Un lugar para el amor: Un peli chica que vale la pena

* * * *  MUY BUENA

El director debutante, Josh Boone, viene a demostrarnos que  todavía se pueden hacer películas sobre el amor y las segundas oportunidades sin caer en la cursilería y la berreteada poco inteligente. 
"Stuck in love" es un drama/comedia romántica que lamentablemente tuvo poca promoción comercial y que fue poco tenida en cuenta por los espectadores, al menos en Argentina. Uno ve el cartel promocional y ya se imagina que tipo de producto puede llegar a ser, de hecho hay muchas otras películas con este formato y presentación comercial que sirven de referencia para armarse una idea en la cabeza, una idea que no siempre es acertada. En este caso la apariencia engaña para mal, ya que "Stuck in love" es en realidad un entretenimiento de buena calidad que merecía más atención de la que obtuvo.
Para empezar podemos decir que la temática es difícil. Hoy en día resulta muy complicado armar buenas historias románticas que además aborden aspectos de la vida como el perdón, las relaciones familiares y las segundas oportunidades. De manera muy inteligente, Boone logra diagramar secuencias interesantes que exponen las interacciones familiares con mucha naturalidad pero a la vez las dota de elementos que las hacen realmente irresistibles. Todos los personajes son interesantes, los padres interpretados por Greg Kinnear y Jennifer Connelly, los hijos, Lily Collins y Nat Wolff, hasta los secundarios como Kristen Bell, Logan Lerman y Liana Liberato. Se destacan las actuaciones de Kinnear, Nat Wolff y Lily Collins.
Otro gol del film fue tener diálogos picantes y realistas, charlas en las que un padre puede hablar abiertamente de la droga, el sexo o incluso del amor con sus hijos. Los personajes son bastante puros y bajados a tierra, permitiendo que el espectador se pueda relacionar con ellos y vivir más de cerca las experiencias.
Lo único que podría refutar y que no la dejaría llegar a la máxima nota es que por momentos cae en algunos lugares comunes del género y no llega a explotar al máximo sus posibilidades de involucrarnos en una montaña rusa de emociones. Más allá de estas carencias, la película ofrece momentos y diálogos realmente buenos que valen la pena ser disfrutados. Muy recomendable.

Último viaje a Las Vegas: El desliz de algún dinosaurio hollywoodense

*         MALA

Uff... ¿Vieron cuándo todo sale mal? bueno, "Last Vegas" es peor. Es increíble como artistas de altísima calidad se prestan para este tipo de películas patéticas, sin sentido, que no aportan nada al cine ni al arte en general. Robert De Niro, protagonista de films como "Casino", "Taxi Driver" y "Good Fellas", Michael Douglas, protagonista de "Un día de furia" y "The Game", Morgan Freeman, actor principal de "Driving Miss Daisy" y "Cadena Perpetua", y finalmente Kevin Kline, galardonado por "A fish called Wanda"... No me cabe en la cabeza la posibilidad de que no se hayan dado cuenta cuando leían los guiones, que estaban frente a un verdadero fiasco, una historia tan artificial como el photoshop que le aplicaron al poster promocional. Seguro que debe haber algún favor de por medio, un compromiso comercial con el estudio o simplemente es un forma de llegar a un mercado muy particular, uno con pocas ganas de vivir cine en serio... Bueno, la cuestión es que el director Jon Turteltaub ("National Treasure", "El aprendiz de brujo") disneysificó un producto que debería haber ido por un lado totalmente distinto. Disculpeme Jon, pero si va a filmar una película de veteranos que se descontrolan en Las Vegas, lo ideal es que ponga en pantalla algo de descontrol o al menos le sugiera al espectador que va a hacerlo. En "Last Vegas", desde el minuto 3 ya sabemos que no va a pasar nada alocado, por lo que el viaje a la ciudad del pecado prácticamente pierde su sentido. El elemento de tensión entre el grupo de amigos es realmente débil y se termina solucionando de manera poco inteligente e improvisada.
Si tenemos que hacer alusión al humor, directamente parece como si se hubiera juntado un grupo de 6 dinosaurios hollywoodenses de no menos de 60 años y se hubieran puesto a escribir las escenas tomando te frío en un condominio de Florida... Son muy pocas la veces que algún diálogo saca una tímida sonrisa, pudiendo rescatar un poco el rol de Kevin Kline. De Niro, Freeman y Douglas directamente parecen como si nunca hubieran hecho alguna comedia en su vida.
Sin dar muchas vueltas más, este rejunte de grandes nombres del cine al servicio de una historia pésima, no hace más que confirmar que hay ciertos productores y escritores de la meca del entretenimiento que ya están para el retiro. No recomendable ni para un domingo a la siesta.

En el camino: La ruta del tedio

* *      REGULAR

"On the Road" es una película rara, de esas que podrían haber sido mucho más trascendentes e interesantes de lo que realmente terminaron siendo. La primera sensación que me dio cuando la terminé de ver fue de fatiga. Se supone que el largo desarrollo de los pensamientos y sensaciones de los personajes debían resultar atrapantes, pero en realidad me produjeron un poco de sueño y tedio. Admito que no leí la novela de Jack Kerouac, pero supongo que la interacción personaje - lector debe haber sido mucho más cercana en la lectura de lo que fue en la gran pantalla, de otra manera el libro habría resultado un fracaso de ventas. En la película, con el único que podemos conectarnos realmente es con el personaje que interpreta Garrett Hedlund, Dean Moriarty, que resulta carismático, atrapante, seductor y complejo. Los demás están bastante pintados al óleo, sobretodo Sam Riley como Sal Paradise, personaje que debía ser el más importante del film y conectar más con el público. Lo de Kristen Stewart tampoco me pareció muy bueno, de hecho lo único que hizo fue poner valientemente su cuerpo para escenas de alto voltaje sexual. En cuestiones de interpretación... quedó media floja e inexpresiva.
La historia es buena, polémica, alocada, pero lamentablemente se le dio un tratamiento narrativo que en lugar de resaltar estos pilares, los empañó. El ritmo es tan lineal y parco que cuando se producen los momentos de máxima tensión y sensaciones, encuentran al espectador tan atontado que no llega a reaccionar al golpe. Cae varios minutos después de acabada la secuencia. 
No la recomiendo. Quizás los espectadores más fanáticos de Kristen se encuentren tentados a verla sólo por ella, pero su participación no es muy estelar. Si se decidieran a verla por un actor, háganlo por Garrett Hedlund que la verdad se come a sus colegas en pantalla y demuestra que está para producciones de más alto vuelo.

Paranoia: La carrera tecnológica

* * *     BUENA

Otra de esas pelis que son elegidas, por alguna razón no muy objetiva, para ser destrozada por la crítica. Quizás haya sido la mala promoción y la poca recaudación que tuvo el film lo que facilitó el odio de los críticos, o quizás se ensañaron con una pareja protagonista no tan carismática... la verdad es que no entiendo porque tanta mala crítica a una película que si bien no es de las más sobresalientes del género "thriller", tampoco es un bodrio como afirman algunos. ¿Realmente se esperaban la nueva "Wall Street" cuándo vieron su trailer y la promo? Desde un principio se notaba que la trama nos iba a pasear por lugares bastante comunes y de hecho la premisa en sí no era muy original. Más allá de esto, creo que el director se las arregla para mantener entretenido al espectador, con actores de peso fuerte como Gary Oldman o Harrison Ford y los más fresquitos, Liam Hemsworth y Amber Heard. La labor de los veteranos es de hecho bastante buena y definitivamente le suben el nivel a la propuesta. Lo de Hemsworth y Heard, sin ser excepcional, es correcto y no ofrecen malas actuaciones, quizás un poco frías, pero no malas.
Para los que aún piensan en darle una oportunidad, les cuento que la trama gira en torno a Adam (Liam Hemsworth), un joven talentoso y ambicioso que para escalar en la gran corporación tecnológica en la que trabaja deberá realizar algunos trabajos sucios para sus jefes. A su vez, se verá atrapado en una feroz batalla de egos entre los CEO que presiden la empresa donde trabajaba anteriormente (Oldman) y la que trabaja actualmente (Ford). Es casi inevitable hacer una comparación con lo que uno puede llegar a imaginarse que fue la tensa relación entre los genios de la tecnología, Bill Gates y Steve Jobs, obviamente con varios toques de exageración para darle el carácter de thriller. Un film de engaños y espejismos que mantienen interesado al espectador.
Sin ser un producto de excelencia, el director australiano Robert Luketic saca adelante una historia poco original pero que tiene algunos condimentos que disimulan esto último. La especia más poderosa es sin dudas, la presencia de pesos pesados llenos de talento como Oldman y Ford.

Jackass, el abuelo sinvergüenza: Anti cine

*         MALA

Muy divertidas las cámaras ocultas, pero eso no es cine. Tomar una historia recontra mil trillada de relación familiar y usarla de forma patética para darle sentido a una secuencia de cámaras ocultas no constituyen lo que para mí significa hacer cine, una película. En este sentido prefería "Jackass", que iba directamente a los bifes y no se andaba tratando de posicionar como algo que no es. 
Seguramente tiene un público que la irá a ver y se matará de la risa en su butaca, de hecho en varios momentos yo mismo tiré varias carcajadas, pero la verdad es que como producto cinematográfico es básico, malo y poco original. Si estás buscando reírte con un humor bien físico y norteamericano, seguro las pasarás bárbaro y dirás que es una muy buena comedia, pero tenés que entender que lo que acabás de ver es una secuencia de cámaras ocultas, varias de ellas de dudosa verosimilitud, que se ríen de y con la gente, por lo que poco tiene de producto cinematográfico. Poco y nada tiene de film, ya que el guión es prácticamente nulo y la cinematografía y el arte brillan por su ausencia.
Si medimos qué tan divertida es la propuesta, podemos decir que tiene algunos momentos delirantes y bastante divertidos, pero tampoco son muchos. Diría que lo mejor pasa cuando el abuelo sinvergüenza se mete en un local de strippers masculinos y cuando se pone cachondo con las mujeres que pasan por la calle.
La verdad que no hay mucho más por decir. Johnny Knoxville sigue lucrando con sus personajes refritados de Jackass y mientras haya un público dispuesto a pagar la no poco cara entrada de una cine para verlos, lo seguirá haciendo. ¿Alguien lo puede culpar? Creo que no.

La esencia del amor: Cantando para crecer

* * *     BUENA

"Song for Marion" es otra peli que lamentablemente fue directo a DVD, al menos en la ciudad de Córdoba, Argentina. Digo lamentablemente porque es un film de esos que de vez en cuando caen bien, que calientan el corazón y que recargan de pilas positivas al espectador. ¿No abusa de elementos lacrimógenos para engatuzar al espectador? Por momentos sí, pero se los perdonamos por ser totalmente auto consciente de ello, por ponerle humor británico del bueno y por el mensaje que quiere transmitir al público sentado en la sala. 
En varias ocasiones me habrán leído despotricando sobre el uso de golpes bajos en algunos films para lograr empatía con el espectador, y este trabajo del director Paul Andrew Williams ("London to Brighton", "The Cottage") por momentos los utiliza (de ahí la nota no tan alta), pero lo hace de forma muy medida y con un propósito loable, demostrar que la vida es muy valiosa y por eso hay que vivirla a pleno, en este caso, a través del poder sanador de la música (otro buen propósito). Ya se, es un poco trillado, pero también efectivo, sobre todo si se mezcla con buenas dosis de humor y se mechan bien los momentos divertidos con los emocionales.
Como es común en este tipo de películas, la calidad de las interpretaciones y la relevancia de sus artistas es un factor fundamental para no caer en la misma bolsa que otros trabajos lacrimógenos. Sin dudas las actuaciones de dos genios como Vanessa Redgrave ("A month by the lake", "Mission Imposible") y Terence Stamp ("Billy Budd", "Superman II") le subieron algunos puntos a la producción, sobre todo por sus capacidades de conectar con el público y transmitir sus sentimientos en pantalla, lo de plenitud y los de tristeza. Por su parte Gemma Arterton ("Byzantium", "Furia de Titanes") hace un buen trabajo como profesora de canto, pero lo verdaderos pilares de la historia son la pareja protagonista, Vanessa y Terence. Cuando se cantan el uno al otro en algunas partes del film... es realmente para disfrutar y dejar a las emociones correr libres por el cuerpo.
Una peli para entretenerse sin prejuicios, que te hará pasar un buen rato y que te dejará una sensación positiva de la vida, al menos en el corto plazo. No es original, ni super inteligente, pero sabe lo que quiere lograr y lo hace.

Machete Kills: El sangriento mundo de Robertito

* * *     BUENA

"Machete Kills" es un producto que debe evaluarse como lo que es, un entretenimiento bizarro y divertido que reverencia a los filmes clase B de los años 60s y 70s. Si viste la primera entrega sabés muy bien de qué va la segunda, sabés que va a ser más exagerada y lunática que su antecesora. Si no te gusta este sub género del cine, seguramente te encuentres con que este film te resulta una reverenda basura, pero en parte sabrás que es culpa tuya por no haberte informado debidamente antes de ir a verla.
Hay un gran problema con la gente que va al cine esperando ver algo totalmente distinto de lo que realmente se ofrecía. Puntualmente recuerdo de personas que volvieron horrorizadas luego de ver "El árbol de la vida" con Brad Pitt... Pensaron que estaban yendo a ver una especie de "Leyenda de pasión" o "La gran estafa" y se encontraron con el imaginativo complejo de Terrence Malick... La reacción apresurada fue "¡Qué mala película!", cuando en realidad muchos no la entendieron o simplemente estaban programados para ver otra cosa. Con todas las salvedades del caso, con "Machete Kills" sucede algo parecido.
Puede que la locura del director Robert Rodriguez no haya estado en su punto más alto o que la creatividad no haya alcanzado su mejor nivel, pero no se le puede discutir que ha sido consistente con el concepto que ofreció en el comienzo de la saga y que tiene un sentido del entretenimiento bien afilado. Por otra parte, el desfile de estrellas interpretando personajes exageradísimos e hilarantes fue un buen condimento, aportándole más color y variedad al menú. Lo de Mel Gibson es bastante bueno y divierte mucho como villano excéntrico.
Dentro de lo no tan positivo, tenemos la dinámica que se le imprimió a la narración. Hubo tanta carne tirada al asador en los primeros 30 minutos, que los 75 minutos siguientes se aletargan bastante y se vuelven por momentos repetitivos. Las vueltas de tuerca de las vueltas de tuerca terminan agotando un poco y hacia el final uno sólo quiere ver qué tan disparatada termina toda la peripecia.
Concluyendo, es una peli para ver con muchas ganas de divertirse, revivir el cine clase B y bañarse con la sangre bizarra de Robert. En un mes te olvidarás de que la viste seguramente, pero en el momento te va a sacar más de una carcajada nerviosa.

Kon-Tiki - Un viaje fantástico: Aventura tibia

* * *     BUENA

Otra semi decepción épica de verano... No porque la película sea mala, lejos de eso, sino porque su relevancia no llega a ser transcendental, ni espectacular como prometían las promociones y los galardones que exhibía el producto. 
"Kon Tiki" trata sobre una aventura interesante, que proponía ver en formato cinematográfico la hazaña de un noruego loco (Thor Heyerdahl) que para afirmar una creencia "científica", decidió hacer un viaje desde Callao en Perú hasta la Polinesia en una balsa de madera construida a la vieja usanza, como hicieron los aborígenes de la época. Hasta acá todo iba bárbaro, incluso es una producción de alto presupuesto con buenos efectos visuales y sonoros, algo fundamental para un producto de este tipo.
El problema de "Kon Tiki" es la falta de empatía de sus personajes con los espectadores. De algunos de ellos sólo sabemos el nombre (con suerte) y no mucho más, lo que nos impide sentir algún tipo de cercanía más copada. Es como que al final de cuentas no nos importa mucho que suceda con ellos individualmente, sólo queremos ver llegar el navío a su destino y cuantas criaturas marítimas nos ofrezca la producción. Por otro lado, sentí que le faltó drama, riesgo, suspenso, cuestiones que seguramente deben haber aflorado en muchas ocasiones durante la travesía, pero acá sólo se perciben con tibieza y timidez. Tiene un tratamiento medio frío y lineal de su guión, por momentos hasta de tintes inocentes e infantiles. Creo que a muchos nos hubiera encantado encontrarnos con una trama más jugada, que permitiera reír y sufrir como si estuviéramos ahí viviendo todo, pero en cambio nos encontramos con una peli de aventuras bastante correcta que no se animó a ir más allá de lo evidente.
Creo que al espectador más ávido de experiencias y sensaciones, le va a pasar algo parecido a lo que yo viví, no le va a parecer la gran cosa pero la disfrutará, mientras que el amante incondicional del género aventura se va a dar por satisfecho con algunos momentos de tensión auspiciados por tiburones blancos hambrientos y un tiburón ballena muy logrado a nivel efectos especiales.

El hobbit, la desolación de Smaug: Una buena peli de aventuras...

* * *     BUENA

Sorpresa, sorpresa... "El Hobbit: The Desolation of Smaug" no es de lo mejorcito del año, de hecho está muy bien como extensión cinéfila del deseo ñoño de una legión de fans, entre los que me incluyo, pero no es fantástica, maravillosa, como muchos esperábamos.
Lo mejor de la película está en las escenas de Smaug con Bilbo, en sus diálogos pícaros y en la secuencia del escape de los enanos río abajo en barriles de vino que es realmente acrobática y divertida. Lo peor, tiene que ver con estirar y estirar una historia que se puede resolver en 2 películas tranquilamente. Es raro, pero como fan de la tierra media y sus historias, de cierta manera agradezco a Jackson por seguir ofreciéndonos más aventuras y minutos de pantalla para nuestros héroes y villanos favoritos, pero a la vez me está invadiendo una sensación de cansancio, no porque me fatiguen los personajes o sus historias, sino porque en pos de lograr más beneficios económicos los estudios cinematográficos alargan y quitan contundencia a una trama casi sagrada de la literatura. Ya lo expliqué en la crítica de "Los Juegos del Hambre: En Llamas", entiendo como funciona el negocio, pero no puedo evitar sentirme fatigado por el porcionado de historias que no dan para tanto estiramiento.
Si uno analiza parte por parte a "La Desolación..." va a encontrar que todo es muy correcto, los efectos visuales fantásticos, los escenarios muy bien construidos, los personajes cumplen sus roles de manera convincente, pero hay una falta de sensaciones que viene dada en primer lugar por el estiramiento innecesario, pero además hay que partir de la base de que la historia de "El Hobbit" es menos épica que la trilogía de "El Señor de los Anillos". Querer emular aquel gran éxito trayendo personajes que no aparecen en "El Hobbit" como Légolas o inventar nuevos como Tauriel, no ha surtido el efecto deseado.
Para no darle muchas vueltas al tema; esta nueva entrega de aventuras hobbiteanas está pensada para fanáticos absolutos de la historia de Tolkien, esos que tienen a la trilogía de "El Señor de los Anillos" dentro de su top ten de películas preferidas y le perdonan la falta de sopa en el carisma a esta nueva adaptación. Los que se encuentren por primera vez con este tipo de cine, lo verán, lo disfrutarán un poco, pero no se convertirá en una de sus pelis favoritas, les parecerá sólo una buena película de aventuras fantásticas.

Este es el fin: Apocalipsis bizarro que divierte

* * *     BUENA

Esta bizarra comedia de Seth Rogen pasó sin mucha pirotecnia por los cines argentinos, pero la verdad es que es una propuesta muy divertida si estás dispuesto a sumarte a la onda fumanchera del cast. 
Los diálogos, las referencias a otras películas, a la religión y a la amistad entre otros temas, son realmente hilarantes y parecen concebidas en una noche de excesos y muchas sustancias ilegales. El guión es realmente absurdo pero en el buen sentido, sin pretender ser más de lo que verdaderamente es, un producto de humor muy bizarro que se ríe de todo y de todos. No es humor inteligente, ni irónico, pero ya lo sabíamos desde que vimos el trailer promocional.
Para que se ubiquen un poco sobre qué trata este film, cada uno de los actores se interpreta a sí mismo con un gran toque de caricaturización para darle gracia a la trama y elevar el grado de bizarreada. Todo transcurre en Los Ángeles, donde Jay Baruchel llega a visitar a su gran amigo de años, Seth Rogen. Después de un día de fumata, jugar a los video juegos y relajarse, Seth propone ir a una fiesta que se está dando en la casa de James Franco. Muy a pesar de Jay, que sólo quería relajarse con su mejor amigo, parten hacia la fiesta. Cuando llegan se encuentran con muchas otras celebridades que reafirman la idea de Jay de que la gente de Los Ángeles es superficial y falsa. Algunos de los que desfilan por la fiesta son Rhianna, Paul Rudd, Emma Watson y Michael Cera ("Juno") como nunca lo viste en tu vida. Entrada la noche se comienzan a suceder una serie de macabros eventos que derivan en lo que podría ser el apocalipsis bíblico. A partir de este momento, la peli nos sumerge en un estado de constante carcajada, consecuencia de las desopilantes situaciones que se suceden en la pantalla. 
¿Hay que estar fumado/a para poder disfrutarla? No, no es necesario, pero sepan que todo lo que se ve en pantalla parece salido de un mal viaje marihuanero con toques de humor negro. Igualmente, se debe ser un poco cholulo y estar informado acerca de las vidas y personalidades de sus protagonistas, de lo contrario hay muchos chistes que pasarán desapercibidos. Esta es una de las mayores fortalezas de la película, pero también se constituye como una gran debilidad si no sos muy asiduo a las comedias de sus protagonistas.
En conclusión, es un producto divertido y bizarro cuyo objetivo no es convertirse en la mejor comedia de la historia, sino que es muy autoconciente de los efectos que puede generar y se conforma con ello. Para largar carcajadas fáciles.

La sospecha: Seguridades morales en jaque

* * * *  MUY BUENA

Tremendo thriller este nuevo trabajo del talentoso director canadiense Denis Villeneuve ("Incendies", "Polytechnique"), que con una escritura realmente interesante de Aaron Guzikowski ("Contrabando"), logra entregar un producto de alta calidad y realmente entretenido para el cinéfilo en busca de delicatessen cinematográficas.
La trama se centra en los dilemas morales, esos que se tornan tan frágiles cuando nos vemos acorralados por la desesperación y el peligro, ya sea de sufrimiento o de muerte. En esta ocasión particular, estos dilemas se materializan en un padre cuya hija es secuestrada junto a una amiguita vecina un día que parecía normal y sin preocupaciones a la vista. Nadie sabe cuál puede haber sido la razón del secuestro, nadie las puede encontrar (ni la policía que hace todo su esfuerzo), el tiempo pasa y el fantasma del asesinato comienza a volver locos a sus padres. Una pista que parece ser fuerte y la policía ha ignorado lleva al padre de la niña, interpretado por Hugh Jackman, a comenzar una investigación paralela que no seguirá los pasos de la ley y pondrá al espectador en una posición que le exigirá tomar partido y replantearse sus seguridades morales. La contraparte, un policía personificado por Jake Gyllenhaal, deberá seguir los pasos no sólo del secuestrador, sino también del iracundo padre que ha desatado su ira.
Todo en esta película está muy bien aceitado, desde el guión que hace acordar a grandes thrillers como "Pecados Capitales" (aunque no está a su altura), pasando por la dinámica que, sin prisa pero sin pausa, nos lleva al clímax necesario para disfrutar un film que dura más de 3 horas, hasta las interpretaciones que están fantásticas, sobre todo las de Hugh Jackman y Paul Dano. El cast en conjunto eleva el nivel del entretenimiento y lo vuelve muy creíble, siendo esto un mérito compartido con el director que hace un trabajo formidable.
En resumen, una película de muy buena calidad que mantiene al público al borde de la butaca durante casi todo el metraje, que pone en jaque las seguridades que uno cree tener y que presenta la realidad macabra de algunos seres humanos golpeados por la vida. Muy recomendable.

Las brujas de Zugarramurdi: La magia negra de Alex

* * * *  MUY BUENA

El afamado y versátil director español Alex de la Iglesia ("El Día de la Bestia" y "La Comunidad", entre otras) regresa con una comedia tributaria de lo más característico de su cine. Porque “Las Brujas de Zugarramurdi” propone una trama que se cocina en un caldero rebosante de un humor negro salpimentado con esa acidez no tan fácil de digerir, buenas dosis de acción, pizcas de magia negra y cuotas de erotismo bien logradas.
La película abre con una escena en la que Graciana (Carmen Maura), una malvada bruja, profetiza el fin de la cultura occidental y el inicio de nuevos tiempos con la llegada de “El Elegido”. Mientras tanto, José (Hugo Silva), acompañado de su hijo y de Tony (Mario Casas) decide robar una casa de compra de oro. Tras una balacera, ambos deciden huir hacia Francia y secuestran a Manuel (Jaime Ordóñez), un taxista quién luego se suma a la banda. De paso por el pueblo de Zugarramurdi, se topan con Graciana quien, junto a su madre Maritxu (Terele Pávez) y su hija Eva (Carolina Bang), los secuestran para sacrificarlos en el aquelarre que se organiza en las cuevas.
No hay dudas de que Alex de la Iglesia le imprime a su cinta un despliegue visual impresionante: un amalgama de vestuario, arte y maquillaje, que se nutre de una fotografía impactante y una poderosa música. No por nada es que su película ha obtenido diez nominaciones a los Premios Goya próximos a entregarse (en su mayoría en los apartados técnicos). Creo que esto es un punto fuerte porque la cuidadosa ambientación no sólo embellece las escenas sino que realza una historia que hubiese sido muy difícil de materializar sin un departamento técnico-artístico de gran talento.
En cuanto a las actuaciones, Carmen Maura brilla a más no poder en su papel de bruja regente, demostrando así toda su pericia actoral. Terele Pávez (nominada al Goya como mejor actriz de reparto por esta interpretación) hace lo suyo recreando a una bruja de esas clásicas que causan tanto miedo como simpatía. Y el trío conformado por Hugo Silva, Mario Casas y Jaime Ordóñez cumple en términos generales, ofreciendo cada uno gratos momentos de lucimiento personal.
A pesar de que la película tiene secuencias muy logradas en términos cinematográficos (tanto el robo de la casa de venta de oro y del aquelarre al final de la cinta son escenas cargadas de acción y de planos generales que pretenden poner de manifiesto la espectacularidad) y una historia interesante por la variedad de elementos y la intensidad de los modos en que son presentados, si se hubiesen suprimido un par de escenas que acortaran el metraje hubiese dado mayor coherencia a la trama y contribuido a generar una mejor película de lo que ya es.
Las historias con tintes sobrenaturales y fantásticos atraen mi interés personal porque disfruto ver lo que se escurre detrás de la magia. Y más aún si esas tramas están acompañadas de un concepto artístico de riqueza incuestionable. Si a eso le sumamos una dirección que se nutre de acción, oscuridad y comicidad, no hay duda alguna de que todos esos ingredientes combinados en un hechizo de Alex dan como resultado “Las Brujas de Zugarramurdi”. Recomendable a más no poder, incluso para los que no disfrutan de la magia negra de de la Iglesia.

Crítica realizada por Leo Arce.

Una segunda oportunidad: Batalla a la soledad

* * * *  MUY BUENA

Una entretenida comedia romántica que brilla, no tan solo por la inteligencia que se despliega en el desarrollo de la historia, sino también por ser una de las últimas películas filmadas por James Gandolfini antes de su inesperada muerte.
Protagonizada por Julia Louis-Dreyfus, una talentosa actriz de la televisión norteamericana, quien se encarga de darle vida a Eva: una masajista divorciada que vive con su hija quien está a punto de irse a la Universidad. El papel que asume Julia le ha valido una nominación a los premios Globo de Oro entregados recientemente, en la categoría de Mejor Actriz de Comedia. No hay dudas de que Eva es “el personaje” de la cinta y sobre ella pesan los momentos más gratos de la trama: fresca, querible y divertida, sus días transcurren entre el hecho de que no consigue a nadie interesante con quién compartir su vida y la idea de una soledad implacable que llegará luego de la partida de su hija.
El modo en que Eva batallará a esa soledad que la acecha es el punto central de la trama porque dos personajes llegarán a su vida: Albert (James Gandolfini), un simpático empleado de una biblioteca de televisión y Marianne (Catherine Keener), una afamada poetisa. Eva pronto trabará una relación amorosa con Albert a medida de que se acerca amistosamente a Marianne. El destino le hará una mala jugada cuando se entere de que ambos habían estado casados.
El guión tiene diálogos muy bien construidos que dan espacio suficiente para que cada actor pueda recrear a su personaje y dotarlos de toda esa amplia variedad de características que los enriquecen. Pero más allá de esto, la trama está planteada de modo tal que los acontecimientos, enredos y las formas en que son resueltos están unidos bajo un hilo conductor que en ningún momento se tensa para precipitar nada. Todo transcurre de forma natural, sin demasiada prisa pero con cierta agilidad y con guiños atractivos, cómicos e inesperados que importan desafíos para nuestros personajes. El final que la cinta nos ofrece se aleja del concepto facilista que dice: “y vivieron felices para siempre”. La historia se encarga de que el final de la película sea un nuevo comienzo para nuestros personajes. Y eso me gusta.
James Gandolfini nos ofrece una actuación fantástica y muestra dotes actorales distintos de aquellos con los que hizo gala en su papel ícono: Tony Soprano. James brilla junto a Julia y la hace brillar, formando un binomio atípico que genera una empatía instantánea en el público. No se trata de dos actores jóvenes del momento que son puestos detrás de un par de frases angustiosas rodeadas de besos y nada más. Son dos actores adultos que recrean una historia madura e inteligente. Eso ya es decir mucho. Por último, no hay que olvidarse de las actuaciones de las nominadas al Oscar, Toni Collette ("Sexto Sentido") y Catherine Keener ("¿Quieres ser John Malkovich?"), quienes asumen roles secundarios y muy bien planteados.
No soy fanático de las comedias románticas. Es más, muchas veces no puedo ocultar mi desdén por este subgénero del cine pochoclero. Pero me encanta verme derrotado cuando todos mis prejuicios caen al suelo frente a un buen espécimen de aquel. Esta película tuvo la fuerza suficiente para encontrarme a mí mismo riéndome en muchas ocasiones (y eso es un síntoma muy bueno). Quiero más sorpresas de esta naturaleza; muchas más.

Crítica realizada por Leo Arce

El quinto poder: Juliancito el hacker loco

* *      REGULAR

"The fifth estate" es una de esas películas épicas sobre un hecho real que no supo encontrarle la vuelta para atraer al espectador y mantenerlo interesado en lo que tiene para ofrecer. Y es que mientras la miraba en la gran pantalla me iba dando cuenta de qué tan poco me interesaba este tema de Wikileaks y la vida de Julian Assange... ¿Realmente daba para armar un film sobre este acontecimiento? O al menos, ¿era necesario armar un producción cinematográfica sobre un hecho tan reciente? 
La figura de Assange no es tan atractiva como se nos intentó vender durante el conflicto de las filtraciones de archivos secretos de las naciones, de hecho, hay mucha gente en el mundo que todavía no tiene idea de quien es. Para darnos una idea, el australiano Assange es un hacker groso y medio loco que encontró la forma de acceder a información secreta de los estados y el poder político y empresarial. A partir del robo y publicación sin filtro de esta información compuesta por más de 250.000 escuchas, videos y documentos clasificados, es que salta a la "fama", una fama tan efímera como la de un ganador del certamen de Gran Hermano. Esta cuestión creo que pudo ser bastante responsable del fiasco de taquilla que significó su estreno. La gente, teniendo un trailer interesante y las fuertes promociones que se hicieron, no se motivó para ir a disfrutarla en cine, de hecho prefirió otras opciones de cartelera. Para que se den una idea, en su primera semana recaudó menos que las horrorosas "Movie 43" y "Escape Plan".
Personalmente la encontré un tanto aburrida, con tanta solemnidad densa que terminaba por cansar en vez de generar sensaciones de estrés, ansiedad y empatía con los personajes como debería hacer un buen drama. Creo que tenía muy buenos recursos que fueron desaprovechados, como por ejemplo la presencia de actores grosos como Benedict Cumberbatch y Daniel Brühl. Su interpretaciones están bastante bien, pero lamentablemente no fueron acompañadas por un buen guión. Nunca nos muestran bien como funciona Wikileaks, no se sabe mucho del pasado del protagonista, los secundarios aparecen y desaparecen en pantalla sin generar mayores sensaciones, los hechos que generaron escándalos sólo se muestran en pequeños flshbacks. El director Bill Condon ("Saga Crepúsculo: Amanecer 1 y 2", "Dreamgirls", "Gods and Monsters"), una vez más le pifia con un producto que podría haber sido muchísimo mejor de lo que finalmente fue. Me gustaría que vuelva el Bill de "Gods..." y se vaya esta nueva versión crepusculera.

Diana: La peli que quedó chica

* *      REGULAR

Lamentablemente el nuevo trabajo del director alemán Oliver Hirschbiegel ("La Caída", "El Experimento", "Invasión") resultó en una película desabrida que le quedó demasiada chica para la figura de una mujer tan popular y enigmática como fue Diana Spencer.
En primer lugar, al relato le falta corazón, o al menos eso se percibe. La narración se torna pesada y plana, sumiendo al espectador en un estado de aburrimiento atroz. Es duro decir esto, porque personalmente me gustan bastante los trabajos de Hirschbiegel y mi imagen de Lady D era mucho más poderosa de lo que pude ver en esta cinta. Acá la muestran media tontona, inmadura, superficial, nada que ver con lo que uno puede imaginarse que era en su vida privada. Por momentos parecía necesitada, como caliente con el doctor con el que supuestamente tuvo un affair secreto, enamoradiza en el mal sentido... no me gustó.
En segundo lugar, Naomi Watts es una actriz que suelo bancar a muerte, pero acá no hace un buen trabajo. Sí, se aprendió algunos gestos característicos de Diana, pero nunca uno se llega a creer que está frente a la princesa revivida. En todo momento vemos a una actriz tratando de convencernos que es el personaje, cuando esto en realidad debería darse de manera más natural.
Por último, nos presentan una historia de amor secreta entre la figura principal y el médico Hasnat Khan, algo que nunca se validó del todo y que le quita fiabilidad a lo que estamos viendo. Más allá de esto, que siendo verdadero o no podría haber funcionado con otro tratamiento narrativo, el amorío se plantea de manera infantil, casi adolescente e insufrible, asemejando por momentos la dinámica a un drama teen de poca monta.
Creo que los verdaderos seguidores de Diana Spencer no quedarán satisfechos con esta puesta, como tampoco lo estarán los amantes de buenas historias. Quizás los incondicionales de los culebrones de amor se la banquen, pero en general, no es un buen producto.

Los juegos del hambre, en llamas: En zona de transición

* * * *  MUY BUENA

¡Volvieron los juegos mortales más esperados del año! Volvieron y no defraudaron, aunque cuando uno se pone a pensar que aún faltan 2 partes más, es decir, 2 años más (con suerte) para concluir la historia, la ansiedad invade el cuerpo y es imposible no sentir un poco de frustración. Entiendo perfectamente la veta del negocio, pero todo el mundo sabe que sacar 2 excelentes películas del último libro, "Sinsajo", es casi imposible. Esto me preocupa un poco, ya que en esta 2da entrega se comenzó a evidenciar este estiramiento comercial cuyo único fin es abarrotar los bolsillos de algunos pocos con billetes verdes. No estoy en contra de esto, pero sí de sacrificar la integridad de una historia en pos de ganar más dinero. He dicho.
Con respecto a la película en sí, el director Francis Lawrence ("Constantine", "Soy Leyenda", "Agua para elefantes") hace un buen trabajo puliendo aspectos de trama, visuales y de interpretación. Esta vez se le presta un poco más de atención al drama y no tanto al juego en sí, lo cual es bueno y marca una pequeña evolución con respecto a la primera, pero en sí la fórmula se mantuvo intacta. 
A la primera entrega le puse de nota un "Excelente", sobre todo porque con tanta saga pop mediocre, "Los Juegos del Hambre" se había configurado como un producto que no insultaba la inteligencia del espectador y lo mantenía enganchado al 100% con una historia que iba mucho más allá de una amorío adolescente entre protagonistas. Su dinamismo y temática hacía que fuera un verdadero disfrute cinematográfico. En el caso de esta secuela, se sigue la línea pero puliendo algunos aspectos que naturalmente podían mejorar, como es el caso de la parte visual y sonora de las secuencias como la carga dramática que va adquiriendo el relato. ¿Por qué entonces le bajo la nota a "Muy Buena"? Porque en los últimos 10 minutos te das cuenta que todo lo que estuviste viendo durante los otros 130 minutos que dura el film podría haber sido más groso, más dramático, más épico, más inteligente. Uno se percata de que el director estiró el chicle para cumplir con los productores y que a último momento hace un real despliegue de sus capacidades para enganchar al público y tenerlo como loco hasta la próxima entrega. La última parte de esta secuela da cuenta de que Francis Lawrence podría haber superado ampliamente a la entrega original de Gary Ross si no hubiera dilatado tanto el momento culmine de la trama, pero en vez de hacer esto, se lo reserva para seguir estirando el chicle.
Por el lado de las interpretaciones, Jennifer Lawrence (Katniss) está fantástica como siempre, adquieren más relevancia los personajes de Josh Hutcherson (Peeta), Liam Hemsworth (Gale) y Donald Sutherland (Snow), y se suman algunas nuevas caras con un buen trabajo en pantalla como es el caso de Jena Malone (Johanna), Sam Clafin (Finnick) y Philip Seymour Hoffman (Plutarch).
En conclusión, la película cumple con las expectativas, mantiene involucrado al espectador y mejora algunos aspectos con respecto a su antecesora, pero también revela el objetivo comercial detrás del estiramiento eterno que están haciendo con la obra cinematográfica. Da la sensación de que puede ser mejor y que se está reservando sus platos fuertes para las dos última entregas.

El Mayordomo: Una mirada sobre el racismo y los derechos civiles

* * *     BUENA

El aclamado director de “Precious” (2009), Lee Daniels, nos propone una cinta que cuenta la historia sobre las barreras impuestas por la discriminación y el odio racial en Estados Unidos, el despertar de la conciencia por parte de los oprimidos a través de la lucha por las conquistas civiles y la mirada de alguien quien fue preparado para exclusivamente servir. Buena parte de la historia  norteamericana pasa por las manos de Daniels, quien nos ofrece un producto con imágenes de archivo pero con ciertas falencias desde lo argumental.
Cecil Gaines (Forrest Whitaker), un mayordomo de la Casa Blanca que prestó sus servicios entre 1957 y 1986, a lo largo de varias administraciones presidenciales que tuvieron que afrontar los problemas generados por el racismo y la lucha de los derechos civiles de las minorías en Estados Unidos. Estas fricciones sociales rompieron ciertos esquemas del mismo modo en que Cecil los rompía con cada taza de café que sirve y un par de palabras que le dirige al presidente de turno.
El ganador del Oscar por “El último Rey de Escocia” (2006), Forrest Whitaker, compone un personaje que lo va explotando desde muy adentro, imprimiéndole un carácter tranquilo y dócil, pero con una extrema fortaleza. La Academia de Hollywood debería considerar esta interpretación. La famosa presentadora de la televisión norteamericana, Oprah Winfrey, brilla como Gloria, la esposa de Cecil, y quizás estemos ante una interpretación presente en los premios Oscar en la categoría de Mejor Actriz de Reparto. Completa un muy buen elenco las pequeñas intervenciones de Robin Williams y Alan Rickman (ambos como presidentes norteamericanos), sumadas a las de Cuba Gooding Jr., Terrence Howard, Lenny Kravitz y Mariah Carey, entre otros.
El modo en que esta película es presentada en la pantalla hizo que mi mente rememorara una perla del cine: me refiero a “Forrest Gump” (1994) de Robert Zemeckis. En esta multipremiada cinta, gran parte de la historia norteamericana del siglo XX se expone tangencialmente a través de la mirada y las vivencias de un personaje: Forrest. Lee Daniels parece optar por presentar el argumento de su obra de la misma manera en que lo hizo Zemeckis. Pero en “El Mayordomo”, esos hechos no son presentados exclusivamente desde la óptica de nuestro protagonista, sino también a través de la de su hijo; Louis, cuya vida se cuenta en un arco argumental secundario que, por momentos, se hace una línea principal. Al ser dos personajes antagónicos desde sus posiciones políticas, no se logra cierta armonía en esas miradas y, aún cuando el director opta por jugar con la contraposición de ópticas, tampoco enriquece la historia. El efecto “Forrest” se queda a mitad de camino, como si fuese una mera buena intención. Pese a ello, la historia racial está bien presentada.
Otro punto que merece mencionar consiste en las dificultades de Daniels para generar un ambiente emotivo. Muchas escenas podrían haberle robado alguna que otra lágrima al espectador. Pero esa magia no logra explotar y es una pena porque una lágrima levanta el espíritu de quien la ve, teniendo en cuenta de que se trata de una cinta que supera las dos horas de duración.
En los ´90, diríamos que “El Mayordomo” arrasaría en una noche de entrega de premios de la Academia, ya que tiene todos los elementos para hacerlo: un modo formal de para dirigir una cinta, aspectos técnicos y artísticos muy cuidados, poderosas actuaciones y un guión que relata la vida de una personaje contada con detalles de la historia norteamericana como contexto. No habría académico que se resista a votarla como Mejor Película. Hoy, las cosas han cambiado y difícilmente veremos a “El Mayordomo” ingresar entre las nueve/diez películas que aspiren a la máxima candidatura del Oscar. Aunque puede “manotear” un par de nominaciones. No dudo de ello.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

Lluvia de hamburguesas 2: ¡Viva la comida!

* * *     BUENA

Sigue enraizándose la costumbre de largar secuelas animadas. 2013 fue el año del regreso de muchos personajes (Mike y Sullivan de Monsters University y Gru con Mi Villano Favorito 2 son claros exponentes). Y la película animada de Sony Pictures estrenada en 2009 no podía ser la excepción. Se trata de una secuela por naturaleza, ya que su inicio engarza perfectamente con el final de la primera cinta.
Con una pequeña introducción que explica lo ocurrido en la primera entrega, la trama nos reencuentra con Flint Lookwood y su equipo de amigos, quienes deben regresar a la isla donde vivían luego de haber sido relocalizados para que la empresa de Chester V (inventor ídolo de Flint) realice tareas de limpieza de las sobras de comida. Al llegar a su ciudad, descubrirán que el invento que transformaba el agua en comida no fue destruido y que las sobras han tomado vida propia, creando un perfecto ecosistema. Mostruosas y gigantes hamburguesas y tacos  amenazan con cruzar el océano y destruir el continente. Flint y sus amigos deberán evitar una nueva catástrofe, bloqueando su invento y destruyendo los monstruos. Aunque en esa tarea, se toparán con gratas sorpresas.
La originalidad de la película la encontramos en la creación de un mundo donde los reinos vegetal y animal son formados por alimentos. Una interacción más que interesante de ver, con una multiplicidad de colores y de gran riqueza, es un perfecto escenario para que los personajes se desenvuelvan. Un mundo en el que algunos que otros vegetales parlantes le aportan ternura y gracia, dando destellos de diversión. Verdaderamente, un placer visual y en este aspecto, celebro la comida.
El punto débil de esta cinta han sido los tremendos dejá vu que me produjo verla. En algunas escenas, creía estar viendo una especie de versión animada de Jurassic Park de Steven Spielberg (1993) cuando criaturas prehistóricas de comida corrían tras nuestros personajes; en otras, veía en su plenitud el clima tropical y las extensiones selváticas de Pandora y toda esa bioluminiscencia que James Cameron nos regaló en Avatar (2009); y por último, cierto mensaje ecologista que se escurre detrás de la trama trae a una cierta conexión con la versión de Disney de Pocahontas (1995). El rejunte de elementos de allá y de acá resulta más que evidente y esto le resta creatividad y efectividad a los aspectos técnicos que tan logrados están. La ausencia de ideas no justifica la reproducción o calco de concepciones o imágenes de otras cintas y, si se lo hace, creo que los productores deberían tener un touch de sinceridad y explicitar esos “homenajes” a otras cintas.
Pese a ello, “Lluvia de Hamburguesas” es divertida, tierna y ágil. Esta segunda entrega cumple con una animación que se disfruta y que es atractiva  visualmente. No es de lo mejor desde el punto de vista argumental, pues no aporta nada distinto. Pero para los chicos, va a ser una buena diversión. Y creo que para los más grandes también.

Crítica realizada por Leonardo Arce.

El abogado del crimen: El experimento de Ridley

* *      REGULAR

El nuevo trabajo del realizador Ridley Scott ("Alien", "Gladiador", "Blade Runner"), no fue muy bien recibido, ni por la crítica ni por los espectadores. ¿Cuál fue el problema? En mayor parte lo que no gustó fue su narración complicada y demasiado ostentosa. La cohesión de la trama no tiene formato clásico, de hecho es bastante compleja y se centra en la importancia de los diálogos y no en la conexión de las secuencias. Los personajes están cubiertos por bizarros velos narrativos que no permiten conocer en profundidad quienes son, velos que dificultan la conexión con el público y que le dan un tratamiento demasiado frío a cada uno. La película tiene escritura del afamado Cormac McCarthy, responsable de novelas como "No country for old men", que también se convirtió en película ganadora del Oscar, y "La Carretera" de la cual salió también otro film que protagonizó Viggo Mortensen. McCarthy es un tipo muy respetado y alabado por algunas personas y a su vez es bastante criticado y menospreciado por otras. Sus novelas y guiones no son comunes y presentan una línea de narración que puede gustar mucho o ser odiada con fuerza. Con el film de Scott pasa lo mismo; algunos dirán que es fabuloso y que pone sobre el tapete dilemas morales de la vida interesantes para analizar, mientras que otros sólo se aburrirán y pensarán que al pobre Ridley le pegó el viejazo. Personalmente, no la disfruté mucho y por momentos me aburrí. De todas maneras, le reconozco la iniciativa de tratar de hacer algo diferente y me doy cuenta de que el hecho de que no me haya gustado a mi no quiere decir que sea del todo mala. Hay baches de narración y algunas secuencias varias innecesarias fruto del capricho del director, pero fuera de esto los demás elementos de la cinta son tan experimentales que sería muy soberbio de mi parte tildarlos rápidamente de malos.
Aconsejaría que los espectadores que estén más adecuados al cine mainstream, de narración clásica, directamente eviten esta propuesta. Si son de los que están abiertos a un cine no tradicional, un tanto más pretencioso, pueden ir y sacar conclusiones por sí mismos, pero no les puedo asegurar que les vaya a gustar.

Cuestión de tiempo: Maldito Richard Curtis

* * * *  MUY BUENA

Maldito Richard Curtis... Así voy a empezar este crítica. Es increíble la facilidad que tiene este hombre para crear buenas historias que garantizan la humedad visual, y por eso lo maldigo, ya que soy de los que se jactan de no caer mucho en la emotividad cinéfila. Con "Cuestión de tiempo" y su anterior trabajo, "Love Actually", perdí la batalla por K.O. Es verdad que por momentos se vuelve un poco cursi de más, y pega con un garrote para producir la catarata lagrimal, pero lo hace sin tapujos, sin querer esconder el golpe, mostrando siempre la mano con la que va a pegar. ¿A qué me refiero? Cuando uno va al cine a ver un producto de Curtis, sabe a lo que se está exponiendo y él nunca engaña con lo que muestra en pantalla. Sus historias son originales, divertidas y tienen un tinte romántico pegajoso y desprejuiciado del cual está orgulloso.
En esta ocasión nos presenta una historia de fantasía en la que Tim (Domhnall Gleeson), un joven inglés medio nerd, cuando cumple sus 21 años puede comenzar a viajar en el tiempo como es la costumbre de todos los hombres de la familia. A partir de esta habilidad, nuestro protagonista tratará de encontrar al amor de su vida, cuestión que eventualmente logra. El nudo de la trama viene por el lado del uso de esta habilidad, que si bien lo ayudará a sortear varios obstáculos que pone la vida, su aplicación no será tan simple y satisfactoria como aparentaba a primera vista.
La película está planteada con mucho humor británico, del bueno, inteligente e irónico, presenta una idea que si bien se ha utilizado muchísimo, tiene un tratamiento bien creativo y bajado a tierra, sin máquinas futuristas ni efectos pirotécnicos. Es una película sobre el amor, la fraternidad y el aprender a vivir la vida. Si no es esto lo que estás buscando, mejor ni te gastes en ir a verla. Ahora, si sos de los que están abiertos a todo tipo de experiencias y no tienen problemas en emocionarse con una relación padre-hijo, hermano-hermana o entre amantes, Curtis te va a sorprender y te va a hacer pasar un buen rato. Para mí, las películas de este director son un buen ejemplo de que se puede hacer comedia romántica con inteligencia, humor del bueno y sin caer en lo clichés típicos del género. Recomendable!

The Iceman: Padre, esposo, mercenario

* * *     BUENA

"The Iceman" es un drama biográfico basado en la vida real de Richard Kuklinski, un frío asesino a sueldo que mantenía una doble vida, por un lado como brazo ejecutor de la mafia y por otro como un ejemplar padre de familia que supuestamente trabajaba en el mercado de acciones. Lo interesante de esta historia está justamente en esta dualidad, ciudadano común - asesino a sueldo, un tipo que con todos sus problemas formó una familia, la quiso, le dio todo lo que un padre podría darle a su esposa e hijos, pero por otro lado mataba a sangre fría a cuanto tipo le señalara el mafioso Roy Demeo, interpretado por Ray Liotta.
Una de las grandes virtudes del film tiene que ver con su protagonista; el ascendente Michael Shannon compone a un personaje bien atormentado, conflictuado por su doble personalidad pero a la vez tan frío que el título de la película no podría haber sido mejor. Su actuación es creíble y logra que el espectador se pueda conectar con un personaje tan difícil como un tipo inexpresivo, frío y de pocas palabras. Winona Ryder, casi desaparecida de la gran pantalla actualmente, también hace un buen papel como la esposa inocente de Kuklinski, y también se puede ver a un irreconocible Chris Evans dando vida a un personaje bien alejado de los que suele interpretar habitualmente.
Con respecto a lo no tan interesante de este producto, podemos señalar el clima aletargado que le imprimió el director Ariel Vromen. Si bien el trabajo sobre los personajes es fabuloso y se buscó darle realismo al relato con respecto a los hechos que verdaderamente tuvieron lugar, le faltó un toque más de dinamismo, no en el sentido hollywoodense bruto, sino en el avance de las secuencias y en las sensaciones que produce el trabajo. Me percaté de que había momentos donde se suponía que el pavor o el asombro invadieran mi cerebro, pero en lugar de esto los asimilaba con la misma frialdad que exponía su personaje principal. En este sentido creo que a Vromen se le fue un poco la mano con el frío que proyectaba desde la pantalla y debió darle alguna vuelta de tuerca más a la relación trama - espectador. De todas maneras es un film disfrutable, de buena calidad interpretativa y de un realismo bien trabajado. A los que son muy impacientes en cuanto al ritmo de una película, tengan cuidado ya que no es lo más dinámico que van a ver en sus vidas.

Thor, un mundo oscuro: Marvel Evolution

* * * *  MUY BUENA

Bastante se habló sobre los supuestos problemas de producción de esta esperada secuela de Marvel. Se decía que hubo problemas de filmación, para lograr las escenas requeridas y sobre todo con la historia que se había guionado. Bueno, para tantos inconvenientes de producción, debo decir que el resultado hizo valer completamente el esfuerzo y los dolores de cabeza que se puedan haber generado. "Thor: The Dark World" es mejor que su primera entrega, más madura, más pulida y más consciente de lo que el espectador desea del producto. La primera película de esta franquicia dirigida por Kenneth Branagh marcaba un buen inicio, pero todo estaba programado como en período de prueba. No se sabía bien aún el interés que generaría en los espectadores y tampoco estaban conscientes de los puntos más fuertes del menú, en cambio esta secuela de Alan Taylor, conocido por estar al frente de capítulos para series importantes como "Game of Thrones", "Los Soprano" o "Mad Men", corrió con la ventaja de saber que al fan le gustaron mucho los toques cómicos de "Los Vengadores", que Loki es más popular que el mismísimo Thor y que había mucha hambre de dramatismo, cuestión que tomó una altura relevante en esta batalla entre la luz y la oscuridad. 
En general tiene algunos aspectos bien interesantes, como por ejemplo el trabajo conjunto entre héroe (Thor) y villano (Loki) para derrotar a una fuerza maligna mayor. El humor constante y pícaro combinado con situaciones dramáticas, también jugaron un rol fundamental para pasear al espectador por una montaña rusa de emociones. Y hablando de rusos, la pequeña pero relevante participación de Rene Russo como Frigga fue refrescante y muy disfrutable. Por el lado de las interpretaciones, todos estuvieron muy bien destacándose las labores de Christopher Eccleston como el villano Malekit y Tom Hiddleston en su rol habitual de Loki. 
Marvel sabe bien lo que hace, comercialmente y con respecto a la calidad de sus trabajos, a excepción de la discutible "Iron Man 3" que me parece se fue de mambo y se terminó centrando en las secuencias de acción. Peli sobrevalorada si las hay. "Thor: The Dark World" es muy equilibrada, tiene grandes efectos visuales y de sonido, las secuencias de batallas son épicas y la trama es realmente interesante.
Concluyendo, esta secuela de las aventuras del dios del trueno pisa fuerte y puede llegarle tanto al fan empedernido de las super hero movies como al público no tan asiduo a los comics y las pelis de superhéroes. La evolución en los productos de Marvel toma la punta con este film.