aventura en miniatura que vale la pena disfrutar, que bien puestas tiene sus 4 nominaciones a los Oscars 2013 y que te va a sumergir, aunque sea por un ratito, en un mundo marginal y atractivo plagado de bestias salvajes.

Fausto: Compleja visión de un clásico

* * *     BUENA

El "Fausto" de Sokúrov fue una película que cosechó muchos elogios entre la crítica especializada e incluso ganó el León de Oro en el Festival de Venecia en 2011, pero debo decir que a mí personalmente me costó mucho seguirla y mantenerme conectado con ella.
La historia es conocida: Intelectual atormentado que hace pacto con un ayudante del diablo (Mefostófiles) por lujuria y poder, sólo que en este film el director imprime su singular personalidad y hace una interpretación compleja, poética y bastante diferente de la historia original, aunque mantiene la esencia por supuesto.
El cine de Sokúrov no es apto para todo público, es lisérgico y tiene un ritmo que no escatima en frenarse en diálogos eternos, es un tipo de cine que el espectador promedio puede admirar o directamente aborrecer hasta el punto de levantarse de la sala y retirarse. El problema con las películas de autor como esta, es que estamos frente a personalidades del séptimo arte que tienen una visión filosófica profunda acerca de lo que están filmando, cuestión que muchas veces deriva en que no se tenga para nada en cuenta al espectador que concurre a la sala de cine y sólo se busque la satisfacción personal del director que está llevando a cabo el film. Es verdad que Alexandr Sokúrov es un gran talento del cine, trabajos como "El Arca Rusa" y "Madre e Hijo" lo certifican, pero también es verdad que no todos sus trabajos alcanzan a producir una experiencia espectacular. "Fausto" creo que es un claro ejemplo de buen cine que no llega a maravillar, que tiene una dirección de arte excelente, un uso de cámara envidiable y actuaciones buenas, pero aún así, peca en pretensiones y se auto posiciona en un grupo de films que sólo pueden ser disfrutados por un puñado de eruditos cinematográficos que idolatran ese género tan difuso llamado "cine arte".
Si te sentás con paciencia y predisposición para entrar en el complejo mundo Sokúrov, la vas a disfrutar un poco, sino puede llegar a representar 140 minutos de tortura alemana.