27 abr 2013

Tadeo, el explorador perdido: Aventura en los valles sagrados


* * * *  MUY BUENA

Interesante es este primer trabajo en largo del director  español Enrique Gato, que ya había creado dos cortos anteriormente acerca del simpático personaje que emula a Indiana Jones. En esta ocasión, nos trae una aventura en Latinoamérica, puntualmente en Perú, en donde Tadeo deberá defender los tesoros ancestrales de una ciudadela sagrada de las ambiciosas manos de una corporación caza tesoros (guiño, guiño, socialismo).

La aventura planteada es muy atractiva, no por su originalidad y factura artística, pero sí por su locación, por la misión bien intencionada que debe llevar a cabo el protagonista y por la buena elección de personajes secundarios que acompañaron al protagonista.
Perú es un destino muy de moda por estos momentos, es un país que respira misticismo y aventura, que ofrece belleza natural como pocas veces se puede apreciar en la vida. Situar un producto animado en Machu Picchu, el valle sagrado y Cusco, asegura una explosión de colores en la gran pantalla y el inmediato involucramiento para aquellas personas que hayan tenido la suerte de conocer estos paisajes y ruinas. Otro acierto fue el equipo que se conformó para acompañar a este albañil devenido en arqueólogo aventurero, un equipo formado por su fiel mascota, Jeff, la sexy profesora Sara, el alocado guía peruano y un loro mudo de pocas pulgas. La química entre todos ellos funciona muy bien y da lugar a momentos realmente divertidos, de un humor universal que va más allá de la comedia española.
Por último, el espíritu del film es bien sano y útil para los tiempos en los que vivimos, un tiempo en el que los sueños se ven muchas veces relegados por las restricciones que nos auto asignamos o por las que nos impone la sociedad. En ese sentido, la aventura de Tadeo Jones cobra mayor importancia y hace que el espectador, sobre todo el niño,  aprenda algunas buenas consignas para el futuro.
Una buena aventura animada que apunta a un target más bien infantil, pero que no ignora por completo al adulto que muchas veces debe acompañar a los niños al cine brindándole algunos momentos que lo dejaran conforme. Más allá de que no tuvo mucho promoción en Argentina, es una buena opción para ver un producto distinto de lo que nos ofrece generalmente Pixar o DreamWorks.



25 abr 2013

El nombre: La miseria y la amistad


* * * *  MUY BUENA

"Le Prénom" es la adaptación cinematográfica de la famosa obra de teatro francesa creada por Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière. Para quienes no la conocen y puedan darse una idea de lo que estamos hablando, es una obra bastante parecida a "Le dieu du carnage" o "Un dios salvaje" (como se la conoció en Argentina), ya que básicamente muestra la interacción de un grupo de personas al que sus secretos y prejuicios individuales lo llevan a situaciones tan miserables como hilarantes.

Todo empieza con una broma pesada que intenta llevar a cabo Vincent diciéndole a su cuñado y amigos, acérrimos intelectuales de izquierda, que le pondrá de nombre a su futuro hijo nada más y nada menos que el mismo del führer, Adolf o Adolphe como él dice al principio. A partir de acá, se desatan los diálogos más nerds, interesantes y espectacularmente divertidos que he visto en todo el año. La miseria humana y la amistad mezcladas en un mar de humor ácido, es una combinación muy pintoresca y entretenida, que deja ver su lado teatral, pero que a la vez se fusiona muy bien con el séptimo arte. Las actuaciones son muy creíbles, sobre todo cuando deben cambiar del drama a la comedia y viceversa. La personalidad del cine francés está muy presente, con sus conversaciones rápidas y ese humor afilado que por momentos corta con sólo acariciarlo. Los lazos de amistad utilizados como centro de la trama, configuran a esta producción como una propuesta bienintencionada en el plano general, aunque en el camino transite por el humor más malintencionado y ácido. El recurso utilizado al comienzo de la película, en el que podemos ver a un repartidor de pizza transitando las calles parisinas cuyos nombres van siendo explicados con humor negro, es sencillamente genial y predispone de la mejor manera para disfrutar lo que viene.
Una comedia inteligente, mordaz y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en la gran pantalla. Si esperás ser sorprendido gratamente y disfrutás de las situaciones tragicómicas, "Le Prénom" será una buena opción para pasarla de diez.



24 abr 2013

Palabras robadas: Aceptarse


* * *    BUENA

¿Por qué esas traducciones de títulos?... Como si fuéramos estúpidos y no tuviéramos la capacidad de deducir el significado del nombre de un film. La película se llama "The Words" y trata sobre cuestiones que van más allá del evidente robo de un escritor a otro. ¡Por favor, dejen de subestimar al espectador y de intentar simplificar títulos con subrayados estúpidos!
Yendo al film concretamente, no entiendo por qué los críticos estadounidenses tiraron tan abajo este trabajo, que podrá ser un poco denso por momentos, pero de ninguna manera resulta común u ordinario como leí por ahí.
La trama es del tipo de historia dentro de otra historia. Se centra en la vida de dos personajes, por un lado el personaje "real", Clay Hammond (Dennis Quaid), un famoso escritor que lanza un libro que cuenta la historia de otro escritor, el "ficticio" Rory Jansen (Bradley Cooper), que al no tener éxito con sus escritos, decide cometer plagio y publicar una obra fabulosa que encontró por error como si fuera propia. De repente gana mucho prestigio, premios y reconocimiento en el mundo artístico, pero como la mentira tiene patas cortas, la fantasía dura poco y aparece el verdadero escritor de la obra, interpretado maravillosamente por Jeremy Irons. El encuentro entre ambos, plagiador y plagiado, produce un ida y vuelta de sensaciones, frustraciones y recuerdos que a mí me resultó bastante placentero de ver en la gran pantalla. También la conexión entre el personaje "real" de Clay y Rory, el "ficticio", me pareció interesante y entretenida de ver. La película es dramática, quizás con un tratamiento por momentos superficial y redundante sobre la culpa y los dilemas morales, pero en general logra su cometido y resulta un trabajo serio que se puede disfrutar bastante, sobretodo si sos de esos espectadores a los que les gustan las historias con fuertes cargas de realidad.
Los directores Brian Klugman y Lee Sternthal abordan un abanico de temáticas que identifican al espectador con los personajes, como por ejemplo el peso de las decisiones que tomamos, la aceptación de quienes somos, la delgada línea entre lo moral y lo inmoral, el destino y otros conceptos que están bien tratados y narrados. Una buena opción para disfrutar de un drama bien construido y con altas dosis de sensaciones reales.



18 abr 2013

Jugando por amor: Liviandad... y no sé que más decir


* *     REGULAR

¿Por qué será que, tanto productores como guionistas y directores de comedias románticas, ponen todo su empeño en destrozar este género el que, ya de por sí,  bastante defenestrado se encuentra? ¿No va siendo hora de que se tomen con responsabilidad la tarea de formular una comedia con seriedad? ¿Y por qué no direccionan esos esfuerzos en hacer algo potable a la vista? Hollywood: ¡no pido tareas imposible! David O. Russell lo ha logrado, llevando a los mismísimos altares del cine a su comedia “Silver Linnings Playbook”. Y eso que Russell no es ni un extraterrestre ni un iluminado por ningún fuego sagrado o algo que se le parezca; solo es un director que se toma su trabajo con seriedad.
No puedo ocultar mi desdén por este género que muy pocas perlitas le ha dado al séptimo arte (hasta expresé ese desdén en algún que otro comentario a las consignas impartidas por nuestro  buen amigo administrador de Cinélico). Pero a pesar de ello, mantengo viva mi fe en su reivindicación. "Playing for Keeps" ni siquiera es un digno intento. Me pregunto si la película no se trata de una broma de mal gusto.
La historia se centra en George (Gerard Butler), una ex-estrella indiscutible del fútbol, cuyos días de gloria han quedado en el olvido, que intenta recuperar el vínculo con su hijo luego de que asume el papel de entrenador del pequeño equipo de fútbol al que su niño pertenece. A lo largo de la trama, el protagonista deberá aprender a lidiar con su hijo que parece alejarse; a lidiar con las lanzadas y para nada pudorosas madres “botineras” de los niños del equipo (Uma Thurman; Catherine Zeta-Jones), poco preocupadas en las actividades deportivas de sus hijos pero sí interesadas en los atributos físicos del entrenador; lidiar con las ansias de recuperar un lugar en el mundo del periodismo deportivo que tanto anhela; lidiar con sus sentimientos encontrados para con su ex-esposa (Jessica Biel), a punto de contraer matrimonio con otro.
Viéndolo así, parecen argumentos sumamente interesantes y ricos en aportes, pero sólo es hasta que se desarrollan los diálogos que, más que causar risa, producen exasperación. Y así la película va avanzando sobre terreno fangoso, al no quedar en claro si se trata de una comedia romántica, costumbrista, dramática, familiar, disparatada o infantil. El guión tiene el defecto de no establecer un punto concreto que enmarque la historia de modo tal que permita al espectador entender qué es lo que ocurre en la pantalla o hacia dónde pretende dirigirse. Es como un barco sin timón.
Un buen elenco, en el que debemos también incluir a Dennis Quaid, que recrea personajes poco atractivos, sin una pisca de gracia, que no permiten lucimiento alguno de ningún actor. Un desperdicio ver los talentos de una Uma Thurman y de una Catherine Zeta-Jones reducidos a papeles de señoras “necesitadas”.
No suelo ser tan violento con mi pensamiento; es más, siempre aspiro a encontrar el lado positivo a toda circunstancia. Pero, en este caso, no lo he logrado. De todas maneras, sepan disculpar a este germen de crítico que busca encontrar una comedia que siga alimentando esa fe en el género; fe que, con este tipo de obras, lentamente se va diluyendo.

Crítica realizada por Leonardo Arce.



16 abr 2013

Profesor Lazhar: Desarraigos distintos pero comunes


* * * *  MUY BUENA

Si de argumentos cinematográficos se trata (sin olvidarnos de los televisivos, en donde podemos encontrar un crisol de ejemplos), el vínculo docente-alumno es uno de los más estereotipados que pueden existir. Cómo no recordar esas historias protagonizadas por una maestra dulce, cariñosa y comprensiva que defiende a sus alumnos con personalidades dispares de las injusticias educativas, económicas, sociales y familiares, cuyas relaciones siempre pasaban por el tamiz de la moral.
"Monsieur Lazhar" se desprende de este modelo y aspira a recrear ese complejo vínculo. Y lo hace a través de un enfoque comprometido y profundo. Esta película canadiense, nominada a los Premios Oscar en 2012 en la categoría de Mejor Película Extranjera, pone de manifiesto la relación entre un profesor argelino refugiado en Canadá y un grupo de niños estudiantes que deben superar el trauma producido por el suicidio de su maestra.
No se puede dejar de ponderar la valiosa perspectiva relacionada con los traumas infantiles y la necesidad imperiosa de los niños de expresar sus sentimientos de culpa, confusión y remordimiento, con todas las dificultades que ello implica para los adultos que buscan dar respuestas al conflicto individual que se proyecta en el orden grupal. Esta circunstancia se plasma en las miradas de los dos únicos niños que vieron la macabra escena, quienes logran emocionar y hacen reflexionar sobre el modo en que perciben las cosas.
En este panorama ingresa la problemática del desarraigo cultural del profesor Bashir, quien debe huir de Argelia, arrastrando una historia familiar dura, para resguardar su vida en un país que se resiste a concederle las prerrogativas que el status de refugiado confiere. Este desarraigo viene a complementarse con el desarraigo afectivo que padecen los niños, quienes no logran liberarse del fantasma de aquella amada docente que los abandonó y olvidó decirles “adiós”. Aquí es donde se fortalecen los lazos, en donde el profesor debe aprender a lidiar con un sistema educativo distinto al de él y con las particularidades del grupo, por el cual hará lo imposible para recuperar la dinámica colectiva. 
Sin golpes bajos, con un guión sólido y efectivo y una dirección que logra sacarle el máximo provecho al talento juvenil, la película permite al espectador involucrarse con la trama de comienzo a fin. Resalto la musicalización, basada en el uso del piano como instrumento principal, y la edición que es mucho más que correcta. De esta manera, "Monsieur Lazhar" se alza como una opción imposible de eludir para todos aquellos que guardan nostalgia en el recuerdo del vínculo profesor-alumno, relación tan entrañable que se escurre por una trama más adulta que la que ofrecía, allá lejos y hace tiempo, algo llamado “Señorita Maestra”.

Crítica realizada por Leonardo Arce.



15 abr 2013

Oblivion, el tiempo del olvido: Wake up Tom


* * *     BUENA

"Oblivion" del director Joseph Kosinski ("Tron Legacy") es una película de ciencia ficción bastante bien elaborada, con toques sociales interesantes y con una narración correcta que va conectando los cabos poco a poco. La historia se sitúa en un futuro no tan lejano en el que la Tierra ha sido invadida por extraterrestres y que, como resultado de la cruenta batalla entre humanos y marcianos, se encuentra ahora prácticamente inhabitable, ¿o no es así?. La trama juega bastante con algunas vueltas de tuerca y lleva de manera inteligente al espectador hacia una zona de espejismos donde nada es lo que parece. Ahí, en esa zona, Kosinski despliega su pericia y hace pasar un buen momento de ciencia ficción clásica.

Quizás el problema más palpable de este film tuvo que ver con los personajes que en general fueron poco atractivos y de un carisma medio. Más allá de que la historia resultaba interesante, los personajes individualmente no produjeron un impacto fuerte en el público. Quizás la frialdad que propone la trama se extrapoló a la personalidad de los protagonistas y eso derivó en que ninguno sobresaliera demasiado. Es el típico problema en el que pensamos que si muere tal o cual protagonista no nos afectará mucho, y eso habla del nivel de involucramiento generado por el film, que en este caso creo que fue bastante bajo.
Otra sensación que me surgió mientras veía la peli, era de sentirme ante algunos elementos muy palpables de Matrix, como por ejemplo la condición de elegido del personaje de Tom Cruise, la personalidad profética de Morgan Freeman muy a lo Morpheus, los drones y algunas otras similitudes más que no quiero contar para no spoilear. Se nota un clara influencia de la trilogía Matrix tanto en la trama como en algunas cuestiones estéticas, lo que no es malo por cierto, pero le quita un poco de originalidad.
Creo que se abordó una trama compleja, que fue bien desarrollada a lo largo de metraje, pero en el cierre se notó bastante que les costó redondear la historia. En cuanto a lo técnico no tengo quejas, se nota que se hizo un buen trabajo visual y de edición. 
Más allá de los inconvenientes marcados, creo que en general "Oblivion" se ubica por encima de la media de productos de ciencia ficción y a muchos fans del género les va a gustar bastante.



13 abr 2013

Iron Man 3: Menos Rock, más Pop


* * *     BUENA

Lamento no compartir la emoción y exitación de varios críticos y fans de la franquicia con esta 3ra entrega. En serio que lo lamento porque a mi forma de verlo, Iron Man es uno de los héroes más atractivos y cool que tiene Marvel, pero la verdad es que esta última entrega no colmó del todo mis expectativas y me pareció una producción de superhéroes del montón.

Para empezar creo que directamente perdió su aura rockera, esa que la hizo tan copada en 2008 y que ya se había visto disminuida con la 2da entrega en 2010. Tony Stark representa el estilo Rock & Roll, la irreverencia, la rebeldía, la incorrección política, sin embargo en esta última entrega se le imprimió un perfil más inocente y se notó la mano oculta de Disney. No me malinterpreten, me gustan los productos Disney por lo general, pero hay que separar los tantos cuando se trata de diferentes productos. Como diría aquella publicidad local de bebida espirituosa, "al pan, pan y al vino..." No es una buena estrategia que Disney suavice la oscuridad innata que tienen algunos cómics de Marvel sólo para mantenerse en la línea familiar que marca su camino comercial. Si a Iron Man se le quita el Rock y a los villanos la oscuridad, se corre el riesgo de caer en una fórmula de aventuras default que trasmita pocas sensaciones al espectador. Por ahí leí algunos intentos de comparación con la trilogía cinematográfica de Nolan sobre Batman... por favor, piensen bien antes de cometer semejante estupidez. Este Iron Man actual es un héroe para adolescentes más bien tirando a niños, a diferencia de la adultez que presentó la historia del caballero de la noche que claramente no tenía como target principal a los más chicos.
Otra cuestión que me pareció un gran WTF fue lo que decidieron hacer con El Mandarín, villano histórico de Iron Man que en esta 3ra entrega aparece satirizado como consecuencia de una vuelta de tuerca caprichosa.
Entre las cuestiones positivas de este film, están los aspectos técnicos que son increíbles, tanto visuales como de sonido, de eso no hay queja que valga. En una mínima escena en la que Tony se pone uno de sus trajes, demuestra toda la pericia profesional que Michael Bay no logra en su casi 3 horas de tortura Transformer. 
En general la trama se plantea interesante y titánica, con algunos aciertos como el potenciamiento de Pepper Potts y el hecho de mostrar a un héroe más vulnerable, y otros no tanto como por ejemplo la personalidad de los villanos.
En general es una película que entretiene, que ofrece humor y grandes escenas de acción, pero eso no basta para estar a la altura de "Los Vengadores" o la mismísima "Iron Man" original que, según la humilde opinión de este fan del cine, sigue siendo la mejor de la franquicia sin lugar a dudas.



12 abr 2013

21 La gran fiesta: Si esto es la gran fiesta...


*         MALA

Bueno, parece que los muchachos se coparon con "Proyecto X" y "¿Qué pasó ayer?" y decidieron armar un mejunje de ambas para adolescentes con ansias de vivir la joda loca, aunque sea a través de 3 descerebrados con poco carisma. He aquí la primera gran diferencia con los 2 títulos a partir de los cuales nace "21 & Over". El Wolf Pack tiene a 3 grosos de la comedia, con experiencia y carisma al por mayor; el fresco trío de la fiesta adolescente (Proyecto X) que termina en desastre contó con 3 pibes nuevos en escena, pero que sabían como involucrar al público y hacerlo sentir identificado con lo que se vivía en pantalla. Por el contrario, los protagonistas de "21 & Over" son 3 salames nada simpáticos que llevan el cliché de pendejo gringo sin cerebro a la enésima potencia. Chistes escatológicos, físicos, fijación sexual, juegos para emborracharse, desnudos y un poco de violencia, todos los ingredientes de la nueva comedia norteamericana estuvieron presentes en esta propuesta, pero el problema principal pasó por otro lado, el problema fue la falta de actuación de los protagonistas y la historia de fondo que por momentos era ridícula. Quizás estos actores con una dirección más cuidada habrían sido menos lastimosos, pero la verdad es que no convencieron en absoluto y producían rechazo, sobre todo el asiático cuyo idea de ebriedad era poner cara de idiota y correr por toda la pantalla.

Quizás se pueda resaltar algún que otro momento de amistad y camaradería entre el trío protagonista y uno o dos gags divertidos, lo demás se queda en el camino y da la sensación de que los productores y el director pasaron más tiempo pensando en donde iban a poner la cámara para obtener la mejor toma de un vómito en vez de darle un poco más de atractivo a la trama.
Si sos de los que disfruta de situaciones ridículas más allá de algún tipo de trama interesante puede que disfrutes un poco este producto, ahora si lo que estás buscando es una experiencia a lo "Proyecto X" o "¿Qué pasó ayer?", seguramente te decepciones a lo grande.



10 abr 2013

Ausencia: Terror Indie


* * *     BUENA

"Ausencia" es un film de terror independiente, de esos que son raros de encontrar con tanta posesión y fake documentary dando vuelta. No es pochoclero, ni toca temas repetidos del terror, cuestión que me parece innovadora y que atraerá al espectador que está asqueado con lo que viene ofreciendo el género. ¡Ojo!, no es una película de terror estandard, no tiene grandes efectos, ni tiene el ritmo más dinámico que se puede ver en la gran pantalla, pero sí tiene mucha vocación. Si se dejan ir atrapando de a poco por los acontecimientos que se van sucediendo, podrán disfrutarla y vivir el terror psicológico que tiene para ofrecer. Si sos de los que esperan mucho despliegue visual más que la sugerencia de las situaciones terroríficas, vas muerto con esta propuesta. 

Para entender un poco de que se trata, vamos a decir que una joven vive tratando de superar la desaparición de su marido, que misteriosamente se ausentó de su hogar hace más de 7 años y nunca volvió. Ni las investigaciones policiales, ni los esfuerzos de su frustrada mujer pudieron determinar que fue del pobre tipo. Un buen día llega la hermana para ayudarla a mudarse y hacer el cierre final de los trámites administrativos necesarios para dar por muerto definitivamente al marido, pero una serie de eventos inesperados las llevarán a descubrir qué es lo que había pasado con el pobre el tipo, un destino tan angustiante que cualquiera preferiría morir a tener que pasar por semejante situación.
Es muy inteligente como el director Mike Flanagan aborda el terror desde la angustia, logrando algunos buenos momentos cinematográficos con poco recursos y metiéndose de lleno en el mundillo de las desapariciones, claro que en este caso, las razones tienen que ver con cuestiones sobrenaturales. 
El punto más fuerte del film está en la tensión creada con la incertidumbre, no saber bien que es lo que le está pasando a esa pobre gente, o mejor dicho, imaginarse las cosas terribles que les están pasando, ya que el director deja varias sendas abiertas a la creatividad macabra del espectador. Lo más débil tiene que ver con el cast, ya que ninguno logra destacarse o sorprender con su actuación.
"Absentia" es una peli chica y hay que verla con esos ojos. Una producción ultra independiente que se las arregló para colocarse por encima de la media en un género que viene manoseado y ultrajado por propuestas mediocres.



7 abr 2013

911 llamada mortal: Una bolsa de tensiones


* * *     BUENA

"The Call" es una de esas películas que llegan sin muchos platillos ni bombos, que uno espera sean un fiasco, pero la realidad demostró que este nuevo trabajo del director Brad Anderson ("Transsiberian", "El Maquinista", "Session 9", entre otras) es bastante entretenido y pasea al espectador por una montaña rusa de nervios, suspenso y tensión.

El concepto es muy bueno; muestra el duro trabajo de las personas que deben lidiar todos los días con las llamadas de emergencia que tienen lugar en el 911, algo que resulta extremadamente estresante y dinámico para vivir en el cine.
Puntualmente la trama se centra en el trabajo de Jordan Turner (Halle Berry), una habilidosa telefonista del 911 que un día, ante un descuido en una llamada de emergencia, contribuye sin quererlo a la muerte de una adolescente que estaba siendo acechada por un peligroso psicópata. A partir de ese día, pierde la confianza en su trabajo y se recluye al área de capacitación de novatos. Por esas cosas del destino, vuelve al ruedo sin saber que  está a punto de enfrentarse con la razón de todos sus miedos.
El film funciona en muchos niveles, con un ritmo dinámico e infartante que mantiene al público al borde de la butaca casi todo el metraje. Las interpretaciones son creíbles, el factor psicológico está usado con bastante criterio y la duración es propicia. El gran problema, y razón por la cual decidí bajarle algunos puntos a esta propuesta, tiene que ver con la resolución de la historia que se decidió implementar. El final es muy flojo y hasta inverosímil, como si cansados de todas las pilas que le pusieron al 80% de la película los hubiera llevado a escribir el final trasnochados y con pocas ganas. Sinceramente no se que sucedió con esto, si los productores presionaron para hacerlo de esta manera o sólo fue una mala decisión de los escritores y el director. Sacando este tema no menor, el film cumple muy bien con lo que promete y sorprenderá a más de uno.
Un entretenimiento que demuestra que con talento se puede ofrecer un producto de calidad con bajo presupuesto, con la excepción del final, claro.



6 abr 2013

Bienvenido a los 40: Loca y linda comedia familiar


* * * *  MUY BUENA

"This is 40" es una loca comedia familiar de Judd Apatow que sorpresivamente cala hondo en el espectador y lo pasea por momentos divertidísimos y hasta sanadores. Digo sorpresivamente, ya que no soy un asiduo fan de la nueva comedia americana que se vale de chistes estúpidos sexuales y escatológicos casi todo el tiempo. Apatow ha demostrado tener mejor gusto como director que como productor. Los títulos que él mismo dirigió como "Virgen a los 40", "Ligeramente embarazada", "Funny People" y esta última "Bienvenido a los 40" representan la mezcla justa de humor ácido, incorrección política, inocencia y buenos valores. Como productor en cambio, ha apadrinado algunos trabajos de mal gusto como "Wanderlust".

En esta ocasión presenta una comedia familiar que se encarga de mostrar las locuras que vienen asociadas con la crisis de los 40 años. Para ello utiliza a su actor fetiche Paul Rudd, y a su esposa e hijas en la vida real para que interpretan el mismo rol en esta historia. Rudd vendría a ser la representación actoral de Apatow.
Lo mejor de este film pasa por el equilibrio que nombré anteriormente, momentos de acidez punzante que le sacarían una sonrisa hasta al más amargado, combinados con esas situaciones tiernas y de buena vibra que suele incluir el director en sus trabajos. Paul Rudd (Pete) y Leslie Mann (Debbie) son tan cool que uno siente ganas de andar con ellos, ser su amigo, y esa es una habilidad que no muchos comediantes logran tener. La participación de secundarios también le dio un brillo extra; personajes como Albert Brooks (padre de Pete), el gran John Lithgow (padre de Debbie), Melissa McCarthy, Jason Segel e incluso Megan Fox ,que aquí demuestra un poco de más de versatilidad que en sus trabajos anteriores.
Por el lado de lo no tan positivo, tenemos en primer lugar el factor duración. 134 minutos para una comedia de este tipo es exagerado y el cansancio se hizo presente hacia los últimos 30 minutos del film. El otro aspecto tiene que ver con algunos sketchs medios WTF que no causaban gracia sino un poco de vergüenza ajena, pero para ser justos, no fueron muchos. 8 de cada 10 chistes buenos es un buen promedio en mi barrio.
Un buen exponente para disfrutar de lo mejorcito que ha surgido de este movimiento tan irregular llamado "nueva comedia americana".



4 abr 2013

Contrarreloj: Las películas "nada" de Cage


*               MALA

¿Por qué Nicolas?, ¿por qué!? Es increíble como puede pasar una estrella del cine talentosa como Nicolas Cage, a participar de proyectos excelentes como "Adaptation", "Lord of War" o "Kick-Ass" a bazofias de baja calidad como "Cacería de Brujas", "El culto siniestro" o este último proyecto titulado "Contrarreloj". Algo parecido sucede con Simon West, director de la cinta, que en el pasado ha entregado algunos aciertos como "Con Air" o la reciente "Los Indestructibles 2", pero también fue artífice de las fallidas "Tomb Raider" y "Cuando un extraño llama".

Lamentablemente para este proyecto se pusieron de acuerdo con el timing y en conjunto crearon una historia de acción irregular y por momentos ridícula.
Will Montgomery es un ex ladrón profesional, que al salir de la cárcel debe lidiar con el secuestro de su hija de 15 años perpetrado por un antiguo colega criminal que lo culpa por un trabajo fallido y la amputación de su pierna derecha. Mientras el personaje de Cage debe conseguir el dinero en 12 horas para pagar el rescate, la brigada de policía más inútil del mundo le sigue los pasos. He aquí una de las situaciones más penosas del film. El detective (Danny Huston) que le sigue el rastro para supuestamente matar dos pájaros de un tiro (atrapar con las manos en la masa a ambos criminales), resulta ser de lo más ineficaz que se ha visto últimamente en este género. Siempre llega tarde, toma decisiones pésimas y por momentos tiene un rol de ¿amigo? del personaje de Cage. Otra cuestión que le baja puntos es el perfil que se diseñó para el villano de la historia, caricaturizándolo de una manera que le quitó credibilidad y maldad. Sólo parece un loco vagabundo que al que fortuitamente le salen muy bien las cosas, hasta el final claro. 
El secuestro y las escenas de violencia suceden en pleno desfile del Mardi Gras, donde inexplicablemente nadie se inmuta o al menos parecen no darse cuenta de lo que está sucediendo a su alrededor, aún cuando el acto es extremadamente sospechoso. Bueno, "Stolen" o "Contrarreloj" está plagada de este tipo de inconsistencias y parece una película hecha a los ponchasos para tratar de sacar unos manguitos de taquilla. Un producto default que será olvidado en menos de un mes. Una película "nada" más de Cage.



2 abr 2013

Posesión Infernal: Un buen tributo


* * *       BUENA

La nueva "Evil Dead" by Fede Álvarez, es una remake que cumple, que no excede expectativas ni estremece hasta la huesos, pero la verdad es que cumple.

Seguramente habrá detractores, amantes de la película original que fue dirigida por Sam Raimi en 1981, que sólo le bajaran puntos a esta nueva versión por el simple hecho de no ser justamente la de Sam Raimi de 1981. Seamos sinceros, hay mucho de tradicionalismo en el cine y una mística exagerada alrededor de los films de culto que se elevan a un nivel casi inalcanzable.
Por otro lado, sí es verdad que la nueva versión del uruguayo Álvarez corre con la desventaja de no tener el factor sorpresa, el impacto que causó la entrega original por aquellos tiempos, y además llega en un momento de saturación de remakes (en breves se estrenará "Carrie" por ejemplo) e historias con temáticas de posesiones. Teniendo en cuenta los estrenos paupérrimos de los últimos 2 años en materia de posesión, "Evil Dead" 2013 es un producto por encima de la media.
En esta ocasión, el horror se centra en un grupo de amigos que deciden hacer una intervención casera para ayudar a una amiga a limpiarse de su adicción a las drogas. El lugar elegido para la purga es una vieja cabaña que esconde secretos de posesiones, exorcismos y muertes atroces. Cuando uno de los jóvenes invoca sin saberlo a un demonio ancestral, se desata una ola de violencia y gore como hace mucho tiempo no veíamos en la gran pantalla. Desmembramientos, vómitos infernales y mucho agujereo de cuerpos es lo que ofrece "Posesión Infernal". En este trabajo la clave no es generar miedo sino producir horror, malestar físico y mucha impresión. Es un buen exponente gore, clase B, que no pretende ser otra cosa más que un sincero homenaje que entretenga tanto a espectadores ocasionales como a los fans de la cinta original.
La promoción de su estreno fue exagerada, es verdad, no es la peli más aterradora que vas a ver en tu vida pero logra su cometido y produce algunas sensaciones de incomodidad y asqueo que recuerdan a la entrega de Raimi, aunque manteniendo sus toques contemporáneos. Algunos sobresaltos, varios amagues a taparse los ojos, buena producción visual y una historia, que a pesar de las diferencias con la peli original, mantiene interesado al público. Si eso no es un tributo aceptable, ¿qué es?.



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