Marcos Carnevale (autor de libretos de las más importantes tiras diarias de Pol-Ka y director de exitosas películas nacionales como "Elsa & Fred", "Anita" y "Viudas") dirige una nueva película que nos reencuentra con el versátil y querido Guillermo Francella en la pantalla grande. “Corazón de León” presenta a un Francella más maduro actoralmente, que dosifica en la medida justa su talento para la comedia y sus indiscutibles toques dramáticos. Carnevale supo apreciar esta circunstancia y la explotó con efectividad, acompañándolo de Julieta Díaz (como su dupla) y un gran elenco. La historia se centra en Ivana Cornejo (Julieta Díaz), una abogada asociada profesionalmente a su ex-esposo Diego Bisoni (Mauricio Dayub). Tras discutir con él telefónicamente, arroja a la basura su celular. Horas después, Ivana recibe la llamada de un extraño quien halló el celular, con la intención de devolvérselo. Al entablar una charla interesante y simpática, en la que ambos “pegan mucha onda”, acuerdan encontrarse para devolver ese celular. La sorpresa se la llevará Ivana cuando vea llegar a León Godoy (Guillermo Francella), un arquitecto exitoso pero con una particularidad: mide menos de 1.5 metros. Ella muy alta; él demasiado bajo. Pero eso no fue impedimento para que el amor comenzara a fluir entre ambos, en medio de una lluvia de prejuicios, estereotipos y convencionalismos sociales que ven con malos ojos esa diferencia de altura. El guión presenta una multiplicidad de condimentos que son bien desarrollados, haciendo atractiva la historia: una relación atípica entre alguien alto y bajo (pudiendo presentarla como bizarra, inteligentemente no lo hace), los modos de aceptación de esa relación, la lucha contra los prejuicios y las limitaciones que se le atribuyen a las personas de escasa estatura, la imagen de persona exitosa (identificada con una elevada estatura), la visión de los terceros, entre otros. Algunos son contados en clave de comedia; otros, desde la perspectiva del drama. El problema se presenta, una vez más, en la naturaleza del género al que corresponde el guión: ¿es comedia?, ¿es drama?, ¿es una comedia dramática o un drama con toques cómicos? La comedia es llevada con la naturalidad propia de Guillermo Francella y potenciada por la participación de Jorgelina Aruzzi, quien protagoniza escenas que hace desbordar de carcajadas al espectador. El drama, obviamente corre por cuenta de Julieta Díaz, en el desarrollo del trauma de aceptación de su relación, y de Francella, volviendo a demostrar su capacidad dramática que ya demostró con “El Secreto de sus Ojos”. Ambas facetas cumplen muy bien en el marco del argumento, pero se produce una distorsión a la hora de mezclarlas y unificarlas para darle unidad al guión. No se logra armar la moneda con sus dos caras; tampoco sé si la película tuvo aspiraciones mayores que fueron disminuyendo su altura durante su desarrollo o comenzó pequeña para ir creciendo hacia el final. Sin embargo, esto no desmerece el producto final, que es satisfactorio y disfrutable de principio a fin. La química de la pareja protagonista es su carta de presentación y el espectador logra percibirla, lo que constituye algo altamente valorado. Asimismo, destaco las participaciones de Nora Cárpena (madre de Ivana) y Claudia Fontán (ex-esposa de León), ambas en papeles pequeños pero efectivos y muy bien armados, aparte de la presentación de Nicolás Francella y toda su frescura. No hay que olvidarse de los aceptables efectos especiales, que logran a León (recreando una suerte de hobbit argento). Sea comedia, drama, mezcla de ambos o lo que fuera, esta película es un indicador más del buen momento que vive el cine nacional y de la masividad de espectadores que concurren a las salas a disfrutarlo. Frente a las comedias norteamericanas que son cachetazos al buen gusto, este buen intento argentino deja “chiquitos” a los livianos intentos hollywoodenses. Crítica realizada por Leonardo Arce
Hace bastante que no me topaba con una comedia tan simpática como esta. Es verdad que no es la gran cosa, ni la comedia más sagaz del género, pero tiene un muy buen trabajo sobre los personajes que llegan a ser por momentos muy divertidos y sobre todo, permiten al espectador sentirse identificado con ellos, elegir favoritos, tomar parte, y eso es muy importante para el éxito de una película. La trama se centra en David (Jason Sudeikis), un pequeño distribuidor de marihuana que en una pelea callejera pierde el dinero de unas ventas y le queda debiendo al zar de la droga Brad Gurdlinger (Ed Helms), un mafioso muy particular, un tanto ñoño pero malo y tramposo como pocos. Para no ser asesinado por los matones de Brad, David deberá cruzar a México, reunirse con un narco muy peligroso y traer un pequeño cargamento de marihuana, pero para poder hacerlo sin ser descubierto en la frontera debe armarse una coartada, en este caso, contratar 3 cómplices y hacerse pasar por la típica familia hillbilly norteamericana que anda de vacaciones por el país de los tacos y los mariachis. Los cómplices son una stripper interpretada por Jennifer Aniston, amigándose luego de varios fiascos con el género de la comedia, Emma Roberts como una joven muy problemática y rebelde que se escapó de su hogar y Will Poulter como un adolescente virgen, ingenuo y de buen corazón que sólo quiere tener una verdadera familia. Este último actor, Will Poulter, es de lo más divertido de la película, con momentos realmente bizarros y graciosos que seguramente te sacan una carcajada espontánea. La trama y el nudo de la misma no es una obra de arte, hay que decirlo, presenta muchos clichés, situaciones de tensión resueltas con desenlaces inverosímiles y algunos gags sobre los mexicanos que pueden ser ofensivos, pero más allá de esto el director Rawson Marshall Thurber ("Dodgeball") se las arregla para divertir a lo grande parodiando el tráfico de drogas, a la "gran familia estadounidense" y a la sexualidad de las personas. En resumen, una comedia simpática, bastante divertida y que no abusa de este nuevo subgénero de la comedia llamada "nueva comedia americana". Se combinan de manera muy efectiva el humor clásico americano con este nuevo humor más zafado e hilarante que sobrevuela los temas tabús de la sociedad. Recomendable para parar la mente un ratito y dejarse llevar por la locura de los Miller.
Se torna difícil encontrar una película de animación no nacida del seno de las industrias hollywoodenses que tenga la proyección como la que ha tenido “Zambezia”. Originaria de Sudáfrica, se trata de un producto que no es tributaria de la estética de Disney-Pixar o de Dreamworks, pero que eso no significó impedimento para su estreno en las salas de nuestro país. Extraño, pero posible gracias a las voces aportadas por grandes personalidades del cine norteamericano tales como Jeff Goldblum ("Jurassic Park"), Abigail Breslin ("Little Miss Sunshine") y Samuel S. Jackson (¿hace falta que mencione alguno de sus filmes? Creo que no). La película cuenta la historia de Kai, un joven halcón que vive con su padre Tendai, quien le ha inculcado la idea de que, en la vida, hay que sobrevivir. Confinados en un lugar desolado, Kai recibe una visita inesperada que lo anoticia de la existencia de una magnífica ciudad llamada Zambezia, en las que viven ciento de especies de aves, en paz y seguridad. Desafiando la negativa de su padre, Kai decide unirse a una bandada de aves que se dirigen a aquel lugar con el deseo de obtener una vida que no signifique sobrevivir. Una vez allí, el halcón se asombrará de su belleza, lo adoptará como su hogar, vivirá múltiples aventuras para transformarse en miembro de “Los Huracanes” (aves protectoras), conocerá los detalles del pasado de su familia y deberá proteger la ciudad de un grupo de iguanas lideradas por Budzo quien, junto a una bandada de aves de rapiña, conspiran para gobernar Zambezia. Es de destacar que, pese a la disminuida calidad de la gráfica de sus personajes (quizás los personajes más secundarios son los más logrados visualmente), cuenta con escenarios naturales de impecable realización. Digno es de ver la primera vista de la ciudad de las aves, insertada en unas imponentes cascadas de aguas claras, y la sabana africana, en la que nuestro protagonista realiza un vuelo acrobático en cámara lenta, muy a lo “Ga’Holle, La Leyenda de los Guardianes” (2010). Mención especial merece la maravillosa y perfecta música que utiliza los sonidos africanos más característicos para ensalzar cada momento de la película, constituyendo este aspecto artístico, el más valioso. Pero estos buenos aspectos estéticos no logran esconder los problemas que el guión presenta. Por momentos los personajes se enroscan en reflexiones filosóficas, como cuál es el correcto sentido de la vida (si sólo implica sobrevivir o si ofrece un amplio abanico de variables a tener en cuenta). En otros, aparecen claras referencias a la exclusión social y los derechos no respetados (las aves de rapiña cuestionan el por qué Zambezia los excluye del disfrute de los beneficios de la convivencia en comunidad). Son temas interesantes en una película animada si el destinatario de ella no fuera exclusivamente el público infantil (imagino muchas caras de niños que les preguntan a los adultos que los acompañan “¿qué están queriendo decir?”). Si el tiempo dedicado a las reflexiones hubiese sido utilizado el recrear escenas de aventura o mejorar las ya realizadas, el resultado se hubiese optimizado. Es por ello, que el guión se queda a mitad de camino, aún con todo el potencial que ofrecían los interesantes elementos que integraban la historia. Con una de cal y otra de arena, “Zambezia” es un producto aceptable que tenía todo lo necesario para ser mucho más de lo que, efectivamente, es. Pero ello no debe quitarle ni una pizca del mérito que adquirió, al ser una las pocas animaciones no hollywoodenses que pisaron los cines argentinos. Y en formato 3D. Crítica realizada por Leonardo Arce.
Cuando leí las reseñas de otros colegas pensé: "Uf... otra peli que cobra duro sólo por ser una remake de un producto bélico..." No podía estar más equivocado. Bien defenestrado está este film berreta de inteligencia cero y un sentido del patriotismo estúpido. Aclaro que no estoy en contra del patriotismo, ni el de Estados Unidos, ni de ningún otro país, ya que de hecho la definición misma nos indica que se trata del amor que siente un individuo por su tierra natal, los valores y la cultura que lo ligan emocionalmente, cuestiones que me parecen muy buenas y valorables. En "Amanecer Rojo" el patriotismo es tomado a lo bruto y se confunde amor por la patria, por cowboys adolescentes cumpliendo su fantasía de jugar al Call of Duty real. Patriotismo no implica cagarse a tiros para defender la nación, pero bueno, está demostrado que para muchos norteamericanos significa exactamente eso. Del vamos la premisa era bastante absurda, tanto en la versión original de 1984 como en esta remake fallida. Que un grupo de gente de pueblo que nunca tocó un arma le haga frente a la invasión de un ejército, como el norcoreano en este caso, es completamente absurdo. Acá los protagonistas pasan de ser porristas y jugadores de fútbol americano a expertos en armas y tácticas de combate. En una escena podemos encontrar a los adolescentes gritando prisioneros de los invasores y a la siguiente están agujereando cuerpos como si estuvieran poseídos por Schwarzenegger y el pelado Statham juntos. La trama es realmente burda, inverosímil y no aporta nada bueno al género de acción. Los baches de guión son evidentes y se nota que hubo un esfuerzo poco efectivo por tratar de tapar esas falencias incrementando la cantidad de tiros y explosiones. Sabemos que hay un segmento de espectadores que se dejan seducir por la pirotecnia pura sin mucha historia que la respalde, pero como se puede ver en los resultados de taquilla, no es lo suficientemente grande (por suerte) para convertir al film en un éxito incomprensible como ha pasado con otros trabajos pésimos. La verdad es que no es recomendable en ningún sentido, ni por el lado de la acción, ni por su trama. Un fiasco.
¿Me estaré volviendo más bueno?... me preguntaba luego de ver "V/H/S 2" y en realidad me di cuenta de que no debía quitarle mérito al trabajo de los directores, que a diferencia de la entrega anterior, hicieron un trabajo mucho más parejo, interesante y de mayor calidad fílmica. La cantidad de cortos se redujeron a 4, un poco más extensos pero con un trabajo más profundo en su trama y en los detalles de filmación, con un uso de cámara en mano más creativo y convulsionado. Para comenzar, debo resaltar que los climas generados por este segundo trabajo son mucho más efectivos que el primero, creando ansiedad, miedo y horror en un espectador que no se esperaba esta mejora en el producto. Hay algunas secuencias que verdaderamente sacan un WTF! de la mente de cualquier persona que esté viendo el film. Más bizarra y menos descerebrada que su predecesora logra mantener interesado al público, incluso con momentos de humor negro. Si debo poner en la balanza los cortos individuales, diría que el corto troncal que atraviesa toda la película es lejos el más flojo y aburrido de todos. Al igual que en "V/H/S", la trama que justifica el visado de los cortos que se encuentran en la misteriosa casa es bastante estúpida. En este caso, dos investigadores andan tras los rastros de un joven estudiante que ha desaparecido de su casa. Para encontrarlo, se meten en una casa que aparentemente está deshabitada y encuentran la colección de videos... el desenlace es similar al de la primera. El 1er corto del director Adam Wingard ("You´re next", "V/H/S - Tape 56") llamado "Phase I Clinical Trials" y el 4to corto de Jason Eisener ("Hobo with a shot gun") con el nombre "Slumber Party Alien Abduction" son los que siguirían en el nivel de calidad. Con ejecuciones desparejas, logran interesar pero dan la sensación de estar incompletos y un poco traídos de los pelos, aunque las ideas de base para cada uno fueron fabulosas. El problema principal que tuvieron es que se quedaron cortos con el clima de terror y los momentos cumbre no llegaban a desesperar al espectador. Por su parte, el 2do y 3er cortos son muy buenos, sobre todo el tercero que te vuela la cabeza y te deja con las dos manos en la cara pensando "¡¿Qué carajo acaba de pasar?!". El 2do mini film llamado "A ride in the park" fue creado por Gregg Hale y Eduardo Sánchez, director y productor respectivamente del éxito noventoso "Blair Witch Project", mientras que el 3er corto llamado "Safe Haven" estuvo bajo el mando de Gareth Evans ("The Raid") y Timo Tjahjanto. No quiero spoilear, pero para que se den una idea verán aliens, espíritus malignos, sectas y zombies. Una peli para disfrutar sin muchos prejuicios ni pretensiones, dejando que el juego los lleve hacia un mundo de gente muy loca y terrorífica. No es el mejor trabajo de terror del año, pero se nota que han mejorado el producto y que la fórmula, si se sigue afilando, puede dar a luz a más entregas y atraer una cantidad mayor de espectadores.
El director inglés Ken Loach viene a proponernos una comedia liviana, disparatada y divertida, pero añejada en un duro trasfondo social. De cierta manera, logra amalgamar drama y comedia de un modo interesante. Porque “La parte de los ángeles” es un reflejo de esa mezcla que gusta; una buena manera de desdramatizar situaciones mediante la efectiva utilización del tono de comedia. Robbie (Paul Brannigan), un joven con problemas de violencia sobre sus espaldas, se transforma en un joven padre. Condenado a la realización de trabajos sociales a los fines de eludir la prisión efectiva, decide darle a su pequeño hijo y a su novia (una buena influencia para él) una vida diferente a la que él vivió. Junto a otros “inadaptados sociales”, Rhino, Albert y Mo, comparte sus largas horas de tareas comunitarias. Henri (John Henshaw), quien supervisa ese trabajo, los adentra en el mundo secreto del whisky. El punto inicial: un brindis tras el nacimiento del hijo de Robbie. Tras visitas a destilerías, reuniones y degustaciones, él va descubriendo su talento como catador y, de a poco, va cultivándolo. La subasta de una bebida añejada y valuada en miles de libras, se transforma en la oportunidad perfecta para que el grupo de jóvenes cambien sus destinos para siempre. La historia se abre mostrando a varios jóvenes con ciertos problemas de adaptación. A través de la mirada de Robbie, se explicitan problemas como la exclusión, la violencia, el rencor y la venganza. Como si fuese un callejón sin salida, el espectador trata de ver una luz al final del túnel para nuestro desafortunado protagonista, pero se torna difícil de encontrar. La escena de la visita guiada a una destilería divierte, entretiene y marca, quizás, un quiebre en la película. El whisky, a modo de metáfora, se transforma en esa luz de esperanza; en la redención para los personajes y en la puerta abierta para escapar a la dura realidad de sus contextos personales. Y a partir de ahí se desatan una serie de situaciones disparatadas, apoyadas por un buen elenco que se comen las escenas cómicas. La película dura lo que debe durar: una justa medida para contar una historia sencilla pero madura. Pero ¿qué es “la parte de los ángeles”? Vale la pena mencionarlo. Es ese 2% de whisky que se evapora cada año en el proceso de su formación. Se trató de una breve referencia al título de la película que se hace en la destilería. Pero esa idea no se aplica a la historia: la trama no se evapora; por el contrario, se solidifica. Y de una manera que entretiene. Para degustar de lo lindo... Crítica realizada por Leonardo Arce
"Jobs" es uno de esos biopics difíciles, por la fama del personaje que debe revivir y por la lluvia de críticas que indefectiblemente caerá sobre sus realizadores, sobretodo de parte de aquellos que se abogan conocer en profundidad la vida de ese personaje. Que Steve Wozniak no la recomiende es una cosa, ahora que una bandada de personas que sólo leyeron algo sobre Jobs en Wikipedia salga a despedazar la película, es un tanto exagerado. La trama se centra en los comienzos de Steve Jobs, primero como estudiante y luego con la creación de Apple Computer en el garage de su casa, pasando por sus altibajos dentro de la empresa ya consolidada y su vuelta triunfal con Macintosh. El co fundador de Apple, Wozniak, expresó que el film lo entretuvo pero no le llegó a copar, que hubo algunos errores conceptuales sobre la personalidad del genio de Apple y algunas situaciones corporativas que se vivieron en la realidad. Coincido mucho con su visión, sin hacer tanto hincapié en la exactitud de los hechos, pero sí en la sensaciones que me produjo el film. Las interpretaciones son buenas incluyendo la de Ashton Kutcher que, sin ser santo de mi devoción, creo hizo un buen trabajo y se nota que se lo tomó en serio, al igual que el gordito Josh Gad en la piel de Wozniak o Dermot Mulroney como Mike Markkula. El problema estuvo en las emociones que transmitió la historia que, si bien repasan la difícil personalidad de Jobs, se quedaron un poco cortas y daban la sensación de estar frente a un trabajo menor, que tocaba los aspectos importantes de su vida en un nivel un tanto superficial. Fuera de esto, el producto entretiene, mantiene interesado al espectador y satisface el deseo de conocer más sobre la vida de este tipo que revolucionó el mundo tecnológico. Creo que muchas personas la despreciarán por el solo hecho de que el protagonista haya sido Kutcher, un actor que por lo general se ha dedicado a películas de calidad mediocre y que se ha forjado una imagen general de intérprete poco talentoso, pero la verdad es que aquí se lo vio muy compuesto y concentrado en la tarea, cuestión que no habría sido sencilla para ningún actor. A los fanáticos más acérrimos y conocedores de la vida de Steve Jobs es muy probable que les parezca un trabajo incompleto, pero para los que sabemos sólo lo básico de su vida, seguramente podamos disfrutarla desde lo cinematográfico y pasar un buen momento.
No me sorprendí demasiado cuando vi este trabajo y pude identificar claramente esa vibra "Twilight" que la recorría por todas partes. Protagonistas cursis y con actitudes precoces, como de quinceañeras el día de su fiesta, con menos sex appeal que Napoleon Dynamite. ¿Será posible que los productores en Hollywood realmente piensen que hacer una copia descarada sólo mejorando los aspectos técnicos los llevaría al éxito? Por si no se dieron cuenta, "Twilight" tuvo una ventaja que nunca podrán superar; fue pionera. Hay una frase del marketing acuñada por Al Ries que se aplica muy bien a esta situación y es la que reza "es mejor ser el primero que ser el mejor". Muchachos, nunca podrán ser Twilight. En todo caso deberían chequear como han hecho personas exitosas del cine para ser competitivos en un rubro de moda, como por ejemplo el de los superhéroes, pero así todo no superarán al pionero. No se trata sólo de cambiar el contexto del amorío insufrible de los adolescentes, se trata de mejorarlo, aportando elementos nuevos que hagan evolucionar al producto. En "The Mortal Instruments" no se respetó en absoluto este mecanismo, sino que se cambió el escenario a uno más oscuro, cool y plagado de mayores efectos visuales, pero sin trabajar sobre la trama y las sensaciones que debía transmitir la película. Algunos serán engañados, sobretodo las fans más acérrimas del amor cursi, pero la mayoría se dará cuenta de que es sólo una copia más de otro producto que desde su inicio era bastante malo. El comienzo de la historia es dinámico, con el tinte adolescente característico de estas tramas pero sugiriendo que no va a caer en los mismos terrenos que "Twilight" o "Criaturas Hermosas". El problema surge por supuesto, cuando empieza a conocerse la pareja protagonista integrada por Lily Collins y Jamie Campbel Bower, y comienza naturalmente el histeriqueo. Lily se podría decir que estuvo safable, pero el pibe este Jamie... Le faltó mucha polenta para ser el galán duro que pretendieron mostrar, le faltó tamaño y actitud. Es como poner a Justin Biever de Gladiador... Otra cuestión que se vio muy extraña, fueron los momentos románticos entre puñetes y estacasos. El timing no fue bueno y hacía que las secuencias de amor se vieran más falsas que billete de $300. Lo mismo que la música... totalmente exagerada, cursi y solemne, pasando de melodías clásicas a electrónicas del más allá con una transición totalmente amateur. En fin, otro fracaso más del subgénero "romance adolescente fantástico", que últimamente sólo viene confirmando que este tipo de historias deberían permanecer en libros, al menos hasta que a algún tipo con más de dos dedos de frente le encuentre la vuelta de tuerca. Con todo el elemento fantástico que tenía, podría haber sido un gol de media cancha, pero en vez de lograr esto, sólo nos ofrecieron otra historia predecible e infantil.
"The company you keep" es otro thriller interesante hasta ahí, que gusta, por momentos atrapa, pero que a los pocos días de haberlo visto, prácticamente olvidamos que alguna vez lo disfrutamos. Es una cuestión rara esta, porque si se analiza objetivamente se puede ver que el film es bueno, la historia está bien contada, tienen grandes actores que hacen un muy buen trabajo interpretativo y trata una temática no muy conocida por estos pagos, lo que podría resultar interesante. Entonces, ¿dónde está el problema?Quizás el tema va por el lado de la falta de picante, de sensaciones más fuertes que hagan al espectador meterse más en la trama, de momentos memorables de tensión, drama o acción. Básicamente la película trata sobre la persecución de Nick Sloan (Robert Redford), un ex activista del grupo radical The Weather Underground que estaba en contra de la guerra en Vietnam y prácticamente todo lo que representaban las instituciones políticas de los años sesentas y mediados de los setentas en Estados Unidos. El grupo en el que militaba en muchas ocasiones optaba por combatir la violencia con más violencia, y como consecuencia de estos actos en una incursión del grupo radical, terminó muriendo un inocente guardia de seguridad de un banco. El crimen nunca se pudo esclarecer hasta que, a raíz de la entrega voluntaria de una de las personas que participó del hecho, se desata una fuerte persecución del FBI apoyada en la información obtenida por un joven periodista interpretado por Shia LaBeouf. Luego este mismo periodista se dará cuenta de que no todo es lo que parece. La cantidad y calidad de los personajes fue tan variada que el efecto producido por la suma de las partes no fue uniforme y de hecho relegó a roles super secundarios a talentosos intérpretes como Susan Sarandon, Chris Cooper y Anna Kendrick. Es decir, hubo tantos personajes desplegados en tan poco tiempo y cantidad de situaciones, que la sensación que dejó en el espectador fue de poca potencia. Recordemos ese viejo dicho que dice, "el que mucho abarca, poco aprieta". A su vez, creo que la falta de involucramiento también se relacionó con una falta de exposición más profunda de las características personales de sus protagonistas, pudiendo acceder solamente a aspectos superficiales de comportamiento social de cada uno de ellos, sin ahondar demasiado en sus vidas privadas y en las emociones vividas. Por momentos el film se tornaba tan frío que producía desconexiones con los espectadores. Creo que es una buena opción si sos fanático de los thrillers y las grandes estrellas de Hollywood. No es una peli que te va a quedar dando vueltas en la cabeza, pero seguramente en el momento la puedas disfrutar bastante.
El pelado Dwayne Johnson, mejor conocido como “The Rock” ("El Rey Escorpión", "La Montaña Embrujada", entre otros ¿memorables? títulos cinematográficos), protagoniza esta película que, en cierta medida, lo ayuda a desprenderse de sus trabajos habituales. No lo vemos aquí como el fortachón de un filme pochoclero de acción con explosiones en cada rincón de la pantalla, ni lo vemos en un papel cómico que apenas logra rozar lo ridículo. Todo lo contrario: asistimos a una actuación dramática que, sin ser perfecta y acabada, encaja muy bien en la historia que se busca contar. Inspirada en hechos reales, la trama nos pone en escena a John Matthews (Dwayne Johnson), un próspero empresario de la construcción, cuyo hijo adolescente (Rafi Gavron) acaba de ser detenido por encontrarse involucrado en una red de tráfico de drogas. Destinado a cumplir una condena de varias decenas de años de prisión, Matthews intentará reducir la pena de su hijo al mínimo, prestando colaboración con la DEA, cuyas tareas estarán a cargo de una alta funcionaria del gobierno (Susan Sarandon). Su misión consistirá en introducirse en una peligrosa red de narcotráfico, con la ayuda de un ex convicto empleado suyo (Jon Bernthal), transportando la mercancía hasta encontrar a un importante traficante (Michael Kenneth Williams). El riesgo que correrá no sólo hará peligrar su propia vida, sino que terminará exponiendo la de toda su familia. El hecho de encontrar a un Johnson interpretando a un “padre coraje” al que no le importa correr riesgos extremos con tal de proteger a los suyos, y de visualizarlo en la plenitud de esos riesgos a lo largo de la trama, es el mérito más valioso de esta película. Su punto más fuerte, paradójicamente, son sus escenas dramáticas más que sus escenas de acción. Es por ello (junto a otros elementos más) que me genera conflicto la determinación del género al que adscribe la historia: ¿se trata de una película dramática o de una de acción, o un mix de ambas? Creo que el etiquetaje no es de importancia relativa porque colabora a darle cohesión al guión. Por momentos, asistimos a escenas con buenas dosis de dramatismo, acompañadas por una banda sonora coherente y agradable al oído, a cargo de Antonio Pinto (responsable del soundtrack de la fallida “El amor en los tiempos del cólera”, de 2007). Pero por otro lado, el espectador puede disfrutar de escenas de alto impacto, con persecuciones y tiroteos bien logrados. Como si fueran dos películas engarzadas, el director Ric Roman Waugh no logra encontrar un punto válido de conexión de facetas de un mismo filme. Si esta circunstancia es buena o mala, no es fácil de dilucidar para mí. Esta inconsistencia (acción o no acción) no le resta mérito a esta película que es disfrutable y que nos presenta a Dwayne Johnson en una interpretación que no acostumbra a realizar. Y sale airoso de esa situación, demostrando que es más que un par de músculos puestos a disposición de una película de acción del montón o de una comedia liviana por demás. Se adentró (o por lo menos hizo el intento de adentrarse) en el drama y eso fue bueno. Crítica realizada por Leonardo Arce
"El Conjuro" es una de las sorpresas más grandes de esta temporada y la verdad es que se merece el reconocimiento que se la ha hecho con tal. El director James Wan ("Saw", "Insidious") vuelve a aplicar su sello "old school" para ofrecernos una historia de terror que ya hemos visto muchas veces en pantalla, pero con la diferencia de que este tipo realmente sabe como presentarla, con la dosis justa de tensión, fantasía, drama y por supuesto, aspectos visuales y auditivos. Si nos ponemos a analizar la historia en detalle, no ofrece muchos aspectos nuevos; casas embrujadas, objetos diabólicos, posesiones, exorcismos, todas cuestiones que hemos visto hasta el asqueo en la gran pantalla. Entonces, ¿cuál es el secreto de Wan? El punto fuerte e inteligente de esta propuesta es la forma en que el director malayo decide contar la historia. Vuelve a la vieja escuela, sin formato documental con cámara en mano y sin ese gore tan de moda por estos días. Se enfoca más en el "cómo" contar la historia que en el "con qué" contar la historia. Presenta personajes atractivos, bien trabajados, con los que el espectador se puede identificar y vivir los miedos que los acechan conjuntamente. Se genera una tensión real, no queremos que estas entidades malignas maten a nuestros protagonistas y compartimos sus sensaciones, algo muy diferente a lo que producen películas como "Con el diablo adentro" o "Posesión satánica" en donde sólo queremos que el diablo se los lleve rápido para no tener que pagar una hora adicional de estacionamiento en el shopping. Los actores elegidos para el film están muy bien, sobre todo el trío conformado por Vera Farmiga (enorme), Patrick Wilson y Lili Taylor. Su profesionalismo y presencia aumenta la credibilidad de la trama y le otorga una seriedad que hace que el espectador perciba al producto como algo de calidad, que ha sido muy cuidado para brindar un entretenimiento como Dios manda. Por su parte los aspectos técnicos como el sonido y los efectos visuales, están prácticamente excelentes, sin exageración y con el uso justo. Quizás lo más débil tenga que ver con la falta de originalidad de la trama. Si bien Wan aplica su personalidad y hasta homenajea películas célebres del género, tiene al menos 10 títulos en los últimos 10 años que abordaron este tema. Muy recomendable para los amantes del cine de terror y para aquellos que le tienen un poco de simpatía también ya que pueden pasar a las filas de los primeros. Recomendación: No verla sólo/a.
Bueno, la mayoría de las personas adultas que vimos la primera entrega de "Los Pitufos" sabíamos que esta secuela no iba a sorprender demasiado, más si volvía a ser dirigida por Raja Gosnell. Recordemos que este director es responsable de "Un chihuahua en Beverly Hills", "Mi pobre angelito 3" y las Scooby-Doo entre otros títulos, por lo que ya se dan una idea del tipo de cine que representa. Nuevamente Neil Patrick Harris participa de esta franquicia... la primera vez se lo perdoné porque justamente era el comienzo y quizás no sabía bien como iba a resultar el producto final, pero ya participar nuevamente... ¿Anda faltando laburo Neil? Igualmente con Hank Azaria que da vida a uno de los villanos más detestables de la gran pantalla, no porque Gárgamel sea un malo berreta, sino porque la caricaturización que hicieron de él es lamentable. Otro que no entiendo cómo se sumó es nada menos que Brendan Gleeson, sí, el gordo colorado de "Corazón Valiente", "Pandillas de Nueva York" y "Troya". Acá tiene un rol de padrastro pesado que se convierte en ganso en el medio de la película... ¿Un claro mensaje sobre la decisión que tomó? Para no ser tan malo con este film, puedo destacar nuevamente que los pitufos están bien hechos, con tecnología CGI de alta calidad y que la modernización de algunos de ellos resulta más fresca para los tiempos que transitamos. Seguramente los más chiquitos, digamos de 2 a 7 años, disfrutarán de verlos en la gran pantalla, pero no por mérito del director y los guionistas de esta franquicia, que por cierto fueron ¡5!, sino porque los pitufos son personajes atractivos en sí mismos. En todo caso el poco mérito de este proyecto cinematográfico se lo llevaría Peyo, el belga creador de los personajes en 1958. Insisto en que se comete un error al no tener en cuenta al público adulto que acompaña a sus hijos, hermanitos y sobrinos al cine. Una historia demasiado infantil se puede ver en casa, en el Discovery Kids o en Nick. Si yo veo en cartelera una película como "Los Pitufos 2" y digamos "Valiente" o "Turbo", llevo a mis nenes a ver uno de estos dos últimos títulos sin titubear y adiós a los duendecitos azules. Creo que la historia no da para más y esto quedó demostrado en la recaudación que obtuvo y en la opinión de quienes fueron a verla. Esperemos descansar de esta franquicia por muchísimos años hasta que a alguien en Hollywood se le ocurra una idea verdaderamente inteligente y original.
Si algo positivo se puede decir sobre J.J. Abrams es que este tipo verdaderamente conoce lo que el espectador va buscando al cine y tiene una visión fantástica sobre lo que significa entretener. Presenta productos de alta calidad y convence al público de haber visto algo trascendente, que posiblemente se convierta en un título de renombre en el séptimo arte. Y con una saga como Star Trek no es para menos, con una legión de Trekkies (fans) a nivel mundial que incluye entre sus filas a famosos como Tom Hanks, Seth McFarlane, Bill Gates y Quentin Tarantino. En esta ocasión, Abrams nos presenta un trama que gira en torno a Khan, un villano frío, inteligente y despiadado cuyos planes resultan misteriosos y desesperantes al mismo tiempo. El actor que da vida a este personaje es nada más y nada menos que Benedict Cumberbatch, gran actor que se encuentra en franco ascenso por estos días en Hollywood. La contraparte es la tripulación del Enterprise, cuyos personajes individuales se están formando una personalidad distintiva que ya habilita para ir seleccionando favoritos. Spock (Zachary Quinto), Kirk (Chris Pine), Uhura (Zoe Saldana), Scotty (Simon Pegg) y Bones (Karl Urban) entre otros, conforman un grupo bien variado cuya química en pantalla resulta ser fabulosa. Pine está cada vez mejor como el capitán Kirk, profundizando en las capas del personaje, y Pinto por su lado hace un trabajo formidable como Spock. Me gustó mucho el cameo de Leonard Nimoy y la incorporación del Peter Weller (Robocop). La historia, si bien presenta algunos baches menores, resulta interesante y con algunas vueltas de tuerca atractivas que mantienen al espectador atento durante las 2 horas 12 minutos que dura el film. Es uno de los pocos casos en los que un tiempo de duración tan extendido no resulta pesado y de cierta manera se justifica para redondear la trama. Quizás lo más flojo tuvo que ver con la incorporación de demasiados factores, lo que genera que se profundice menos sobre ellos. Ejemplos de estos son la historia de Khan, de la nueva tripulante Carol, los klingons y algunos aspectos más que no diremos para no spoilear. Abarcar un gran número de personajes y situaciones deriva en que no siempre se pueda lograr un tratamiento completo de ellos, aunque creo que Abrams logra salir airoso del tema reduciendo los baches al mínimo. Redondeando, creo que Abrams se supera a sí mismo y logra un entretenimiento absoluto de un producto que muchos ya conocemos como la palma de nuestra mano, y eso no es algo fácil de lograr. Ojalá pueda mantener esa visión y creatividad para los nuevos episodios de Star Wars. Muy recomendable.
"Red 2" es la secuela del inesperado éxito de espías jubilados del 2012, "Red". En lo personal creo que el hecho de juntar a grandes y talentosas estrellas en un mismo equipo tiene su encanto, pero ya ha quedado demostrado que esto sólo le sube medio punto a una película y no la salva del desastre. Ejemplos claros son las recientes "Movie 43" y "New Year's Eve". Si bien la "Red" original era buena, tampoco fue una maravilla y no creo que ameritara una secuela, pero los muchachos de la producción vieron que podían exprimirle unos mangos más al producto y realizaron "Red 2". El director Dean Parisot ("Las locuras de Dick y Jane" y "Galaxy Quest") es un director bastante ligado a la TV, donde se ha hecho cargo de capítulos para series como "The Good Wife", "Modern Family" y "Monk". Desde 2005 que no dirigía un largometraje y si bien el resultado final no fue malo, tampoco llegó a entregar un film que se destaque y realmente entretenga. En esta película todo es está muy cuidado, quizás tanto que las escenas resultan un tanto artificiales. Lo mismo pasa con las caracterizaciones de los personajes, que por momentos llegan a ser demasiado acartonadas, como por ejemplo la femme fatale rusa Katja interpretada por Catherine Zeta-Jones o el mismísimo Bruce Willis como Frank Moses. Otra cuestión que no me copó demasiado fue el tipo de humor utilizado para el juego de comedia y acción. Es verdad que la combinación de violencia y gags humorísticos en la primera entrega tuvo bastante que ver con su éxito, pero acá resulta un tanto desgastada y hasta infantil, sobre todo el humor a cargo de Mary-Louise Parker y el pelado Bruce. Son pocos los chistes que realmente sacan una sonrisa al espectador y eso se notó en la recaudación que se quedó a la mitad de los que esperaba el estudio y sus productores. También le siguen dando rosca a la guerra fría, los superagentes secretos, las organizaciones de seguridad y espionaje internacionales y toda esa yerba que nos venimos fumando desde hace años. A esta altura de la vida, si se meten con el espionaje y los organismos de seguridad, temas gastados hasta el infinito, deben al menos buscarle un enfoque interesante como el que tuvo "Tinker, Taylor, Soldier, Spy" o las renovadas "Misión Imposible". Buenos actores, muchas locaciones, tiros y puñetes al por mayor, combinados con un humor mediocre, personajes infantiles y una trama chueca. El resultado es una peli mediocre que sólo le gustará a quienes sean incondicionales de la primera entrega y se diviertan con el solo hecho de ver a tantas estrellas juntas.
La polémica comedia del director español Pedro Almodóvar llega a nuestro país con una desprejuiciada y liviana historia que refleja la situación de los españoles por estos días. "Los amantes pasajeros" no causó polémica por el tono de su propuesta, sino porque muchos críticos consideraron que fue demasiada superficial, chata y con poca sustancia. En lo personal creo que es una exageración tildarla como una de las peores comedias de Pedro. Si bien es verdad que no es la mejor y que le imprimió un tono más coral, la película cumple con creces su objetivo y mantiene divertido e involucrado al espectador con el universo Almodóvar. Tiene su sello, es inconfundible, aborda los problemas sociales de la España actual a través de un grupo de bizarros personajes que exploran su sexualidad y te hacen reír desde el minuto uno. Una ex estrella erótica, un empresario corrupto, una virgen de más de 40 años, un mexicano misterioso, un galán de la televisión, una pareja de recién casados, dos pilotos de lo más irresponsables y tres azafatos fabulosos que te hacen soltar carcajadas a lo loco. Se debe dejar en claro que el producto es bien Almodóvar, con diálogos sexuales desprejuiciados, sexo, drogas, mucho kitsch y hasta un número musical, por lo que si nunca has simpatizado con sus trabajos anteriores probablemente tampoco simpatices con este. Para los que sí gustan de las ocurrencias de Pedro, se encontrarán con un producto mucho más light que sus anteriores, pero no por eso es malo. El guión no tiene la creatividad de "La piel que habito", ni la histeria de "Mujeres al borde de una ataque de nervios", pero aborda de cierta manera temas serios como la crisis económica española y las posturas de los distintos estratos ante esta, obviamente con su mirada retorcida y artística.
Lo mejor de la propuesta son sus tres protagonistas, Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces, los azafatos desfachatados pero de buen corazón de la aerolínea Península. Ante una posible explosión del avión donde viajan decenas de pasajeros, deciden drogar a toda la clase turista para que no se alarmen y ofrecen entretenimiento a la clase business preparándoles un número musical, tragos típicos españoles mezclados con mescalina y hasta consejos de vida. Cuando el alcohol y las drogas hacen efecto se desata una seguidilla de situaciones absolutamente ridículas pero divertidísimas que incluyen sexo, llamadas telefónicas incómodas, sinceramientos emocionales y anécdotas de vida. Lo más flojo es la trascendencia del guión que es efímero y liviano, con algunas escenas irrelevantes que se nota fueron incluidas por puro capricho de Pedrito. En esta ocasión se enfocó más en ser gracioso y bizarro que en ofrecer una historia relevante, pero repito, no por eso pierde su encanto y deja de ser una buena comedia para disfrutar y desenchufarse de la realidad para viajar por el espacio Almodóvar.
